どうすれば作曲を学ぶことができますか？

「学習理論」や「学習理論ではない」にとらわれないでください。音楽についての知識を習得するので、その知識を使って音楽を制作できます。 。音楽の分野では、その知識の一部は「理論」という見出しの下にパッケージ化される傾向があり、一部は「そうではありません…しかし、何ですか？

最初に音楽理論のどの側面を学ぶ必要がありますか？

理論を少しだけ学ぶことは「危険」である可能性があり、多くのことを学びます。少し理論を読んで非常に混乱しているこのサイトの人々。これは、「標準的な」音楽理論の多くの側面がほとんど意味をなさないためです。音楽理論の一般的な教え方は、本物の音楽の基礎、文化固有の用語と表記法、スタイル固有の音楽アドバイスを混同する傾向があります。 1つの大きな鍋。また、（ほとんどの自然言語と同様に）、かなり不確実な意味、さまざまなコンテキストでの複数の意味、またはさまざまな人々にとってのさまざまな意味を持つ多くの用語があります。

アドバイスしますできるだけ早く、できるだけ早く学び、どんな面にも夢中にならないようにすること。 「それが本当に頭に浮かぶ前に、おそらく何度もそれを一周する必要があるでしょう。

…だから私は知っていますノート？

「ノートを知る」方法はたくさんあります。ギターのフレットボード上の位置、Hz単位の周波数、ドットとして知ることができます。スコア、MIDIノート番号、ピアノの鍵盤、ルートに対する周波数比…最終的には、これらすべての方法を学ぶようになります。

拍子記号

…確かにあなたが学ぶことです。しかしそれらにこだわらないでください…それらは「音楽についてのより深い「真実」を表現するための1つの方法にすぎず、これも学習します。

または楽器を学習しますか？

あなたが言った音楽があなたを刺激するのは伝統的な楽器音楽です、私はそう言うでしょう、やってみてください！いくつか試して、それらのいずれかがあなたに合っているかどうかを確認してください。そして、彼らがそうしなくても、あなたがまだ作曲したいのなら、問題ありません！

作曲はあなたが完全に学ぶことは決してできないものです-知ることが多すぎます。同時に、音楽の初心者でも、楽器で心地よいメロディーを選び、少し試行錯誤しながら、付随する行を追加して、心地よい作曲を思いつくことができます。つまり、「目的地ではなく、旅」というものの1つになるでしょう。

そうは言っても、作曲家IMOは、実際に作品を世に送り出す人です。すべての作品が共有したいものだとは思わないかもしれませんが、自分以外の誰かのために書きたいかどうかを検討することをお勧めします。そうであれば、誰、どのようにしてあなたの音楽を彼らの耳に届けるつもりですか？誰も聞いたことのない音楽を書くことは、壊すのが難しい習慣になる可能性があります。

コメント

• おそらく（見た目で）私は’また質問します：完全な初心者から、ステーブで音楽を書くことは挑戦ですか？少し理論があれば、それを行うのに役立ちますか、それとも’音楽の書き方に関するYouTubeビデオ’です。
• @cmpはい、確かに’作品をオーケストラで演奏したい場合は、読みやすい優れたスコアを作成する必要があります。 ‘表記法の仕組みについて必要な基本的な知識に加えて、それ自体が芸術である可能性があります。 ‘オーケストラのために作曲したい場合は、’オーケストラ楽器を学び、オーケストラに参加することをお勧めします。 ‘多くのことを学び、最終的にはあなたの作品を再生するのに役立つ友達や連絡先を作ることができます！
• @SaggingRufusそれはあなたが何と呼ぶかによると思います’音楽理論’ -I ‘ dには、標準表記に関するすべての知識が含まれています。 ‘理論’傘。リズムの書き方のようなものは、ほとんどの場合、理論の’スタイル固有の音楽アドバイス’の一部になります-it ‘ソースを読むときは、すべてのアドバイスがすべてのスタイルに等しく当てはまるとは限らないことを覚えておくとよいでしょう。
• @topomorto非常に真実ですが、個人的には、音楽を理論に変換し、”読み方を読んで”をより多くの基本として表示しますが、それはすべて音楽理論です。私が実際に得ているのは、アレンジが作曲とは大きく異なり、ほとんど異なるスキルが必要だと思います
• @SaggingRufus …一方、私は、バイオリンを置いて座った頃のある時点でシーケンサーで、表記に関する私の知識のほとんどを放棄したようです。そのため、’それを他の音楽知識の基礎とは見なさないでください。私は’おそらく私の投稿で言ったことを繰り返しています…これについてはさまざまな考え方があります（ほとんどの場合、どれも’正しい’または’間違った’）、およびさまざまな音楽活動に関連するさまざまな知識分野…いくつかのギャップを埋めることが、おそらく私がサイトにいる理由です！

私はこれを段落で書き始めました、そしてそれは一貫性がなく、（私の執筆のほとんどのように…）照合されたので、私はそれをいくつかの箇条書きに凝縮しました、しかし私は選ぶことを提案します

次のことをお勧めします。

• ピアノは、初心者レベルを超える必要がないため、学ぶのに最適な楽器です。作曲を手伝うために。
• 頭の中でメロディーを書き留めて他の音楽と共有する方法があるように、記譜法を学びますians。
  • スタッフ、拍子記号について知っている、および基本的なリズムと音価で、最も基本的なアイデアを書き留めることができます。
• monophony 、または単一の伴奏なしで開始します。メロディー。
  • ほとんどのハーモニーには音楽理論の基本的な理解が必要であり、それは紙にメモを書く前にあなたを困惑させる可能性があります。
  • その上、いつでも戻ってモノフォニック作品にハーモニーを加えることができます。
• Musescoreは、音楽の作曲を支援する無料のソフトウェアであり、一見の価値がありますが、理論の基本的な理解が必要です。

そして全文：

「音楽理論」は非常に幅広いカテゴリです。あなたはそれの多くを知らなくても、単純な、そして幾分複雑なメロディーを書くことができます。ただし、「記譜法」はより具体的であり、そこから始めます。

すべての優れた作曲家私は知っています

• 少なくとも1つの楽器を演奏するか、少なくとも知っている
• 頭の中の曲を少なくとも1つの形式で記譜する方法を知っている

そうは言っても…

作曲は、頭の中で曲を書き留める芸術です。頭の中に曲を入れたり、演奏したり歌ったりすることもできます。すでに最初の一歩を踏み出しました。記譜法の美しさは、それらのメロディーを「決して忘れられないように」保存できることです。

そうは言っても、スタッフ（ピッチは標準的な音符で表記されています。オーケストラ音楽に興味があるようですので、学ぶことをお勧めします）、拍子記号（ビート、さらには音楽の「時系列ドメイン」と言うこともあります）注デュレーション（各音符が占める「時系列ドメイン」の量）

これらの基本的なツールを使用すると、頭の中で曲を書き留めることができます。さて、どうやってそれらの曲を頭に入れますか？

作曲はすべて公式であると思い込んだのは間違いです。もちろん、使用できるものはたくさんありますが、私が頭に浮かぶメロディーを選ぶのが好きです。頭に浮かぶl “チューン。さて、あなたの目的のために、そしてあなたが必要に応じて音楽理論を学ぶのがより簡単になるので、私はモノフォニー最初は（伴奏なしの単一のメロディー）。これの美しさは、いつでも後で戻って、必要に応じてコードやカウンターメロディーをポップできることですが、メモを書き留めて、一貫した何かを聞くことは満足のいくものです。

最後にもう1つ楽譜を学ぶための議論は、曲が書き留められると、どのミュージシャン（ほとんどのミュージシャン）も読むことでそれを演奏できるということです。つまり、「厄介なことをする必要はありません」。さて、こうなります…」

楽器の習得については、ピアノ鍵盤はとてもシンプルなので、基本的な知識を身につけることをお勧めしますが、理解に非常に役立ちます。私はピアノを弾くことはほとんどありませんが（私の研究では3番目の子供向けの本を超えることはほとんどありません; -P）、適切な姿勢/テクニックを使用して頭の中で曲を打ち抜くことができ、キーボードを視覚化すると役立ちますそうでなければ理解できない多くの概念を持っています。

作曲を支援するための優れたフリーソフトウェアはMusescoreですが、多くの用語を使用し、音楽理論の基本的な理解が必要です。しかし、それは無料です！したがって、場合によっては、一見またはダウンロードする価値があります…

コメント

• つまり、長いバージョンは”迷惑”読む…冗談はさておき私はモノフォニーアプローチに心から同意します。小さく始めて、上に向かって進んでください。オーケストラのために作曲することは、経験豊富なアレンジャー/作曲家にとってさえ困難な作業になる可能性があります。私は実際にSATBの合唱スコアから始めましたが、素晴らしい学習体験が見つかりました。
• 作曲家は音楽を重ねますか。だからメインメロディーが最初。次に弦、真鍮、パーカッションなど…？ P.s.ご回答有難うございます。とても助かりました!!
• @SaggingRufusはい、私の狂った書き込み’のスキルを期待して、私は冷静なユーザー名を選びました…完全に意図的です。 ;-)私は通常、ソロのバイオリンやピアノの楽譜にこだわっています…物事を十分にシンプルにしてください。
• 逆のことをして、コード進行から始めて、それを補完するメロディーを選択することもできます。私は通常、最初に伴奏を行い、次にメロディーを行いますが、どちらも有効です
• ‘ここでいくつかのコメントをクリーンアップしました。ここに個人情報を投稿しないでください。

音楽へようこそ：練習&理論！

TopoMortoが彼の回答で言ったことのほとんどに同意します。いくつかの情報、アイデア、およびヒントとしての私自身の経験の一部を提供したいと思います。

• メロディー

ほとんどの場合メロディーはどんな音楽にとっても重要な部分です。いつも頭の中で曲が流れていると思います！私は知っています！確かにそれは私がメロディーを持ったら私が始めるところです。ピアノやギターが手元にある場合はそれを持ってメロディーを弾き始め、頭の中でそれらの音符と音程を見つけます。または、楽器がない場合は、GuitarProでこれらの音符を書き始めます。自分のメロディーが自分に合っている場合はそのままにしておきます。そうでない場合は、いくつかの場所でメロディーを変更して、より面白くすることを考え始めます。

• ハーモニー

メロディーが終わったら（ちなみに歌詞の響きかもしれません）始めます良くて面白いコードを見つける。私はさまざまな方法でさまざまなバリエーションでそれらを演奏します。メロディーとハーモニーを構成するライブ楽器では、通常一緒になります。最終的に何が欲しいかわからないときにリズムから始めることもあります。

• リズム

通常は一度ハーモニーとメロディーがあり、リズムを思い浮かべます。曲の進め方、速さや遅さ、強調すべき点、打楽器の種類について考えます。

• アレンジメント

これは私にとって最も興味深い部分です。基本的なハーモニー、リズム、メロディーの準備ができたら、曲のアレンジを始めます。他の楽器を使って、音符、和音、リフなどを演奏して、曲に要素を追加します。時々セカンドハーモニーとセカンドリズムを加えて、曲を面白くする音やアイデアを探します。他の楽器をいくつか追加した後、私は通常、以前に演奏またはスコアリングしたパートを見直し、時々それらを変更します。

• 効果

これはオプションですが、音楽でエフェクトを使用したい場合があります。曲のアイデア全体をエフェクトから始めることがよくあります。

基本的には、良いメロディーと素敵なアレンジがすべてです。好きなさまざまな音楽を聴いて分析することがよくあります。最初は作曲を学んでいたとき、ほとんどの場合、お気に入りのバンドや作曲家をコピーしていました。

曲のスコアリングは構成されていません…スコアリングしたい曲がすでにあるはずです。そして、各楽器が何を演奏すべきかがわかれば、通常は簡単です。基本的に最も難しい部分のスコアリングでは、クレーブとスタッフに音符と要素を書き込む方法を知っています。プレーヤーに何をしたいかを示す方法を知っています。演奏する正しい音符を書くだけでなく、ストレスやトレモロやビブラート、フェードイン/フェードアウト効果などの効果も書く必要があります。

私が音楽を書く方法の例を紹介します：

私はギターまたはピアノから始めます（これらは私の主な楽器）。頭の中でわからない場合は、メロディーを歌ったりハミングしたりして、ただ演奏（即興）して、面白いコード進行を探し始めます。歌詞があれば、メロディーや歌詞を歌い始め、同時にハーモニーを探し始めます！基本的なハーモニーを見つけたら、メロディーは大丈夫です。さまざまなスタイルで演奏し、コードやノートを追加します。まず、アルペジオなどを使用せずに、ほとんどシンプルなコードを演奏します。面白いコードがある場合は、通常、録音します。それ。録音した後、それを演奏して聴きます…そして頭の中で即興を続けます。面白い瞬間を見つけたと感じたら、立ち止まって新しいアイデアでその役割を果たします。その後、曲をメロディーと1つの楽器のハーモニーに見栄えよくします。私は音楽の2番目の楽器を演奏し始め、編曲を作成します。リズムをタップしてベースラインなどを考えます。プロセス全体で、どこかで音が邪魔になったり、他の楽器と正しく聞こえない場合は、メインの楽器を何度か変更することがあります。長い間、ほとんどの音楽を書いたら、ソロとエフェクトについて考え始めます。必要に応じて、ソロは、単なる即興ではなく、本当に面白くしたい場合、通常、多くの時間がかかります。ハーモニーを変えるのは、私が作っているソロによるといくつかの場所です。結局、バンド全員が演奏できるように、いいアレンジができました。私のアレンジメントのほとんどは、gp Guitar Pro7形式のストレージにあります。

コメント

• @topoこれは完璧です。ありがとうございます。伴奏はハーモニーと同じですか？例：彼を帰して（レミスから）あなたはメインの曲を持っていますが、その下にあるすべてのもの、必要に応じて小さなフリル、それらは何と呼ばれていますか？
• I ‘彼の意見のためにTopoにタグを付けました。コメントもよろしくお願いします
• @cmpあなたの言ったことは確かに伴奏です。ハーモニーはこれです（辞書。com /ブラウズ/ハーモニー）
• @cmp単語’ハーモニー’はさまざまな意味を持ちます;多くの場合、’音楽部分の音を一緒に’するという、わずかに抽象的な概念を指します。その結果、良い興味深いコード’。また、’ハーモニーパート’について話すこともあります。これは、（紛らわしいことに）メインのメロディーではないメロディーラインであることがよくあります。 ‘定義にこだわる必要はありません！

音楽を聴きます。たくさん。クラシック、ジャズ、ロックなど、あらゆる種類の音楽が機能します。これは、アイデアを得たり、好みを見つけたり、刺激を与えたりするのに役立ちます。知っている作曲家が多ければ多いほど、始めるのが簡単になります。また、音楽を取り、そのバリエーションを書くことから始めることもできます-ノートの追加/削除/変更、テンポの変更、楽器の追加、およびその他の考えられること。最終的には、元の曲から遠く離れて認識できなくなる可能性があります。

楽器を演奏すると、曲を演奏したり、気に入らない場合は変更したりできるため、楽器を演奏することも役立ちます。これにより、演奏できない音楽、つまりピアノの12音の和音を書かないようにすることができます。楽器を演奏するもう1つの利点は、音符の読み方と音楽理論の基礎を学ぶ必要があることです。最初の曲を作るのは簡単です。

最も重要なことは、おそらくアイデアを得ることです。あなたがアイデアを持っているが、それを書き留める方法がわからない場合、それは音楽理論を知り、空白の心を持つよりも優れています。音楽理論の本を購入したり、クラスに参加したり、ビデオレッスンを見たりすることができますが、実際に先生に相談して質問に答えられるようにすることをお勧めします。

頑張って楽しんでください！

コメント

• ああ、そうだね。聞くことはとても重要だ。

OK、45年ほど前に作曲を学び始めました。木風を演奏したので、完全に海に出たわけではありませんでしたが、最初に調和を試みました。あまりうまくいかなかった多くの秒を使用しました。私はこれを理解するために一般的なハーモニーを調べました。70年代初頭の若い男性であったため、CPハーモニーもやや過ぎていました。

対位法に取り組み始めました。理由これは、主に抽象芸術家であるにもかかわらず、大学で人生を描くコースに参加したかった理由と非常に似ていました。明確でよく理解された制約の下で作業することにより、自分の素材に自分のやりたいことを何でもさせることを学ぶことができました（そして実際に学びました）。それがアカデミックトレーニングの真のポイントです。が従わなければならない一連のルールではなく、構成的なカリステニックです。 （また、「ルール」は、頻繁に再発する問題に対する実行可能な解決策を提供します。車輪の再発明を行う価値がない場合もあります。）

ただし、特定の制約から逃れることはできません。オーケストラの場合、楽器の限界とは何か、そして楽器が互いにどのようにバランスするかを知っている必要があります。楽器を学ぶことはこれに適しています。楽器には非常に明確な強みがあることを骨の奥深くで学びます。と制限があり、十分な調査を行った後、ある程度の注意と敬意を持って演奏しない楽器のために書くことを学びます。たとえば、ピアノで片手にスタッカートの6音コードを書くような極端なことをする場合は、少なくとも1本の指で2本の指を弾くことができることを確認してください。 （白い）鍵を一緒に、または血まみれの大きな棒であなたの後に来ることでピアニストを責める人は誰もいないでしょう。 ：D

理想は、頭の中にあるものを理解することを学び、書いたものがパフォーマーと観客の両方に届くことです。それが理想です。完全に到達することはできないかもしれませんが、途中で楽しむことが目的です。旅を楽しんでいない場合は、やりがいがありません。

私はあなたにモノフォニーから始めるように言いません（私はそうしませんでした）が、私もあなたにそうしないように言いません-あなたの頭の中にあるものを書いて、それから裂け目を直そうとしますそれはあなたがこれを達成するのを妨げます。頭の中で聞こえることが単純な場合は、単純に書いてください。そうでない場合は、野心的にして、それを試してみてください。スケッチを扱うのに十分な音楽的に成熟するまで、スケッチを脇に置いておく必要があるかもしれません。あなたが最初にそうする人ではないので、それが起こっても心配する必要はありません。

ビリー・ビー・ダムドのような本やスコアを読んでください。どれも >あなたの音楽の問題をすべて解決するための魔法の杖を紹介します。シーケンサー指向の出力は避けてください。実際的な理由でパフォーマーを省略しなければならない場合がありますが、シーケンスは成長できません。パフォーマーによって解釈されるスコアは成長できます。私はシーケンスを非常に厳密に使用します。曲がどのように聞こえるかについてのパフォーマー向けの大まかなガイド。「大まかな」とアドバイスします。シーケンスは成長しないだけでなく、呼吸もよくありません。

練習、練習、練習。

コメント

• 一部の種類の音楽はシーケンサーに適していますが、シーケンスされた音楽に関する全体的なポイントは、全体が欠けているようなものです。ポイントはよくできています。 +1
• ええ、@ ToddWilcox、’は間違いなくすべての場所ですが、最高のI ‘ループとシーケンスでこれまでに見たのはRobertFrippで、彼はギターでリアルタイムにそれらを作成しています… それは息をします。

楽器を学ぶことで、作曲がずっと簡単になります。これは、記譜法がどのように機能するかを学ぶためです。それはまたあなたをたくさんの器楽にさらします。アマチュア作曲家（そして高校のバンドメンバー）として、作曲する前に楽器を学ぶことをお勧めします。私は2つの楽器しか演奏しないので、私が持っている限られた知識で、この小さなヒントを与えることができます。サックスの演奏に興味がある場合は、最初にクラリネットを学びます。ピアノを弾くことを学ぶことはあなたを大いに助けます、しかしコンサートバンド/オーケストラの一部である楽器を学ぶことはあなたに大きなアンサンブルがどのように働くかについてより多くの知識を与えるでしょう。

ほとんどの作曲家が同意できるように、音楽理論は非常に重要です。音楽理論に関する本をお勧めします。音楽理論の限られた知識でたくさんのことができますが、学べば学ぶほど作品は進歩していきます。私が本を推薦する理由は、著者が非常に基本的なことから始めて、後でより高度な概念を明らかにするからです。これにより、最初に何を学ぶかが非常に簡単になります。

作曲を始めた場合は、恐れずに音楽に繰り返しを使用してください。好きなことを繰り返しても問題はありません。ディズニーピクサーの Up からこのピースを聞いてください。最初はシンプルなピアノのピースを作曲する必要があります。私の最初のピースはシンプルでした。ピアノソロ。コードがなく、対位法を利用したシンプルなメロディー（音楽的なアイデアがないため）、そしてたくさんの繰り返しがありました。

最後のアドバイスはこれです：落胆しないでください！曲の中で再生できない部分に出くわした場合は、速度を落とし、音符ごとにメモを取り、できる限り上手くいくまで毎日速く再生します。気になるところまで来たら音楽のアイデアがまったくない、それは結構です！それは私に何度も起こりました。そしてそれは通常後で私に起こります。私はプロの作曲家ではありませんが、私はいくつかのまともな作品を書きました。インスピレーションを得るための最良の方法は、あなたを働いている作曲家に耳を傾けることです。賞賛する。現代の最も優れた映画音楽作曲家には、ジョンウィリアムズ、ハンスジマー、マイケルジアッチーノがいます。

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• ピアノは定期的にオーケストラの一部であり、コンサートのパフォーマンス。
• 時々ですが、’オーケストラを聴いたことがあります。

かなり短い本を読むことを強くお勧めします： “作曲“レジナルドスミスブリンドルによる。これは、作曲家が知って検討する必要のあるすべての要素への優れた入門書です。これは、時の試練に耐え、デジタル時代でも関連性があると私が感じる数少ない作文本の1つです。

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• $ 8で使用アマゾン。お金の価値は十分にあります。

音楽の作曲は、基本的に頭の中で演奏されている音楽/想像力を記録する…キーボード/ピアノ（またはキーボードが嫌いな場合はギター）である程度の習熟度を高めることは、非常に便利な&便利なツール。いくつかの理由でキーボードをお勧めします。

1. 演奏が簡単です（簡単に設計されています） &快適な演奏-ギターには多くの厄介な&不快な操作&が必要です。指-カルスの開発を含む！）

2. キーボードは、学習を容易にするのに非常に役立つ視覚的なインターフェイス/味覚も提供します&音楽（別名音楽）の基礎となるメカニズムまたは「文法」を理解する理論）。

3. キーボードをいくつかの基本的な（安価な/無料の）ソフトウェア/仮想楽器（または他のサウンド生成ハードウェア）を備えたコンピューターに接続すると、基本的にあらゆるサウンドを生成できます。 ！！さらに多くの理由をリストアップすることもできますが、それで十分だと思います。

キーボードの演奏を学ぶための私のアドバイスは、強調する方法/テクニックに焦点を当てることです。 「耳で遊ぶ」。なぜなら、先ほど言ったように、作曲とは頭の中で音楽を書き留めることです。これは「耳で演奏する」という別の言い方ですが、頭の中で聞いたものを演奏します。個人的には、私が若い頃に始めた独特の状況がありました。一言で言えば、私たちは非常に孤立した&の遠隔地に住んでいました。潜在的な教師も本も私を導くことはできませんでした。しかし、私たちはピアノを持っていました、そして私はたくさんの時間を過ごしました。私は最初にいくつかの簡単なメロディーを演奏する方法を理解し、徐々に他の音符のどれがメロディーで正しく演奏されているか、またはうまく演奏されているかを理解し始めました。当時は気づいていませんでしたが、基本的には音楽理論の基礎を理解していました。やがて、頭の中で想像できることやラジオから聞こえることをほぼすべてキーボードで演奏する方法を学びました。など

後で、音楽理論のクラス&のピアノのレッスンを受けることができたとき、私は本当にただ学んでいたので、非常に急速に進歩することができました。公式の言葉、用語&私がすでに策定した概念のテクニック。

基本的に、アイデアはあなたが&できるだけ早くそしてできるだけ多くの音楽を「作る」!!!

また、ある種の地元のコミュニティや教会の合唱団/バンド/オーケストラに参加することをお勧めします（あなたは確かにできるでしょう）パーカッションを十分に演奏することを学ぶために）。合唱団は本当に理想的です-特にアンサンブルで&演奏することを学ぶことで、音楽について多くを学ぶでしょう！それが最も多いと思います論理学l &を発見する「簡単な」方法&音楽がどのように組み合わされるかを真に理解する-少しずつ&レイヤーごと。これは、直感的な&「書かれた音楽」の基本に慣れるための効率的な方法でもあります&読み方は、音楽理論のクラスや「教科書」の鈍くて複雑で抽象的な設定…

合唱団や楽器のアンサンブルに参加することに加えて、あなたができるドラムサークルも見つけることをお勧めします行って参加してください。ほとんどの都市&の中規模の町でさえ、毎週ではなくても少なくとも月に1回開催されるようなものがあります。ドラムサークルは、まったく異なる種類の情報の宝箱のようになり、他では見つけることができない&の概念を体験します！他に何もなければ、それはただ創造性を刺激する&を流すのに役立ちます…公開、即興、参加型のイベントを通じて利用できる貴重な洞察と経験の質や量を過小評価しないでください！

これがあなたのコンセプトを広げるのに役立ったことを願っています&オリジナルの音楽を作ることを学ぶ方法についてのアイデア。私はあなたに次の重要性を植え付けることができたと思います「音楽を作る」ことに参加することで、すぐに「足を濡らす」。

表面的には、作曲を学ぶための最良の方法は作曲を始めることです！MuseScoreやMusicMasterworksのような無料/安価な音楽表記プログラムを入手して実験を始めてください。あなたが思いつくことができるものを見てください。私は保証します調性、フレージング、メロディー、リズムをいじり回すだけで多くのことを学ぶことができます。クールな曲も思いつくかもしれません。

ただし、真剣に取り組むことにした場合は、次の点を考慮してください。

作曲家は必ずしもミュージシャンである必要はなく、ミュージシャンは必ずしも作曲家である必要もありません。作曲家とミュージシャンの違いは次のとおりです。作家と雄弁家の違いと同じです。一方は他方に結びついていて、実際に彼らの芸術が実を結ぶために他方に依存していますが、彼らが採用するスキルと彼らが持たなければならない才能は実際にはかなり異なります。かなり明白なようです。しかし、音楽について考えるとき、2つの間の境界線がぼやけることがあるので、覚えておくとよいでしょう。

音楽を作曲するには、文法の規則を知る必要があるのと同じ理由で、音楽理論を知る必要があります。書く。 「音楽を演奏するために音楽理論を学ぶ必要はありませんが、作曲は演奏と同じではありません。

作曲とは何ですか？最も基本的なレベルでは、それは」ミュージシャンへの一連の指示。音楽理論とは何ですか？ミュージシャンが話し言葉または書き言葉を使用して音楽のアイデアを伝えることができるように、大部分は用語の定義です。ご覧のとおり、これらは同じものではありませんが、関連しています。

音楽を演奏するときは、音楽のアイデアを音で直接伝えます。しかし、作曲に関しては、あなたは」あなたの音楽的アイデアを書面で再伝達します。結局のところ、楽譜は書き留められた音楽のアイデアにすぎません。そのため、自分の音楽のアイデアを他のミュージシャンに伝えたい場合は、音楽理論を知っておくことが望ましいです。

楽器を習得することは、実際には必須ではありません。 音楽を作曲しますが、それなしで作曲することを想像するのはかなり難しいです。あなたが作曲しているとき、楽器は他のものとは別に計算のツールになります（「この間隔は機能しますか？私がこの調和関係から来ていると仮定して、これに行くことができますか？ / em>ハーモニー？）理論的には自分の声だけを使用できますが、これは、複数のトーン、ハーモニック関係などをどのようにテストするかという疑問を投げかけます。

拍子記号は、ほとんどすべての西洋音楽で使用されています。 2 / 4、3 / 4、または4/4のような一般的な拍子記号、または7 / 8、11 / 8、13 / 8 15/8 17/8などのより複雑な拍子記号であるかどうか。西洋音楽は2、3、または4にあります。さらに良いニュースは、事実上すべての拍子記号が2と3のサブグループに分類されるため、複雑に聞こえても、かなり簡単です（少なくとも概念的には）。優れたミュージシャンになるには、リズムとテンポをしっかりと理解する必要があります。 作曲家としては、良いリズム感は必要ありませんが、テンポ（特にさまざまな楽器のテンポ制限）を理解することは重要です。

ミュージシャンとして、勉強することが不可欠です。パーカッションの基本。時間通りにテンポで演奏できることは、調子を合わせて演奏できることと同じくらい重要です。作曲に関しては、パーカッシブに、そしてメロディー的に何が可能かを学ぶことが不可欠です。ハーモニーも学びたいと思うでしょう。 、コード構造を含む。そこにいる間に、「教会」の音階（イオニアン、ドリアン、フリギア、リディア、ミクソリディアン、エオリア、ロクリアン）とペンタトニックの音階を学びます。

これらすべてを学ぶことで、音楽を伝えることができます。より簡潔かつ明確に想像し、音楽をより迅速に作曲することもできます。ミュージシャンシップと作曲に関する最後のポイント：優れた作曲家になるために優れたミュージシャンである必要はありません。楽器がどのように機能するか、テンポやリズムなどがどのように機能するかを理解する必要がありますが、演奏が上手である必要はありません。それがどのように機能するかを知る必要があります。

必要に応じてオーケストラの作曲を学びましょう。本当にたくさんのことがあります。あなたはあなたの作品が必要とするミュージシャンシップのレベルを考えなければなりません。あなたが多くの妙技を必要とする作品を書くなら、それは（せいぜい）音楽志向の輝かしい目標であり、（最悪の場合）それを演奏できる人があまりいないのでほとんど演奏されません。よりきめ細かいレベルでは、ミュージシャンの能力とバンドまたはオーケストラの能力の両方によって範囲が異なることを念頭に置いて、作成する各楽器の範囲に注意する必要があります。 （たとえば、ジュニアオーケストラの予想される範囲は、ロンドン交響楽団の範囲とは大きく異なります。）楽器の発声の可能性は、会場によって大幅に異なり、曲を演奏する場合、構成内の微妙な音量/楽器の変更が失われる可能性があります。屋外または屋内アリーナなどの音響的に不利な環境で実行されます。さまざまな楽器の特定の声をスコアリングしたり、さまざまなタイプの音楽グループ（つまり、バンド/オーケストラ/オクテット/クインテット/トリオ/合唱団）の曲全体を再スコアリングしたり、曲を再配置したりするリクエストを受け取ることは珍しくありません。別のキー。

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楽器をつかんで、それを演奏する方法を学びましょう（できれば和音楽器）。ウォームアップするためにあらゆる種類のナンセンスを再生します。 「ナンセンス」があなたが学ぼうとしていることよりも面白くなり始めたら、あなたは作曲家です。もちろん、自分で作曲を演奏する以上のことをしたい場合は、「楽譜を書くことを学ぶか、作曲をスコアに変換するmidiアプリのようなもので作曲することを学ぶ必要があります。

音楽をすでに知っている場合に作曲する最良の方法は、お気に入りのアーティストを聴き、歌詞と曲の構造を学び、レプリカを作成することです。すでに音楽を知っている場合に作曲する最良の方法は、お気に入りのアーティストの音楽を聴き、歌詞と曲の構造を学び、レプリカを作成することです。これにより、より快適に感じて、自分の音楽を作成できるようになります。

学校での昼休みのある日、iPadでAppleの無料のGarageBandアプリをいじり始めました。ヘルプメニューを読んでその機能に慣れ、さまざまな楽器や利用可能なものを試して、何が正しく聞こえるかを確認しました。また、特定の問題に困惑したときはいつでも、簡単なGoogle検索を実行することで、多くの（無料の）役立つリソースを見つけました。ただし、GarageBandのすべての用途について、作曲の主要なツールとして推奨することは絶対にありません。 代わりに、 MuseScore などのプログラムを使用してください。彼らのWebサイトには、プログラムの基本的な使用方法を説明する一連の役立つ説明ビデオもあります。

GarageBandでの作曲の問題は、このアプリが音楽を書くためのツールではなく、私が誤用していた音楽を作るためのツールであるということです。つまり、アプリで作成した曲の楽譜のコピーを見たいと思ったときはいつでも、Appleのソフトウェアではないため、すべてを手作業で書き写すことになります。常に他のコンピュータで動作します。書き起こしは非常に手間と時間がかかる可能性があるため、間違いを繰り返さないでください！

作曲する能力はまだ進行中ですが、重要なことは進歩が起こっていることです。 ほら、音楽が持つすべての技術的側面について、音楽は本当に感情がすべてなので、あなたの本能を信頼して、実験することを恐れないでください。