ギターソロのテクニック

他のミュージシャンによるなめやソロを学ぶことは、この点で役立つ可能性があります。明らかに、あなたは自分の声を開発したいと思うでしょうが、ミュージシアはありませんnは真空の中に存在し、あなたが尊敬するミュージシャンが演奏したことの種類を（無意識にでも）学び、分析することは間違いなく役に立ちます。あなたのスタイルと行きたい方向によっては、他の楽器にも焦点を当てることが役立つかもしれません（私はギター演奏を助けるためにサックスとトランペット奏者によるソロを書き起こしました、そして私はからコードボイシングを学ぼうとしました可能な限りピアノ奏者）。

実際、自分とはまったく異なるスタイルの音楽で時間を過ごし、利用可能なテクニックの幅と幅を学ぶことはおそらく役立つでしょう。バッハのやり方を考えてみてください。カウンターポイントと同様のフレーズの相互作用によってフレーズを開発します。ベートーベンの第5交響曲と、彼が30分の音楽の過程で単純な4音のモチーフを開発する方法を聞いてください。ワーグナー、コプランド、コルトレーン、クラプトンなどが、このフレーズやモチーフの開発の概念にアプローチしたさまざまな方法を考えてみてください。全員が一生に一度の価値のある音楽を生み出し、そこから探求し、学ぶことができます。

フレーズを作成するという観点から考えてみてください。アイデアが完全に形成されるとは限りません。即興のミュージシャン。代わりに、「発明された、または場合によっては曲の内容から」フレーズを取り、バリエーションと発明を使用して、私たちが取り組んでいるフレームワークに独自のテイクとアイデアをもたらすことで、それを説明します。当たり前のように思われるので、最初はこれについて言及しませんでしたが、必ず曲を知っているようにしてください。私たちギタリストは特に変化を学ぶ傾向がありますが、曲のメロディーは学びません。メロディーを手元に置いておけば、即興演奏を「文脈の中で」維持するのに役立ち、「メロディックなアイデアの豊富なリソースになります。

あります、もちろん、ミックスで考えるべき多くの技術的な事柄、音楽の全範囲に実際に及ぶことができるアイデア。私のお気に入りの簡単な選択は次のとおりです。

• フレーズ/リズム：フレーズがどのように発展するかを考えてください。4分の1、8分の1、16番目の音をまっすぐに演奏していますか？ミックスにトリプレットをいくつか導入できますか？または、野心を感じている場合は、さらに複雑なポリリズムもあります。あなたのフレーズを通してこれらのパターンの進化に時間を費やしてください。遅いまたは単純なメロディーステートメントからより速いまたは複雑なステートメントに構築することは、一般的な手法です。それを試すか、それを破壊してみてください。フレーズの長さ、シンコペーション、休符や持続音を使用してフレーズを分割することについても考えてください。特にギタリスト（そして実際に吹き飛ばされていない楽器の演奏者）にとってもう1つの便利なことは、フレーズの長さとリズムを計画するときに呼吸をより意識するようにすることです。これにより、より「自然な」感触が得られます。
• メロディー：メロディーにはどのような形を使用していますか？あなたはスケールを動かし、アルペジオを練習し、それらを分割し、方向を変え、特定の音符だけを繰り返してみてください。メロディーの輪郭（必ずしも正確な輪郭である必要はありません）を想像してみてください。それは繰り返しですか、それは上昇していますか、それは下降していますか、それはいたるところにありますか？一枚の紙に波線をスケッチしてから、その線の輪郭に沿ってメロディーを即興で作ってみてください。別の形でもう一度やり直してください。これらの形がフレーズで表現される感情にどのように影響するかを学びましょう。
• ハーモニー：メロディーはどうですか作品のハーモニーに関係していますか？もっと面白くする別の選択をしてもらえますか？ジャズプレーヤーとして、「外側」を取得するための私のお気に入りのトリックの1つは、短いモチーフを取り、それを任意の間隔で繰り返すことです。たぶん、このコードよりも自然なマイナーではなく、ドリア旋法からノートを選ぶことができます。明らかに、これはあなたの音楽理論の知識とあなたが演奏しているスタイルに少し依存します。
• アーティキュレーション：どのように弦を叩いていますか？レガートとスタッカートのどちらをプレイしていますか？音符を少し曲げていますか、それともたくさん曲げていますか、それともまったく曲げていませんか？明らかに、これを自分で試して、好みを見つけてください。これは特に、他のミュージシャンの話を聞いたり、書き写したりすることが非常に役立つ領域です。チェット・アトキンス、レオ・コッケ、イングヴェイ・マルムスティーン、スティーヴィー・レイ・ヴォーンがそれぞれはっきりと違う音を出すのはなぜですか？切り取って「機器」と言ってはいけません。あるプレーヤーが思うようにフレーズを演奏してから、別のプレーヤーが演奏してみてください。

紙にフレーズを書くのに時間をかけることは間違いありません。結局のところ、即興はまだ構成であり、同じ手法が適用されます。プロセスにもっと慎重にアプローチすることは、即興の「自然な」直感が伸びていることに気付いたときに頼らなければならない知的ツールの範囲を広げるのに間違いなく役立ちます。限界に達し、時間の経過とともに、これらのツールがその自然な直感に統合されていることがわかります。

コメント

• 非常に良い答えです。メロディーの重要性は、特にギターの場合、’十分に強調できないと思います。
• I ‘ dソロの曲のメロディーを学び、使用することを強調します。
• ありがとう、@ Dave。振り返ってみると、そういうことは当たり前のように思えるので、忘れがちですが、その教訓を学ぶのにかなりの時間がかかりました。 ‘開発とコンテキストに焦点を当てた段落を追加しました。

どんなソロでも、あなたは物語を語りたいです。なめる、リフ、溝はあなたの言葉です。作家は物語を物語の弧として構成します。

物語の弧は通常次のとおりです。

• 説明：はじめに登場人物が紹介され、設定が明らかになるストーリー。
• ライジングアクション：主人公の問題を複雑にし、ストーリーのサスペンドまたは緊張を高める一連のイベント。
• クライマックス：物語の最大の緊張のポイントと、上昇アクションから下降アクションへの物語の弧のターニングポイント。
• 落下アクション（アンチクライマックス）：クライマックスの後、イベントの展開物語の陰謀と解決につながる緊張の解放。
• 解決：物語の終わり、通常、物語と主人公の問題が解決されます。

良いストーリーでは、通常、一連の上昇アクション（およびわずかな下降アクション）が徐々に大きくなり、ストーリーの大きなクライマックスと解決に至ります。

つまり、ギターソロストーリーかもしれない次のようにします。

• 説明：フックまたはその他のメロディックフラグメントを言い換えます

• ライジングアクション1：フラグメントの変更を開始する音符、リズム、オクターブを変更します。

• 落下アクション1：フックをもう一度述べるか、フラグメントから少しコードメロディーを演奏するか、一時停止します。
• 上昇アクション2：フラグメントの変更を続行します。エッジを効かせ、音階に収まらない音符やコードを追加します。大きくします。エフェクトの使用を開始します。
• 落下アクション2：変異したフラグメントをきれいに簡単に演奏します
• 上昇アクション3：まったく異なるメロディーフラグメントの再生を開始する
• 落下アクション3：元のフラグメントまたは変異した元のフラグメントに戻る
• 上昇アクション4：元のフラグメントの一部と新しいフラグメントと2つの切り替え。これは会話と対立で興味深いものです。スライスとサイコロ、ベイビー。たぶん、一方のフラグメントを高く、もう一方を低く再生します。議論を促します。
• ライジングアクション5：組み合わせて切り替え、スライス、ダイシング、エフェクトを組み合わせたステートメントが非常に激しくなり、演奏が難しく、忙しくなります。
• 落下アクション：ジャーのある部分を取り出します（またはこのステップをスキップします）
• クライマックス：リスナーが「ウー！」となるような特別なソースを追加します。
• 解決策：元のフラグメントを記述してから、曲に戻します。

（ボーナスは、このギターソロがソナタであることに気付いたオタクを指します。）

上昇アクションの競合は通常、「緊張と解放」と表現され、緊張はビジーvs.スパース、ファンキーvs.ストレート、クワイエットvs.ラウド、ネックの上下再生、クロマチックノートの追加、さらには曲とは異なるキーでの再生、ビートの後ろでの再生、ビートの前、遅いか速いかなど。

ソロには2つの重要な側面があります。フレージングと適切なターゲットトーンの選択。これらの2つの側面に取り組んでいるペンタトニックスケールで時間を過ごします。ペンタトニックスケールは、キーのほとんどのコードで機能するため、「それが最良の出発点」である理由です。ペンタトニックスケールで「意味のある」フレーズを作成し、そのスケールから選択した特定のトーンをターゲットとして使用して、フレーズを強調し、終了または開始します。

さらに、Dan Greenblattによる「BluesScales：EssentialTools」という本をチェックすることができます。これは、即興を始めるための非常に優れた学習支援です。ブルーススケールは、実際にはブルーノートが追加されたペンタトニックスケールであることを認識してください。したがって、ペンタトニックスケールとブルーススケールでの作業は一緒に成果を上げます。

これはこの投稿に少し似ています：

リードギターパーツの即興/ライティングを改善するために音階を学ぶための最良の方法は何ですか？

私の答えは他のギタリストから、または自分自身の中から（ソロがどのように聞こえるかを事前に決定することによって）「インスピレーションを得る」ため。あなたが説明することから、あなたはスケールとテクニックの知識を持っています。しかし、「あなたが知っていること」をするだけでは、気分を実際に適用することなく、筋肉の記憶を使用しているように見えます。まったく同じ状況に陥ることがあるので、これを言うことができます。私の答えは、ソロをどのように鳴らしたいかについてもう少し慎重にすることでした。滑らかで、柔らかく、または過酷でブリスターですか？または混合物？どんな気分を伝えたいですか？メロディック？または鈍い？

私が見つけたもう1つのことは、ライブソロを演奏するときに非常にうまく機能することです。自分の声が聞こえることを確認してください。少し溺れている場合は、「見つける」スペースがありません。素敵なソロと筋肉の記憶をいじくりまわすことが優先されます。または、とにかく私と一緒になります。

リンクした投稿の回答を繰り返すことはできませんが、役立つことを願っています:-)

ソロのメロディーを頭に入れて、できるレベルまでスキルを向上させるべきだと思いますギターに直接転置するには。

これには多くの練習が必要です。

私のギターの先生が「音楽は指からではなく、頭から来る」と言っているように。」したがって、体重計を上下させることは、何も意味/実行することにはなりません（つまり、指だけで遊んで何かが出てくることを期待するべきではありません）。

だから、体重計を練習し、メモを聞いてください。あなたは頭を打っていて、演奏を始めるとソロのメロディーが頭の中にあります。最終的には、そのソロを音楽に置き換えることができるはずです…もう一度、十分な練習をしてください。

TL; DR ：

好きなソロを学びましょう。あなたにとって重要なことを練習してください。練習を続けてください。

ギターを弾くことから学んだ一番の教訓は、練習はうまくいくが、時間がかかり、近道がないということです。

長いバージョン：私にとってうまくいったのは私が好きだった他の人のソロを学び、それを練習し続けます。

私が最初に取り組み始めたのは、Sultans Of Swingでした。なぜなら、MarkKnopflerがそのすべてのフィルでどれほどスムーズであるかが好きだったからです。それから、当時のお気に入りの曲だったので、Call Me The Breeze（Skynyrdのバージョン）に移りました（ “70s：）。

やりたいことを聞いたときはいつでも、このパターンを繰り返しました。学び、即興での幸せのレベルが向上しました。私が焦点を当てたいくつかのことは、曲がりを正しくすること、簡単な言い回し、ピックと指を切り替える機能でした。

私が助けになったのは、ソロのアイデアを得るためにボーカルメロディーの用語を考えることでした。ボーカルメロディーを出発点として使用すると、即興がはるかに簡単になります。出発点があります。リスナーはソロでメロディーの断片を聞き、曲との一体感を感じさせます。うまくいけば、これがあなたのソロのベースとなり、曲のメロディーに基づいてソロを新しい高みに引き上げるための出発点になるでしょう。