기타 솔로 테크닉

다른 뮤지션의 릭과 솔로를 배우는 것은이 점에서 도움이 될 수 있습니다. 분명히 자신의 목소리를 개발하고 싶지만 뮤지션은 없습니다. n은 진공 상태에 존재하며 존경하는 음악가가 연주 한 음악의 종류를 무의식적으로도 배우고 분석하는 것이 확실히 도움이됩니다. 스타일과 가고 싶은 방향에 따라 다른 악기에도 집중하는 것이 도움이 될 수 있습니다. (저는 기타 연주를 돕기 위해 색소폰과 트럼펫 연주자의 솔로를 필사했으며 다음에서 코드 보이싱을 배우려고 노력했습니다. 가능할 때마다 피아노 연주자).

사실, 사용 가능한 기술의 폭과 폭을 배우기 위해 완전히 다른 스타일의 음악과 함께 시간을 보내는 것이 도움이 될 것입니다. Bach 방식을 생각해보십시오. 대위법과 유사한 구절의 상호 작용을 통해 구를 발전시킬 것입니다 .. 베토벤 교향곡 5 번과 그가 30 분의 음악을 통해 간단한 4 음 모티프를 발전시키는 방법을 들어보십시오. Wagner, Copland, Coltrane, Clapton 등이 이러한 문구 또는 모티프 개발 개념에 접근 한 다양한 방식을 생각해보십시오. 그들 모두는 탐구하고 배울 수있는 일생의 가치있는 음악을 제작했습니다.

구절을 개발하는 측면에서도 생각해보십시오. 아이디어는 종종 완전히 형성되지 않습니다. 즉흥적 인 음악가. 대신, 우리는 “발명 된 구절이나 경우에 따라 곡의 내용에서 구를 취하고, 변형과 발명을 사용하여 우리가 작업하고있는 틀에 우리 자신의 견해와 아이디어를 가져 오도록 설명합니다. 당연해 보이기 때문에 처음에는 언급하지 않았지만 곡을 알고 있는지 확인하세요 . 우리 기타리스트들은 노래의 멜로디가 아닌 변화를 배우는 경향이 특히 많습니다. 멜로디를 잘 이해하고 염두에두면 즉흥 연주를 “상황에 맞게”유지하는 데 도움이되며 멜로디 아이디어에 대한 풍부한 리소스가 될 것입니다.

있다, 물론, 믹스에서 고려해야 할 많은 기술적 사항, 실제로 음악의 전체 스펙트럼을 포괄 할 수있는 아이디어입니다. 제가 가장 좋아하는 항목은 다음과 같습니다.

• 프레싱 / 리듬 : 프레이즈가 어떻게 전개되는지 생각해보세요. 4 분의 1 분의 8 분의 16 분의 음을 똑바로 연주하고 계십니까? 혼합에 삼중 선을 도입 할 수도 있습니다. 또는 당신이 야망을 느낀다면 좀 더 복잡한 폴리 리듬. 문구를 통해 이러한 패턴의 진화에 시간을 할애하십시오. 느리거나 단순한 멜로디 문장에서 더 빠르거나 복잡한 문장으로 만드는 것은 일반적인 기술입니다. 그것을 시도하거나 그것을 뒤집어보십시오. 문구의 길이, 실신, 쉼표 또는 지속 된 음표를 사용하여 문구를 분리하는 방법에 대해서도 생각해보십시오. 특히 기타리스트 (그리고 실제로 “불어지지 않은 모든 악기 연주자)에게 유용한 또 다른 방법은 프레이즈의 길이와 리듬을 계획 할 때 호흡을 더 의식하는 것입니다. 이것은 더”자연스러운 “느낌을 줄 수 있습니다.
• 멜로디 : 멜로디에 어떤 모양을 사용하십니까? 음계를 실행하고, 아르페지오를 연습하고, 그것들을 분해하고, 방향을 바꾸고, 특정 음을 반복합니다. 멜로디의 윤곽 (정확한 윤곽이 아닐 수도 있음)을 상상해보십시오. 반복적입니까, 오름차순입니까, 하강합니까, 모든 곳에서입니까? 종이에 구불 구불 한 선을 스케치 한 다음 그 선의 윤곽을 따라 멜로디를 즉흥적으로 그려보세요. 다른 모양으로 다시하십시오. 이러한 모양이 문구에 표현 된 감정에 어떻게 영향을 미칠 수 있는지 알아보세요.
• 하모니 : 멜로디는 어떻습니까? 작품의 조화와 관련이 있습니까? 더 흥미롭게 만들 다른 선택을 할 수 있습니까? 재즈 연주자로서 내가 “외부”로 나가기 위해 가장 좋아하는 트릭 중 하나는 짧은 주제를 가져와 임의의 간격을두고 반복하는 것입니다. 이 코드에 대한 자연스러운 마이너보다는 도리안 모드에서 음을 선택할 수 있습니다.분명히 이것은 당신의 음악 이론적 지식과 당신이 연주하는 스타일에 달려 있습니다.
• 아티큘레이션 : 현을 어떻게 치고 있습니까? 레가토 나 스타카토를 하시나요? 음표를 약간 구부리십니까, 아니면 많이 구부리십니까? 당신의 선호도를 찾기 위해 분명히 이것을 직접 실험하십시오. 이것은 특히 다른 뮤지션들의 말을 듣고 필사하는 것이 큰 도움이 될 영역입니다. Chet Atkins와 Leo Kottke와 Yngwie Malmsteen과 Stevie Ray Vaughan이 서로 다른 소리를내는 이유는 무엇입니까? 꼼짝 않고 “장비”라고 말하지 마십시오. 한 플레이어가 생각하는 방식으로 구를 연주 한 다음 다른 플레이어를 연주 해보십시오.

물론 종이에 구절을 쓰는 데 시간을 할애하십시오. 즉흥 연주는 여전히 구성이며 동일한 기술이 적용됩니다. 프로세스에 좀 더 신중하게 접근하면 즉흥 연주에 대한 “자연스러운”직관이 늘어난 것을 발견했을 때 사용해야하는 지적 도구의 범위를 넓히는 데 확실히 도움이됩니다. 시간이 지남에 따라 이러한 도구가 자연스러운 직관에 통합되어 있음을 알게 될 것입니다.

댓글

• 아주 좋은 답변입니다. 특히 기타의 경우 멜로디의 중요성을 ‘ 충분히 강조 할 수 없다고 생각합니다.
• 나는 ‘ d 솔로가 포함 된 노래 의 멜로디를 배우고 사용하는 것을 강조합니다.
• 감사합니다, @Dave. 돌이켜 보면 지금은 너무나 명백해 보이는 그런 종류의 이야기를 종종 잊어 버렸습니다.하지만 실제로 그 교훈을 배우는 데 오랜 시간이 걸렸습니다. 저는 ‘ 개발 및 맥락에 초점을 맞춘 단락을 추가했습니다.

솔로로 이야기를하고 싶을 것입니다. 릭, 리프 및 그루브가 당신의 말입니다. 작가는 이야기를 내러티브 아크로 구성합니다.

서사 아크 는 일반적으로 다음과 같습니다.

• 박람회 : 소개 등장 인물이 소개되는 이야기, 배경이 드러납니다.
• 라이징 액션 : 주인공의 문제를 복잡하게 만드는 일련의 사건으로 이야기의 긴장감이나 긴장감이 고조됩니다.
• Climax : 이야기의 가장 큰 긴장의 지점과 상승하는 동작에서 떨어지는 동작으로의 내러티브 아크의 전환점.
• 떨어지는 동작 (Anti-climax) : 절정 이후 사건의 전개 이야기의 줄거리와 해결로 이어지는 긴장의 해소.
• 해결 : 일반적으로 이야기와 주인공의 문제가 해결되는 이야기의 끝.

좋은 이야기에는 일반적으로 일련의 상승 동작 (및 약간 떨어지는 동작)이 있으며,이 동작은 점차 큰 절정과 이야기의 결의로 커집니다.

그래서 a 기타 솔로 스토리 다음과 같이 가십시오.

• 노출 : 후크 또는 기타 멜로디 단편을 다시 설명합니다.

• 라이징 액션 1 : 다음과 같이 단편 변형을 시작합니다. 음표, 리듬 또는 옥타브 변경.

• 떨어지는 동작 1 : 후크를 다시 말하거나 단편에서 약간의 코드 멜로디를 연주하거나 잠깐 멈 춥니 다.
• 상승 조치 2 : 조각을 계속 변경하십시오. 더 날카롭게 만들고, 음계에 맞지 않는 음표 나 코드를 추가하세요. 더 크게 소리를 내세요. 효과 사용을 시작하세요.
• 떨어지는 동작 2 : 변이 된 조각을 깨끗하고 간단하게 재생
• Rising 액션 3 : 완전히 다른 멜로디 조각 연주 시작
• 떨어지는 액션 3 : 원본 또는 변형 된 원본 조각으로 돌아 가기
• 라이징 액션 4 : 원본 조각과 새로운 조각과 둘 사이의 전환. 이것은 대화와 갈등이며 흥미 롭습니다. 슬라이스와 주사위, 베이비. 한 조각을 높이고 다른 조각을 낮추십시오. 논쟁을 불러 일으키십시오.
• 라이징 액션 5 : 계속 결합하고 결합 된 문장이 이제 정말 강렬하고 연주하기 어렵고 바쁘게 될 때까지 전환하고 자르고 다이 싱하고 효과를냅니다.
• 낙하하는 행동 : 항아리를 꺼내거나이 단계를 건너 뜁니다.
• Climax : 청중을 “우!”로 만드는 것이 무엇이든 특별한 소스를 추가하세요.
• 해결 : 원본 조각을 말한 다음 다시 곡으로 돌아갑니다.

(보너스는이 기타 솔로가 소나타라는 것을 알아 차린 괴짜들을 가리 킵니다.)

상승하는 행동의 갈등은 보통 “긴장과 해방”으로 묘사되며 긴장은 불안정한 모든 것 : 바쁘거나 드문 드문, 펑키 vs. 스트레이트, 조용함 vs. 시끄러움, 목 위아래로 연주, 더 많은 반 음표 추가, 심지어 노래와 다른 건반 연주, 비트 뒤에서 연주 또는 박자 앞에, 느리게 대 빠름 등

솔로잉에는 두 가지 중요한 측면이 있습니다. 구문 및 좋은 타겟 톤 선택. 이 두 가지 측면에서 작동하는 오음 척도로 시간을 보내십시오.5 음 음계는 건반의 대부분의 코드에서 작동하므로 “이것이 최고의 시작점”인 이유입니다. 해당 음계에서 선택한 특정 음색을 강조하고 끝 또는 시작하는 대상으로 사용하여 5 음 음계로 “의미있는”문구를 만드는 작업을합니다.

또한 Dan Greenblatt의 “Blues Scales : Essential Tools”라는 책을 확인할 수 있습니다. 이것은 즉흥 연주를 시작할 때 매우 좋은 학습 보조 도구입니다. 블루스 스케일은 실제로 블루 노트가 추가 된 5 음계라는 것을 깨달으십시오. 따라서 펜타토닉과 블루스 스케일에 대한 귀하의 작업은 함께 성과를 거두었습니다.

이 게시물과 비슷합니다.

리드 기타 파트의 즉흥 연주 / 작문을 향상시키기 위해 스케일을 배우는 가장 좋은 방법은 무엇입니까?

제 대답은 다른 기타리스트 나 자신의 내면에서 “영감을 얻기”위해 (솔로 사운드를 미리 결정함으로써). 당신이 설명하는 것에서 당신은 척도와 기술에 대한 지식을 가지고 있습니다. 그러나 “당신이 아는 것”을하는 것만으로도 기분을 전혀 적용하지 않고 근육 기억을 사용하는 것처럼 보입니다. 가끔은 똑같은 상황에 빠지기 때문에 이렇게 말할 수 있습니다. 내 대답은 솔로가 어떻게 들리 길 원하는지에 대해 좀 더 신중하게하는 것이 었습니다 : 부드럽고, 부드럽거나, 거칠고, 물집이 있는가? 아니면 혼합물? 그리고 어떤 기분을 전하고 싶습니까? 멜로딕? 아니면 무딘?

라이브 솔로를 연주 할 때 정말 잘 작동하는 다른 한 가지는 : 자신의 목소리를들을 수 있는지 확인하십시오. 약간 익사하면 Sometyimes는 “찾기”공간이 없습니다. 멋진 솔로와 근육-기억을 뒤 흔드는 것이 우세 할 것입니다. 아니면 어쨌든 저에게 영향을 미칩니다.

링크 한 게시물에서 답변을 반복하지는 않지만 도움이되기를 바랍니다. 🙂

솔로의 멜로디를 머릿속에 담을 수있는 수준까지 실력을 향상시켜야한다고 생각합니다. 기타에서 직접 조옮김합니다.

많은 연습이 필요합니다.

기타 선생님이 “음악은 손가락에서 나오는 것이 아니라 머리에서 나온 것입니다. . ” 따라서 음계를 위아래로 이동하는 것은 “아무것도 의미 /하지 않습니다.”(즉, 손가락으로 만 연주하고 무언가가 나오기를 바라지 않아야합니다).

그러니 음계를 연습하고 음표를 들어보세요. 당신은 당신의 머리를 치고 있고 그것을 연주하기 시작할 때 당신의 머리에 솔로의 멜로디가 있습니다. 결국 충분한 연습을 통해 솔로를 음악으로 다시 조옮김 할 수 있습니다.

TL; DR :

좋아하는 솔로를 배우세요. 당신에게 중요한 것들을 연습하십시오. 계속 연습하세요.

기타 연주를 통해 배운 가장 큰 교훈은 연습은 효과가 있지만 시간이 걸리고 지름길이 없다는 것입니다.

장기 버전 : 저에게 도움이 된 것은 내가 좋아하는 다른 사람들의 솔로를 배우고 계속 연습하세요.

제가 작업을 시작한 첫 번째 작품 중 하나는 Sultans Of Swing이었습니다. 그때는 Call Me The Breeze (Skynyrd s version)로 옮겼습니다. 그 당시 제가 가장 좋아했던 곡 ( “70s 🙂 이었기 때문입니다.

제가 원하는 것을들을 때마다이 패턴을 반복했습니다. 즉흥 연주를 통해 배우고 행복 수준이 향상되었습니다. 제가 집중 한 몇 가지 사항은 올바른 구부리기, 간단한 구절, 픽과 손가락 전환 기능이었습니다.

솔로에 대한 아이디어를 얻기 위해 보컬 멜로디라는 용어로 생각하는 것이 도움이되었습니다. 보컬 멜로디를 시작점으로 사용하면 y만큼 즉흥 연주가 훨씬 쉬워 질 것입니다. 출발점이 있습니다. 청자는 솔로에서 노래와의 응집력을주는 멜로디의 일부를 듣게됩니다. 이것이 솔로의 기초가되고 노래의 멜로디에 따라 솔로를 새로운 차원으로 끌어 올릴 수있는 출발점이되기를 바랍니다.