¿Cómo crear disonancia / tensión armónica?

Disonancia como concepto tiene dos pensamientos básicos, uno de los cuales es un poco más controvertido. La primera, que es la más utilizada, es que la disonancia y la consonancia son básicamente relativas y existen en un espectro. Los intervalos y armonías más consonantes son los que tienen sus ciclos de ondas de sonido superpuestos alineados con mayor frecuencia.Una octava es el intervalo menos disonante, con cada uno de los ciclos de sonido de frecuencia más alta alineándose con los ciclos de sonido de frecuencia más baja 2: 1, es decir, cada ciclo de sonido de la frecuencia más baja ocurre una vez en la misma cantidad de tiempo que tarda el más alto frecuencia suceda dos veces, como se muestra a continuación. Los intervalos más disonantes necesitan más ciclos para que sus ondas de sonido se alineen. Esto explica por qué los mismos intervalos tienden a sonar más disonantes en rangos de frecuencia más bajos (si no está familiarizado, intente tocar una tercera mayor en el registro medio del piano, luego hacia el extremo bajo).

El otro proceso de pensamiento para la disonancia es el deseo de resolver . Esto generalmente se aplica bien al primer concepto, ya que los enfoques más comunes de la música suelen utilizar la disonancia como un medio para establecer una resolución, por ejemplo, el acorde V se utiliza para crear una tensión que quiere resolverse en el acorde I. Esto solo se vuelve realmente controvertido cuando se lleva al extremo. La música atonal se configura básicamente para que ninguna nota sea más importante que cualquier otra, por lo que no hay sentido de tónica. Debido a esto, no puede haber deseo de resolver en un lugar determinado, ya que ningún lugar está más en reposo que otro. En este sentido, la música atonal es la música más consonante que existe, que casi todos los humanos que alguna vez lo haya escuchado estaría completamente en desacuerdo.

La disonancia, como se conceptualiza más comúnmente, existe en un espectro y es relativa. Esto significa que podemos adaptarnos a las disonancias y empezar a percibirlas como más consonantes. Esto es bastante evidente en el mundo del Jazz. Los acordes extendidos pueden sonar muy disonantes cuando se colocan aleatoriamente dentro de una pieza musical, pero cuando toda la pieza está compuesta por acordes extendidos, suenan muy consonantes, especialmente en comparación con los acordes alterados que se usan a menudo para configurarlos.

Teniendo esto en cuenta, es importante tener en cuenta su contexto cuando intente utilizar la disonancia para crear tensión. Algo que sonaría bastante disonante en una canción pop puede muy bien sonar completamente consonante en una canción de jazz. Además, algunos Los intervalos pueden sonar disonantes por sí solos, pero cuando se tocan dentro del contexto de un acorde, suenan mucho más consonantes. Un segundo menor suena bastante disonante por sí solo, pero cuando se agrega a ciertos acordes, suena muy bien. Por ejemplo, si estás Al construir un acorde menor de 7 con algunas extensiones, puede colocar el tercero menor y el nueve directamente uno al lado del otro, creando un segundo menor entre ellos, y puede darle una textura muy agradable que suena significativamente menos disonante que el intervalo por sí mismo.

Uno de los intervalos más difíciles de hacer que suene consonante es la novena menor. Cuando aprenda a interpretar acordes de jazz, una de las «reglas» es que debe asegurarse de evitar las novenas menores en cualquier acorde de funcionamiento no dominante, ya que la disonancia subvierte la función de los acordes no dominantes. Esto está bastante bien ejemplificado mediante la creación de un acorde mayor de 7. Si expresas la nota fundamental más de una octava por encima de la 7, obtienes una novena menor, que suena menos que en reposo y dentro de una clave mayor, Imaj7 debería sonar bastante en reposo. Dale la vuelta a esas notas en tu voz y, de repente, suena muy bien y en reposo (dentro de ese contexto). Debido a esto, cuando las canciones que terminan con la nota melódica tocando la tónica, el acorde final generalmente no será un acorde mayor7, ya que casi siempre creará la novena menor (a menudo será reemplazada por un acorde mayor6).

Así que creo que lo que estás buscando sería una combinación de usar ciertos tipos de intervalos / acordes que generalmente se consideran disonantes independientemente del contexto (como b9, acordes disminuidos, grupos de tonos) y configurar tus disonancias dentro de un contexto dado (como usar una armonía estrictamente triádica e intercalar acordes más complejos). Usar notas desde fuera de la tonalidad en la que te encuentras también puede causar disonancia, pero si escuchas suficiente jazz, descubrirás que tocar afuera no es «No siempre es inherentemente disonante.

Más allá de todo eso, también hay una especie de tensión que se puede derivar del arreglo. Aprender sobre las técnicas extendidas de ciertos instrumentos puede permitirle utilizarlos para crear más tensión a partir del mismo material melódico / armónico. Por ejemplo, en los instrumentos de cuerda frotada, tocar cerca del puente, llamado Sul Ponticello (por lo general, solo escucho esto como Ponticello), produce un tono muy áspero. En última instancia, esta técnica crea más disonancia, ya que enfatiza todos los armónicos naturales y con más armónicos audibles, hay más notas, lo que significa más disonancia, ya que todas las ondas sonoras se escuchan simultáneamente (es necesario escuchar más ondas sonoras. alinear).

Así que básicamente puedes crear diferentes tipos de tensión y disonancia a través de diferentes enfoques. No hay una forma única de hacerlo y no necesariamente hay reglas.En realidad, es más probable que te pongas tensión al romper las «reglas», como con mi ejemplo de Jazz de expresar los acordes correctamente para evitar las novenas menores. Como hago a menudo, me gustaría aclarar que la teoría no es un conjunto de reglas, es un lenguaje para describir la música y una explicación de por qué suena bien. La única vez que hay «reglas» es cuando estás tratando de emular algo específico, como si estás tratando de sonar como Bach, tienes que seguir las reglas adecuadas de conducción de voces clásicas.

Con el debido respeto, algunas de las preguntas que planteas provienen de «¿qué parte de la teoría tiene que acostumbrarse para que esto suceda?» Este es en una línea similar.

Es un enfoque un poco poco saludable para la música en general, y la composición en particular.

Las cosas tienden, en la música, a funcionar de manera opuesta. Encuentra algo eso es efectivo, utilícelo, luego trate de explicarlo en términos que de alguna manera lo hagan plausible.

Hay muchos «trucos», pero los mejores provienen de experimentar. No creo que todos los compositores piensen «bien, ahora quiero algo espeluznante, así que necesito usar xyz». Si lo hicieran, habría una cierta uniformidad para cada fragmento de música espeluznante. Pero espera, sí, probablemente haya !

Y uno de los trucos, al igual que en la narración de historias, es darle al oyente lo que no espera.

¿Estás esperando una cadencia perfecta? Dales uno interrumpido. ¿Esperando un agradable acorde de sonido mayor suave? Dales cualquier cosa menos. Probablemente haya una lista, pero si usted es el compositor, experimente y presente sus propias ideas, de lo contrario sonará un poco cliché …

Comentarios

• ¡Otro votante desanimado ataca! No ' no se preocupe por los votos negativos, pero desearía que el perpetrador tuviera las agallas para decir por qué … Se puede aprender algo de esto. En este momento, todo lo que ' he aprendido es que alguien no ' no quiere ponerse de pie y ser contado.
• No ' t voté en contra, pero generalmente no ' pienso que la forma en que criticas esta pregunta / enfoque es muy productiva. Hay formas legítimas de abordar la música desde un punto de vista teórico. En gran medida, he llegado a donde estoy como músico mediante el uso de la teoría primero y el oído en segundo lugar, aunque el oído siempre supera a la teoría. Tengo un sonido y un enfoque bastante únicos como resultado de esto. Para esta pregunta en particular, definitivamente hay conceptos teóricos que pueden describirse y emplearse fácilmente para crear disonancia y tensión.
• Mi enfoque sería usar esos conceptos teóricos un poco para familiarizarme con ellos, entonces debería saber cuándo y dónde usarlos. Esto es básicamente lo contrario de lo que sugieres, pero podría llevarte al mismo lugar, o posiblemente más si tienes una comprensión sólida de la teoría antes de simplemente escribir algunas notas.
• para que conste que no ' t voto negativo, creo que es ' un punto válido. Sin embargo, en mi defensa, ' he experimentado durante muchos años con la guitarra sin saber lo que estaba haciendo o sin darle un nombre. ahora soy ' más formal, principalmente porque cuanto más indago, más encuentro que la teoría gobierna todo.
• @foreyez -… Ese fue el motivación detrás de mi respuesta antagónica posiblemente interpretada. Uno quiere (posiblemente) ceñirse a ' las reglas ', pero si no son ' e allí, aparte de las representaciones de lo que la gente ha encontrado trabajo, es necesario arar un ' propio surco. Esta es una de las principales formas en que ' hemos llegado a donde estamos, y no nos hemos estancado durante cientos de años de música. ¡Gracias a Dios!

Algunas ideas diferentes para crear tensión / disonancia:

• Disonancia matemática – aunque es algo subjetivo, a lo largo de los años, los científicos han llegado a la conclusión de que la disonancia es algo que se puede medir . Por lo tanto, puede ser consciente de esta perspectiva «medible» cuando compone. Como ha señalado Dom, no siempre es necesario salga de una escala para hacer esto: la nota principal está en la escala mayor en parte porque le permite crear una disonancia interesante.

• Desafiando las expectativas – nadie puede darte una fórmula para esto, porque una vez que hay una fórmula, ¡ya no es inesperada! Pero una progresión de acordes que va en una dirección inesperada creará incertidumbre.

• Siguiendo expectativas – Si hay «un dispositivo musical que ya está asociado culturalmente con el sentimiento que desea crear, simplemente puede usarlo (¡lo más cerca posible sin meterse en problemas de derechos de autor!) en la forma de» vocabulario comúnmente entendido «. Ejemplo: el nuevo Instagram superzoom …

Además, sé que tu pregunta es sobre cómo crear tensión armónica , pero siempre vale la pena recordar que puede crear tensión utilizando aspectos de la música distintos de la armonía. A veces, una nota es suficiente, como al comienzo de Por unos dólares más , o Flash Gordon – de hecho, este último comienza con no notas – el ritmo de batería en sí mismo proporciona tensión. Los «smashes» de guitarra distorsionados y sin tono en Creep también proporcionan una sensación de anticipación y, sin embargo, lo que se toca allí no tiene una calidad armónica identificable, es solo ruido agresivo.

La disonancia en armonía se debe, hasta cierto punto, a un conflicto en los armónicos entre los dos ( o más) notas que se están reproduciendo. Hay intervalos disonantes justo en la escala diatónica, la segunda mayor y la séptima mayor, por ejemplo. La disonancia también se genera por la sonorización. En lugar de encontrar nuevas notas para pegar en una pieza musical, juegue con la orden de los que tiene. Por ejemplo, el intervalo de un segundo menor generalmente se considera muy disonante, en el acorde de séptima mayor puede apilar notas para escuchar la tensión de la séptima a la octava. Mueva la séptima al registro de bajo.

Para mí, escribir ejercicios de contrapunto me enseñó mucho sobre la disonancia. Presentando una nota que es consonante, manteniéndola y cambiando su entorno armónico, haciéndola así disonante, y luego resolviéndola, haciéndola consonante.

Utilicé los «Ejercicios preliminares de contrapunto» de Arnold Schönberg, que recomiendo de todo corazón.