작곡을 어떻게 배울 수 있습니까?

학습 이론또는 이론을 배우지 않음에 얽매이지 마십시오. 원하는 것은 음악에 대한 지식을 얻는 것 이므로 그 지식을 사용하여 음악을 제작할 수 있습니다. . 음악 분야에서 이러한 지식 중 일부는 “이론”이라는 제목 아래에 패키지화되는 경향이 있으며 일부는 그렇지 않습니다 ….하지만 그래서 무엇입니까?

음악 이론의 어떤 측면을 먼저 배워야합니까?

이론을 조금만 배우는 것은 “위험”할 수 있습니다. 이 사이트의 사람들은 약간의 이론을 읽고 매우 혼란스러워합니다. 부분적으로 이것은 “표준”음악 이론의 많은 측면이 말이되지 않기 때문입니다! 음악 이론이 일반적으로 가르치는 방식은 진정한 음악 기초, 문화 별 용어 및 표기법, 스타일 별 음악적 조언을 혼합하는 경향이 있습니다. 또한 (대부분의 자연어와 마찬가지로) 다소 불확실한 의미, 다른 맥락에서 여러 의미, 다른 사람들에게 다른 의미를 가진 용어가 많이 있습니다.

나는 당신에게 조언을드립니다. 가능한 한 빨리 최대한 많이 배우고 어떤 측면에도 너무 집착하지 않도록합니다. 당신은 아마 그것이 당신의 마음 속에 정말로 모이기 시작하기 전에 여러 번 그것을 둘러보아야 할 것입니다.

… 그래서 저는 압니다. 음표?

“음표를 아는”방법에는 여러 가지가 있습니다. 기타 지판의 위치, Hz 단위의 주파수, 점으로 알 수 있습니다. 악보, 미디 음표 번호, 피아노 건반, 근음과 관련된 주파수 비율 … 궁극적으로 이러한 모든 방법을 배우게됩니다.

박자표

… 확실히 배울 것입니다.하지만 그것에 매달리지 마세요 …”음악에 대한 더 깊은”진실 “을 표현하는 한 가지 방법 일 뿐이며 배우게 될 것입니다.

아니면 악기를 배우나요?

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당신이 영감을주는 음악은 전통 기악입니다. 그렇습니다. 몇 가지를 시도하고 그들 중 어느 것이 당신에게 적합한 지 확인하십시오. 그렇지 않고 여전히 작곡을하고 싶은 경우에도 문제 없습니다!

작곡은 완전히 배울 수없는 것입니다. 알아야 할 것이 너무 많습니다. 동시에 음악을 처음 접하는 사람도 악기에서 즐거운 멜로디를 고를 수 있으며, 약간의 시행 착오를 거쳐 그에 맞는 대사를 추가하고 즐거운 구성을 만들 수 있습니다. 그래서 “목적지가 아닌 여정”이 될 것입니다.

하지만 작곡가 IMO는 실제로 자신의 작품을 세상에 내보내는 사람입니다! 모든 작품이 공유하고 싶은 것이 아니라고 생각할 수도 있지만, 자신이 아닌 다른 사람을 위해 글을 쓰고 싶은지 고려해 볼 수 있습니다. 그렇다면 누구 , 어떻게 그들의 음악을 귀에 들려 줄 건가요 ? 다른 사람이 듣지 않는 음악을 쓰는 것은 끊기 힘든 습관이 될 수 있습니다.

댓글

• 아마 (두 번째로 보는) I ‘ 또한 질문합니다 : 완전한 초보자로부터 오선에 음악을 쓰는 것이 도전입니까? 약간의 이론이 도움이 되나요? 아니면 ‘ 음악을 쓰는 방법에 대한 YouTube 동영상 ‘
• @cmp 그렇습니다. ‘ 오케스트라가 작품을 연주하기를 원한다면 훌륭하고 읽기 쉬운 악보를 만들고 싶을 것입니다. 표기법의 작동 방식에 대한 기본 지식 외에 ‘ 그 자체로 예술이 될 수 있습니다. 오케스트라를 위해 ‘ 작곡을하고 싶다면 ‘ 오케스트라 악기를 배우고 오케스트라에 합류 할 것을 제안합니다. 당신은 ‘ 많은 것을 배우고 궁극적으로 당신의 작업을 도와 줄 친구와 지인을 만들 것입니다!
• @SaggingRufus 당신이 부르는 것에 달려 있다고 생각합니다 ‘ 음악 이론 ‘-저는 ‘ 아래에 나오는 표준 표기법에 대한 모든 지식을 포함합니다. ‘ 이론 ‘ 우산. 케이던스를 작성하는 방법과 같은 것은 대부분 이론의 ‘ 스타일 별 음악적 조언 ‘ 부분에 있습니다.-it ‘ 모든 출처를 읽을 때 모든 조언이 모든 스타일에 똑같이 적용되는 것은 아니라는 점을 기억하는 것이 좋습니다.
• @topomorto 매우 사실입니다. 개인적으로 저는 음악을 이론으로 바꾸고 ” 읽는 방법을 더 기초로하여 “하지만 여러분은 모두 음악 이론이 맞습니다. 편곡은 작곡과 매우 다르고 거의 다른 기술이 필요한 것 같아요
• @SaggingRufus … 반면에 저는 바이올린을 내려 놓고 앉을 때쯤 시퀀서에서 내 기보법에 대한 대부분의 지식을 버리는 것 같으니 ‘이를 다른 음악 지식의 기초로 보지 마십시오. 저는 ‘ 내 게시물에서 제가 말한 내용을 반복하고있을 것입니다.이 모든 것에 대해 생각할 수있는 다양한 방법이 있습니다 (대부분의 경우 ‘ 오른쪽 ‘ 또는 ‘ 틀림 ‘) 및 다양한 음악 활동과 관련된 다양한 지식 영역 … 틈새를 메우는 것이 아마도 내가 사이트에있는 이유 일 것입니다!

나는이 글을 단락으로 쓰기 시작했고, 대부분의 글과 마찬가지로 일관성이 없어지고 정렬 되었기 때문에 몇 개의 글 머리 기호로 요약했습니다. 내 전체 설명을 통해.

다음을 제안합니다.

• 피아노는 초보자 수준을 넘어 설 필요가 없기 때문에 배우기에 좋은 악기입니다. 작곡에 도움이됩니다.
• 기보법을 배워 머릿속에 멜로디를 적고 다른 음악과 공유 할 수 있습니다. ians.
  • 직원 , 박자표 및 기본 리듬 및 음표 길이 그리고 대부분의 기본 아이디어를 적을 수 있습니다. .
• 모노포니 로 시작하거나 1 인용, 비 동반 멜로디.
  • 대부분의 하모니는 음악 이론에 대한 기본적인 이해를 필요로하며 종이에 메모를하기 전에 당황 할 수 있습니다.
  • 게다가 언제든지 뒤로 돌아가 모노 포닉 곡에 하모니를 추가 할 수 있습니다.
• Musescore는 음악 작곡에 도움이되는 무료 소프트웨어이며 살펴볼 가치가 있지만 이론에 대한 기본적인 이해가 있어야 좌절하지 않습니다.

전체 텍스트 :

“음악 이론”은 매우 광범위한 범주입니다. 당신은 그것을 많이 알지 못해도 간단하고 다소 복잡한 멜로디를 쓸 수 있습니다. 그러나 “음악 표기법”은 더 구체적이며 여기서 시작합니다.

모든 위대한 작곡가 내가 알고 있습니다

• 적어도 하나 이상의 악기를 연주하거나 최소한 아는 것
• 적어도 한 가지 형식으로 노래를 머리 속에 기록하는 방법을 알고 있습니다.

그렇다면 …

작곡은 머리 속에 곡을 적는 기술입니다. 머릿속에 곡이있을 수 있고, 연주하거나 노래 할 수도 있고, 이미 첫 단계를 마쳤습니다. 악보의 아름다움은 그 멜로디가 “잊혀지지 않도록 보존 할 수 있다는 것”입니다.

그렇지만 staff (오케스트라 음악에 관심이있는 것 같아서 배우는 것이 좋습니다), 박자표 (박자 및 음악의 “연대순”이라고 말할 수도 있음) note 기간 (각 음표의 “연대순”부분이 차지하는 양).

이러한 기본 도구를 사용하여 노래를 머리 속에 적을 수 있습니다. 이제 어떻게 그 노래를 머릿속에 넣을까요?

작곡이 모두 공식에 관한 것이라고 생각하는 것은 실수입니다. 물론 사용할 수있는 방법은 많이 있지만 제가 머릿속에 떠오르는 멜로디를 고르는 것이 좋습니다. 당신의 머릿속에 떠오르는 노래. 이제 여러분의 목적을 위해 필요에 따라 음악 이론을 배우는 것이 더 쉬울 것이기 때문에 저는 모노포니 (반주없이 단일 멜로디). 이것의 장점은 언제든 나중에 돌아와서 필요하다고 느낄 때 코드 나 카운터 멜로디를들을 수 있다는 것입니다.하지만 음표를 적고 일관된 것을 듣는 것은 만족 스럽습니다.

마지막으로 음악 표기법을 배우기위한 주장은 일단 곡이 기록되면 모든 뮤지션 ( 대부분 뮤지션)이 읽기로 연주 할 수 있다는 것입니다. 즉, “어색하게 할 필요가 없습니다.” 음, 이렇게됩니다 … “

이제 악기를 배우는 것은 피아노 건반에 대한 기본적인 지식을 습득하는 것이 좋습니다. 왜냐하면 너무 간단하기 때문입니다.하지만 그것은 여러분의 이해에 엄청난 도움이됩니다. 저는 피아노를 거의 연주하지 않습니다 (내 연구의 세 번째 어린이 책 ;-P를 넘어서는 경우가 거의 없음).하지만 적절한 자세 / 기술을 사용하여 머리에서 곡을 펀칭 할 수 있으며 키보드를 시각화하면 도움이됩니다. 다른 방법으로는 이해할 수없는 개념이 많이 있습니다.

음악 이론에 대한 기본적인 이해가 필요하고 많은 용어를 사용하지만 작곡에 도움이되는 훌륭한 무료 소프트웨어는 Musescore입니다. 그러나 그것은 무료입니다! 따라서 살펴 보거나 다운로드 할 가치가 있습니다. 경우에 따라 …

댓글

• 그러므로 긴 버전은 ” 성가신 ” 읽기 … 농담은 제쳐두고 저는 전적으로 모노포니 접근 방식에 동의합니다. 작게 시작하여 자신의 방식대로 작업하십시오. 오케스트라를위한 작곡은 경험 많은 편곡가 / 작곡가에게도 어려운 작업이 될 수 있습니다. 나는 실제로 SATB 합창 악보로 시작했고 훌륭한 학습 경험을 발견했습니다.
• 작곡가가 음악을 레이어링합니까? 그래서 메인 멜로디가 먼저입니다. 그리고 현악기, 황동, 타악기 등등 …? 추신. 답변 해 주셔서 감사합니다. 많은 도움이되었습니다 !!
• @SaggingRufus 예, 제 미친 글쓰기 기술을 기대하면서 ‘ 저는 차가운 사용자 이름을 선택했습니다 … 완전히 의도적입니다. 😉 저는 보통 솔로 바이올린이나 피아노 악보를 고수합니다 … 저를 위해 충분히 단순하게 유지하세요.
• 또한 반대로 코드 진행으로 시작하여이를 칭찬하는 멜로디를 선택할 수 있습니다. 일반적으로 반주를 먼저하고 멜로디를 연주하지만 둘 다 유효합니다.
• ‘ 여기에서 일부 댓글을 정리했습니다. 여기에 개인 정보를 게시하지 마십시오.

음악에 오신 것을 환영합니다 : 연습 & 이론!

저는 TopoMorto가 그의 답변에서 말한 대부분에 동의하며 더 많은 정보와 아이디어, 그리고 제 경험을 팁으로 제공하고자합니다.

• 멜로디

거의 항상 멜로디는 모든 음악의 중요한 부분입니다. 나는 당신이 항상 당신의 머리에서 약간의 노래를 연주하고 있다고 생각합니다! 알아요! 멜로디가 생기면 그 부분에서 시작합니다.나는 피아노 나 기타를 손에 들고 멜로디를 연주하기 시작하고 내 머리와 간격에서 그 음표를 찾습니다. 또는 옆에 악기가 없으면 Guitar Pro에서 그 음표를 쓰기 시작합니다. 제 멜로디가 저에게 어울리면 그대로두고, 그렇지 않으면 좀 더 재미있게 만들기 위해 어떤 곳에서 멜로디를 바꿀까 생각하기 시작합니다.

• The Harmony

멜로디를 마친 후 (가사가 어떻게 들리는 지) 시작합니다. 좋고 흥미로운 코드 찾기. 다양한 방식으로 다양한 방식으로 연주합니다. 멜로디와 하모니를 구성하는 라이브 악기에서는 대개 함께 어울립니다. 마지막에 무엇을 갖고 싶은지 확실하지 않을 때 리듬으로 시작하는 경우도 있습니다.

• 리듬

보통 하모니와 멜로디가있어 리듬을 생각합니다. 노래가 어떻게 진행되어야하는지, 얼마나 빠르거나 느리게, 무엇을 강조해야하는지, 어떤 종류의 타악기가 있을지 생각합니다.

• 배열

이것은 저에게 가장 흥미로운 부분입니다. 기본 하모니, 리듬, 멜로디가 준비되면 작품 편곡을 시작합니다. 나는 다른 악기를 가져다가 음, 코드, 리프 등을 연주하여 노래에 요소를 추가합니다. 때로는 두 번째 하모니와 두 번째 리듬을 추가하고 노래를 재미있게 만드는 소리와 아이디어를 찾습니다. 다른 악기를 추가 한 후에는 일반적으로 이전에 연주했거나 채점 한 부분을 다시 살펴보고 때때로 변경합니다.

• 효과

선택 사항이지만 때로는 음악에 효과를 사용하고 싶습니다. 종종 효과가있는 노래의 전체 아이디어를 시작합니다.

기본적으로 좋은 멜로디와 좋은 편곡에 관한 것입니다. 좋아하는 다른 음악을 자주 듣고 분석합니다. 처음에는 작곡을 배울 때 가장 좋아하는 밴드와 작곡가를 모방했습니다.

작품을 채점하는 것은 작곡이 아닙니다. 채점하려는 곡이 이미 있어야합니다. 그리고 그것은 보통 각 악기가 무엇을 연주해야하는지 안다면 간단합니다. 기본적으로 점수를 매기는 가장 어려운 부분은 음표를 쓰는 방법과 클레 브와 보표의 요소를 아는 것입니다. 플레이어에게 원하는 것을 보여주는 방법을 아는 것입니다. 연주하는 정확한 음표뿐만 아니라 스트레스와 트레몰로, 비브라토와 같은 효과, 페이드 인 / 페이드 아웃 효과뿐만 아니라 다른 많은 효과도 작성해야합니다.

내가 음악을 쓰는 방법의 예를 보여 드리겠습니다.

저는 기타 나 피아노로 시작합니다. 내 주요 기능). 나는 멜로디를 부르거나 흥얼 거리기 시작하고 그냥 연주 (개선)하고 내 머릿속에 전혀 모른다면 흥미로운 코드 진행을 찾는다. (아마도 가사일 수도 있음) 멜로디 나 가사를 부르기 시작하고 동시에 하모니를 찾기 시작합니다! 기본 하모니를 찾으면 멜로디가 괜찮아요. 다양한 스타일로 연주하고 코드와 음표를 추가합니다. 주로 단순한 코드를 연주하고 아르페지오 등을 사용하지 않고 시작합니다. 좋은 흥미로운 코드가 있으면 보통 녹음합니다. 녹음 한 후에는 연주하고 듣고 … 계속해서 머릿속에서 즉흥 연주를합니다. 흥미로운 순간을 발견했다고 느끼면 .. 그 부분을 멈추고 새로운 아이디어로 연주합니다. 곡을 멜로디와 하나의 악기 하모니에 잘 어울리게 만든 후. 나는 음악에 맞춰 두 번째 악기를 연주하기 시작하고 편곡을 만듭니다. 나는 리듬을 두드리고베이스 라인 등을 생각한다. 전체 과정 동안 어딘가에서 어딘가에 방해가되거나 다른 악기에서 제대로 들리지 않으면 메인 악기를 여러 번 변경할 수 있습니다. 오랜만이에요. 일단 대부분의 곡을 쓰면 솔로와 이펙트에 대해 생각하기 시작합니다. 내가 원한다면 단순한 즉흥곡이 아닌 정말 재미있게 만들고 싶다면 보통 솔로는 많은 시간이 걸립니다. 하모니를 바꾸는 것은 솔로에 따라 몇 군데 건물입니다. 결국, 나는 전체 밴드가 연주 할 수 있도록 좋은 편곡을 준비했습니다. 대부분의 편곡은 gp Guitar Pro 7 형식으로 저장 공간에 있습니다.

댓글

• @topo 이것은 완벽합니다. 감사합니다. 반주는 하모니와 같은가요? 예를 들어 : Bring Him Home (from les mis) 당신은 메인 곡을 가지고 있지만, 그 아래에있는 모든 것들은 당신이 좋아한다면 작은 주름이 무엇입니까?
• I ‘도 그의 의견에 대해 Topo를 태그했습니다. 귀하의 의견도 여전히 마음에 들지만
• @cmp 귀하가 말한 것은 확실히 반주입니다 .. 조화는 이것이다 ( 사전입니다.com / browse / harmony )
• @cmp ‘ 하모니 ‘라는 단어는 다른 의미를 가질 수 있습니다. ; 종종 ‘ 음악 부분의 사운드를 함께 사용하는 ‘의 약간 추상적 인 개념을 참조하여 좋고 흥미로운 코드 ‘. 또한 사람들은 때때로 메인 멜로디가 아닌 멜로디 라인 인 ‘ 하모니 부분 ‘에 대해 이야기합니다. 하지만 ‘ 정의에 너무 집착하지 마세요!

음악을 듣습니다. 많이. 클래식, 재즈, 록 등 모든 종류의 음악이 작동합니다! 이것은 아이디어를 얻고, 취향을 찾고, 영감을주는 데 도움이 될 수 있습니다. 더 많은 작곡가를 알수록 시작하기가 더 쉬워집니다. 음표 추가 / 삭제 / 변경, 템포 변경, 악기 추가 및 기타 생각할 수있는 기타 작업과 같이 음악을 취하고 변형을 작성하여 시작할 수도 있습니다. 결국 원래 작품에서 너무 멀어져 알아볼 수 없게 될 수도 있습니다!

악기를 연주하는 것도 도움이 될 것입니다. 작곡을 연주하고 마음에 들지 않으면 변경할 수 있기 때문입니다. 이것은 연주 할 수없는 음악 (예 : 피아노 용 12 음 코드)을 쓰지 않도록 도와줍니다. 악기 연주의 또 다른 이점은 음표 읽기 및 음악 이론의 기초를 배워야한다는 것입니다. 첫 작품을 작성하는 것이 더 쉬울 것입니다.

가장 중요한 것은 아마도 아이디어를 얻는 것입니다. 아이디어가 있지만 어떻게 적을 지 모른다면 음악 이론을 알고 멍한 마음을 갖는 것보다 낫습니다. 음악 이론 책을 구입하거나, 수업을 들거나, 비디오 강의를 볼 수 있습니다. 실제로 선생님이 질문에 답할 수 있도록 실제로 이야기하는 것이 좋습니다.

행운을 빕니다. 즐거운 시간 되세요!

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• 오, 이런 말을하려고 했어요. 듣기가 매우 중요합니다.

네, 저는 45 년 전에 작곡을 가르치기 시작했습니다. 목관 악기를 연주했기 때문에 완전히 바다에 있지는 않았지만 처음으로 조화를 시도했습니다. 그다지 성공적이지 않은 초를 많이 사용했습니다. 나는 이것을 다루기 시작하기 위해 상식 하모니를 찾아 봤고, “70 년대 초반의 청년 이었기 때문에 CP 하모니도 다소 지나친 것처럼 보였습니다.

대위법 작업을 시작했습니다. 여기서는 내가 주로 추상적 인 예술가 임에도 불구하고 대학 생활 그리기 과정에 참석하고 싶었던 이유와 매우 유사했습니다. 명확하고 잘 이해 된 제약 조건 하에서 작업함으로써 내 자료가 내가 원하는 모든 것을 할 수 있도록 배울 수있었습니다. 이것이 학업 훈련의 진정한 요점입니다. 반드시 지켜야하는 규칙이 아니라 구성적인 미용 체조입니다. (또한 “규칙”은 매우 자주 발생하는 문제에 대한 실행 가능한 해결책을 제시합니다. 때로는 “바퀴를 재발 명 할 가치가 없습니다.))

하지만 특정 제약 조건은 벗어날 수 없습니다. 오케스트라의 경우 악기의 한계가 무엇인지, 그리고 서로 균형을 이루는 방법을 반드시 알아야합니다. 악기를 배우는 것은이를 위해 좋습니다. 악기가 매우 뚜렷한 강점을 가지고 있다는 뼈 속 깊이를 배웁니다. 그리고 당신은 당신이 연주하지 않는 악기를 위해 적절한 조사를 한 후 일정량의 신중함과 존경심을 가지고 쓰는 법을 배웁니다. 예를 들어, 피아노에서 한 손에 스타카티시모 6 음 코드를 쓰는 것처럼 극단적 인 작업을한다면 한 손가락이 적어도 두 손가락을 연주 할 수 있는지 확인하는 것이 좋습니다. (흰색) 키를 함께 사용하지 않으면 피아니스트가 피 묻은 큰 막대기로 당신을 쫓아 온 것에 대해 아무도 피아니스트를 비난하지 않을 것입니다. : D

이상적인 것은 머릿속에있는 것을 알아내는 법을 배우고, 당신이 쓴 글이 공연자와 청중 모두에게 전달된다는 것입니다. 이것이 이상적 입니다. 완전히 도달하지 못할 수도 있지만 그 과정에서 즐거운 시간을 보내는 것이 좋습니다. 여정을 즐기지 않으면 할 가치가 없습니다.

나는 당신에게 모노포니로 시작하라고 말하지 않을 것입니다 (나는 나 자신이 아니 었습니다). 그러나 나는 당신에게도 말하지 않을 것입니다.-당신의 머릿속에있는 것을 쓰려고 노력하고, 결점을 고치세요 당신이 이것을 달성하는 것을 방해합니다. 머릿속에서 듣는 것이 단순하다면 간단하게 쓰십시오. 그렇지 않다면 야심을 가지고 한 번 시도해보십시오. 스케치를 다룰 수있을만큼 음악적으로 성숙해질 때까지 스케치를 제쳐 두어야 할 수도 있습니다. 처음으로 그렇게하는 사람이 아니므로 그런 일이 발생해도 걱정할 필요가 없습니다.

Billy-be-damned와 같은 책과 악보를 읽으십시오. 아무도 은 모든 음악적 문제를 해결하기 위해 마술 지팡이를 선물합니다.시퀀서 지향적 인 출력을 피하십시오. 실제적인 이유로 연주자를 생략해야하지만 시퀀스가 성장할 수없는 이상한 경우가 있습니다. 연주자가 해석하는 점수는 가능하고 가능합니다. 저는 다음과 같이 매우 엄격하게 시퀀스를 사용합니다. 연주자들을위한 거친 가이드로 작품의 소리가 어떻게 들리는 지에 대해 “거친”이라고 조언합니다. 시퀀스는 성장하지 않을뿐만 아니라 호흡도 잘 못합니다.

연습하고, 연습하고, 연습하세요.

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• 일부 음악 유형은 시퀀서에 더 친숙하지만 시퀀스 된 음악에 대한 전반적인 요점은 전체를 놓치고 있습니다. 요점이 잘 만들어졌습니다. +1
• 예, @ToddWilcox, ‘ 확실히 모든 것을위한 장소이지만 최고의 I ‘ for 루프와 시퀀스를 본 적이있는 Robert Fripp은 실시간으로 기타에서 생성합니다. 그 숨이 멎을 것입니다.

악기를 배우면 작곡이 훨씬 쉬워집니다. 부분적으로는 악보가 어떻게 작동하는지 배우기 때문입니다. 또한 많은 악기 음악에 노출됩니다. 아마추어 작곡가 (그리고 고등학교 밴드 멤버)로서 작곡하기 전에 악기를 배우는 것이 좋습니다. 나는 두 개의 악기 만 연주하기 때문에 내가 가진 지식이 제한적이므로이 작은 팁을 드릴 수 있습니다. 색소폰 연주에 관심이 있다면 클라리넷을 먼저 배우십시오. 피아노를 배우는 것은 많은 도움이되지만 콘서트 밴드 / 오케스트라의 일부인 악기를 배우면 큰 앙상블이 어떻게 작동하는지 더 많은 지식을 얻을 수 있습니다.

대부분의 작곡가들이 동의 하듯이 음악 이론은 매우 중요합니다. 음악 이론에 관한 책을 제안하겠습니다. 음악 이론에 대한 제한된 지식만으로도 많은 일을 할 수 있지만 더 많이 배울수록 작품은 더 발전 할 것입니다. 제가 책을 추천하는 이유는 저자가 아주 기본적인 것으로 시작하여 나중에 더 고급 개념을 공개하기 때문입니다. 이렇게하면 무엇을 먼저 배워야할지 매우 쉽게 배울 수 있습니다.

작곡을 시작하면 “음악에서 반복을 사용하는 것을 두려워하지 마십시오. 좋아하는 것을 반복하는 것이 잘못된 것은 아닙니다.” Disney Pixar의 Up 에서이 곡 을 들어보세요. 먼저 간단한 피아노 곡을 작곡해야합니다. 첫 번째 곡은 단순한 곡이었습니다. 피아노 솔로입니다. 코드가 없었고, 대위법을 이용한 단순한 멜로디 (음악적 아이디어 부족), 그리고 많은 반복이있었습니다.

마지막 조언은 다음과 같습니다. 낙담하지 마세요! 노래에서 재생할 수없는 부분을 발견하면 속도를 늦추고 음표 단위로 메모하고 가능한 한 잘 될 때까지 매일 빠르게 재생하십시오. 마음이있는 지점에 도달하면 음악적 아이디어가 전혀 없어도 괜찮습니다! 그런 일이 여러 번 나에게 일어났습니다. 그리고 보통 나중에 나에게옵니다. 저는 전문 작곡가는 아니지만 괜찮은 작품을 썼습니다. 영감을 얻는 가장 좋은 방법은 당신이 일하는 작곡가의 말을 듣는 것입니다. 존경합니다. 현대 최고의 영화 작곡가로는 John Williams, Hans Zimmer, Michael Giacchino가 있습니다.

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• 피아노는 정기적으로 오케스트라의 일부입니다. 콘서트 공연.
• 때로는 그렇습니다.하지만 ‘ 오케스트라가없는 것보다 더 많이 들었습니다.

간단한 책을 읽는 것이 좋습니다. “ 음악 작곡 “(Reginald Smith Brindle 작성) 작곡가가 알아야 할 모든 요소에 대한 훌륭한 소개입니다. 시간의 시험을 견디고 디지털 시대에도 여전히 관련성이 있다고 생각하는 몇 안되는 작곡 책 중 하나입니다.

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• 아마존. 돈의 가치가 있습니다.

음악 작곡은 기본적으로 머리 / 상상력에서 재생되는 음악을 문서화합니다 … 키보드 / 피아노 (또는 키보드를 싫어하는 경우 기타)에 대한 특정 수준의 숙련도를 개발하는 것은 매우 유용한 & 유용한 도구입니다. 여러 가지 이유로 키보드를 권장합니다.

1. 플레이하기가 더 쉽습니다 (쉽도록 설계되었습니다. & 편한 연주-기타를 연주하려면 불편한 조작이 많이 필요합니다. & & 손가락-굳은 살의 발달을 포함합니다!)

2. 키보드는 또한 학습을 촉진하는 데 매우 도움이되는 시각적 인터페이스 / 구개를 제공합니다. & 음악의 기본 메커니즘 또는 “문법”이해 (음악 이론).

3. 기본 (저렴한 / 무료) 소프트웨어 / 가상 악기 (또는 기타 사운드 생성 하드웨어)가있는 컴퓨터에 키보드를 연결하면 기본적으로 모든 사운드를 생성 할 수 있습니다. ! 더 많은 이유를 나열 할 수는 있지만 그게 충분하길 바랍니다.

키보드 연주를 배우기위한 저의 조언은 다음과 같습니다 : 강조하는 방법 / 기술에 집중하는 것 “귀로 연주”. 왜냐하면 내가 방금 말했듯이 작곡은 음악을 머릿속에 적는 것입니다. 이것은 “귀로 연주”를 말하는 또 다른 방법입니다. 머릿속에서 듣는 것을 연주하는 것입니다. 개인적으로 어렸을 때 시작된 독특한 환경이있었습니다. 간단히 말해서, 우리는 매우 고립 된 & 외딴 지역에 살았습니다. 잠재적 인 교사 나 나를 안내 할 책도 없었습니다. 그러나 우리는 피아노를 가지고 있었고 많은 시간을 보냈습니다. 처음에는 몇 가지 간단한 멜로디를 연주하는 방법을 알아 냈고, 점차적으로 다른 음을 멜로디와 잘 어울리거나 잘 연주하는지 알아 내기 시작했습니다. 그 당시 나는 그것을 깨닫지 못했지만 본질적으로 음악 이론의 기초를 알아 내고있었습니다. 머지 않아 저는 머릿속에서 상상할 수있는 거의 모든 것을 키보드로 연주하는 법을 배웠거나 라디오에서들을 수있는 것을 배웠습니다. 등등.

나중에 음악 이론 수업 & 피아노 레슨을들을 수 있었을 때, 저는 정말로 방금 배우고 있었기 때문에 상당히 빠르게 발전 할 수있었습니다. 공식 단어, 용어 & 제가 이미 공식화 한 개념에 대한 기술입니다.

기본적으로 아이디어는 게임을 시작하는 것입니다. & 가능한 한 빨리 음악을 “만들기”!!!

또한 어떤 종류의 지역 사회 나 교회 합창단 / 밴드 / 오케스트라에 참여할 것을 촉구합니다 (확실히 타악기 연주법을 충분히 배우는 방법) 합창단은 정말 이상적입니다. 특히 앙상블에서 연주하는 &를 배우면 음악에 대해 많은 것을 배울 수 있습니다! 논리 l & “쉬운”발견 방법 & 음악이 어떻게 조화를 이루는 지 진정으로 이해합니다. & 레이어별로. 그것은 또한 “작곡 된 음악”의 기초에 익숙해지는 직관적 인 & 효율적인 방법입니다. & 읽는 방법- 음악 이론 수업이나 일부 “교과서”의 지루하고 복잡하며 추상적 인 설정 …

합창단이나 악기 앙상블에 참여하는 것 외에도 여러분이 할 수있는 드럼 서클도 찾아 보시길 바랍니다. 가서 참여하십시오. & 대부분의 도시는 중간 규모의 도시라도 매주가 아니라면 적어도 한 달에 한 번 만나는 것과 비슷한 것을 가질 것입니다. 드럼 서클은 완전히 다른 종류의 정보를 담고있는 보물 상자와 같습니다. & 개념을 다른 곳에서는 찾을 수 없습니다! 창의력을 자극하는 데 도움이됩니다. & 흐름 … 공개적이고 즉흥적 인 참여 행사를 통해 얻을 수있는 귀중한 통찰력과 경험의 질이나 양을 과소 평가하지 마십시오!

이를 통해 독창적 인 음악을 만드는 방법을 배우는 방법에 대한 개념 & 아이디어를 넓히는 데 도움이 되었기를 바랍니다. “음악 만들기”에 참여하여 즉시 “발을 적시십시오”.

표면에 작곡을 배우는 가장 좋은 방법은 작곡을 시작하는 것입니다. MuseScore 또는 MusicMasterworks와 같은 무료 / 저렴한 음악 기보법 프로그램을 받고 실험을 시작하세요. 어떤 결과를 얻을 수 있는지 확인해보세요. 음조 관계, 프레이즈, 멜로디, 리듬에 대해 많이 배우게 될 것입니다. 멋진 곡도 만들 수 있습니다!

하지만 진지해지기로 결정한 경우 다음 사항을 고려하십시오.

작곡가가 반드시 뮤지션이 아니며 뮤지션이 반드시 작곡가도 아닙니다. 작곡가와 뮤지션의 차이점은 다음과 같습니다. 작가와 웅변가의 차이와 동일합니다. 하나는 다른 하나에 묶여 있고 실제로 다른 하나는 그들의 예술이 결실을 맺기 위해 의존하지만 그들이 사용하는 기술과 그들이 가져야 할 재능은 실제로 상당히 다릅니다. 하지만 음악에 대해 생각할 때 때때로 둘 사이의 경계가 흐려지기 때문에 기억하는 것이 좋습니다.

문법 규칙을 알아야하는 것과 같은 이유로 음악을 작곡하려면 음악 이론을 알아야합니다. 쓰다. “음악을 연주 하기 위해 음악 이론을 배울 필요는 없지만 작곡은 연주와 동일하지 않습니다.

음악 작곡이란 무엇입니까? 가장 기본적인 수준에서 그렇습니다.” 뮤지션에게 지침 세트. 음악 이론 이란 무엇입니까? 대부분은 용어의 정의이므로 음악가가 구어 또는 문어를 사용하여 음악적 아이디어를 전달할 수 있습니다.보시다시피, 그것들은 “같은 것은 아니지만 서로 관련이 있습니다.

음악을 연주 할 때는 음악적 아이디어를 소리로 직접 전달하는 것입니다. 그러나 작곡에 관해서는 당신이” 음악적 아이디어를 글로 다시 전달합니다. 결국 악보는 기록 된 음악적 아이디어에 지나지 않습니다. 그렇기 때문에 다른 뮤지션에게 음악 아이디어를 전달하려면 음악 이론을 아는 것이 좋습니다.

원하는 경우 악기를 배우는 것이 실제로 필수 는 아닙니다. 음악을 작곡하지만 그것없이 작곡하는 것을 상상하기는 꽤 어렵습니다. 작곡 할 때 악기는 다른 것 외에 계산 도구가됩니다. ( “이 간격이 작동합니까? 내가 이 고조파 관계에서 왔다고 가정하면 this 하모니?) 이론적으로는 목소리 만 사용할 수 있습니다. 그러나 이것은 여러 음색, 조화 관계 등을 테스트하는 방법에 대한 질문을합니다.

박자는 거의 모든 서양 음악에서 사용됩니다. 2/4, 3/4, 4/4와 같은 일반적인 박자표 나 7/8, 11/8, 13/8 15/8 17/8 등과 같은 더 복잡한 박자표에 상관없이 좋은 소식은 서양 음악은 2, 3 또는 4에 있습니다. 더 좋은 소식은 사실상 모든 박자표가 2와 3의 하위 그룹으로 나뉘어져 있기 때문에 복잡하게 들리더라도 매우 쉽습니다 (개념적으로 적어도). 좋은 뮤지션이 되려면 리듬과 템포에 대한 확실한 이해가 필요합니다. 작곡가 로서 좋은 리듬감은 필요하지 않지만 템포 (특히 다양한 악기의 템포 제한)를 이해하는 것이 중요합니다.

뮤지션으로서 공부하는 것이 필수적입니다. 타악기의 기초입니다. 제 시간에 템포로 연주 할 수있는 것은 조율에 맞춰 연주 할 수있는 것만 큼 중요합니다. 작곡 측면에서는 멜로디뿐만 아니라 타악기로 가능한 것을 배우는 것이 중요합니다. 조화를 배우고 싶을 것입니다. , 코드 구조 포함. “Church”음계 (Ionian, Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian, Aeolian, Locrian) 및 Pentatonic 음계를 배우십시오.

이 모든 것을 배우면 음악을 전달할 수 있습니다. 더 간결하고 명확하게 상상할 수 있으며 훨씬 더 신속하게 음악을 작곡 할 수 있습니다. 음악 성과 작곡에 대한 마지막 요점 : 좋은 작곡가가되기 위해 좋은 음악가 일 필요는 없습니다 . 악기가 어떻게 작동하는지, 템포와 리듬이 어떻게 작동하는지 이해해야하지만 연주를 잘할 필요는 없습니다. 작동 방식 만 알면됩니다.

원하는 경우 오케스트라 작곡을 배우세요. 정말 많이 있습니다. 작품에 필요한 음악적 수준을 생각해야합니다. 많은 기교가 필요한 작품을 쓰면 (기껏해야) 음악적 성향을 가진 사람들에게 빛나는 목표가 될 것이고, (최악의 경우) 연주 할 수있는 사람이 많지 않기 때문에 거의 연주하지 않을 것입니다. 좀 더 세분화 된 수준으로, 당신은 당신이 쓰고있는 각 악기의 범위를 알고 있어야합니다. 범위는 뮤지션 능력과 밴드 또는 오케스트라 능력에 따라 다릅니다. (예를 들어 주니어 오케스트라의 예상 범위는 런던 심포니 오케스트라의 범위와 많이 다릅니다.) 가능한 악기 보이싱은 장소에 따라 상당히 다를 수 있으며, 곡이 구성 될 경우 구성 내의 미묘한 볼륨 / 악기 변경이 손실 될 수 있습니다. 실외 또는 실내 경기장과 같이 음향 적으로 불리한 환경에서 수행됩니다. 각기 다른 악기에 대해 특정 음색의 악보 요청을 받거나, 다른 유형의 음악 그룹 (예 : 밴드 / 오케스트라 / 옥텟 / 오중주 / 트리오 / 합창단)의 전체 곡을 다시 채점하거나 다른 키.

tl; dr : 무료 음악 프로그램 받기 무엇을 할 수 있는지 확인하십시오. 천 마일 여행의 첫 번째 단계라고 생각하십시오.

악기를 잡고 연주 방법을 배우십시오 (가급적 코드 악기). 워밍업을 위해 어떤 종류의 넌센스를 연주하십시오. “넌센스”가 배우려는 것보다 더 흥미로워지기 시작하면 당신은 작곡가입니다. 물론 작곡을 직접 연주하는 것 이상으로 나아가려면 “악보를 쓰는 법을 배우거나 작곡을 악보로 변환하는 미디 앱과 같은 것으로 작곡하는 법을 배워야합니다.

이미 음악을 알고있는 경우 작곡하는 가장 좋은 방법은 좋아하는 아티스트를 듣고 그들의 가사와 노래 구조를 배우고 복제본을 만드는 것입니다. 음악을 이미 알고있는 경우 작곡하는 가장 좋은 방법은 좋아하는 아티스트의 노래를 듣고 가사와 노래 구조를 학습 한 다음 복제를 시도하는 것입니다. 이렇게하면 더 편안하게 느끼고 자신의 음악을 만들 수 있습니다!

말 그대로 학교에서 점심 시간에 iPad에서 Apple의 무료 GarageBand 앱을 엉망으로 만들기 시작했습니다. 나는 도움말 메뉴를 통해 그 기능에 익숙해졌고, 어떤 것이 올바른지 확인하기 위해 사용할 수있는 다양한 악기와 것들을 실험하기 시작했습니다. 또한 특정 문제에 당황 할 때마다 간단한 Google 검색을 실행하여 (무료!) 유용한 리소스를 많이 찾았습니다. 그러나 GarageBand의 모든 용도에 대해 작곡을위한 기본 도구로 절대 권장하지 않습니다 . 대신 MuseScore 와 같은 프로그램을 사용하세요. 웹 사이트에는 프로그램 사용의 기본 사항을 다루는 유용한 교육용 동영상 시리즈도 있습니다.

GarageBand에서 작곡 할 때의 문제는 앱이 음악을 쓰는 도구가 아니라 내가 잘못 사용하고있는 음악을 만드는 도구라는 것입니다. 즉, 내가 앱에서 작곡 한 노래의 악보 사본을보고 싶을 때마다 Apple의 소프트웨어는 그렇지 않기 때문에 모든 을 손으로 필사하는 것을 의미합니다. 항상 다른 컴퓨터와 함께 작동합니다. 필사 작업은 매우 힘들고 시간이 많이 소요될 수 있으므로 실수를 반복하지 마세요!

내 작곡 능력은 아직 진행중인 작업이지만 중요한 것은 진행 상황이 되고 있다는 것입니다. 음악의 모든 기술적 측면에서 음악은 감정에 관한 것이므로 마음껏 본능을 믿고 실험하는 것을 두려워하지 마십시오.