Técnicas de solo de guitarra (Português)

Aprender licks e solos de outros músicos pode ser útil nesse aspecto. Obviamente, você desejará desenvolver sua própria voz, mas nada de música n existe no vácuo e é definitivamente útil aprender e analisar (mesmo que inconscientemente) os tipos de coisas que os músicos que você admira tocaram. Dependendo do seu estilo e da direção que você deseja seguir, pode ser útil se concentrar em outros instrumentos também (transcrevi solos de saxofonistas e trompetistas para ajudar na guitarra e tentei aprender a abrir acordes de pianistas sempre que possível).

Na verdade, provavelmente é útil passar algum tempo com estilos de música totalmente diferentes dos seus, para aprender a amplitude e amplitude das técnicas disponíveis. Pense na maneira como Bach desenvolveria uma frase por meio do contraponto e da interação de frases semelhantes. Ouça a Quinta Sinfonia de Beethoven e a maneira como ele desenvolve um motivo simples de quatro notas no decorrer de uma peça musical de meia hora. Pense nas inúmeras maneiras pelas quais esse conceito de desenvolvimento de frases ou motivos foi abordado por Wagner, Copland, Coltrane, Clapton e assim por diante. Cada um deles produziu uma vida inteira de música para explorar e aprender.

Tente também pensar sobre isso em termos de desenvolvimento de uma frase. As ideias geralmente não vêm totalmente formadas para um músico improvisador. Em vez disso, pegaremos uma frase, inventada ou do conteúdo da melodia, conforme o caso, e a exporemos, usando variação e invenção para trazer nossa própria opinião e ideias para a estrutura em que estamos trabalhando. Esqueci de mencionar isso no início porque parece óbvio, mas certifique-se de que conhece a melodia . Nós, guitarristas, somos particularmente propensos a aprender as mudanças, mas não a melodia da música. Se você tiver a melodia bem controlada e em mente, isso o ajudará a manter sua improvisação “no contexto”, por assim dizer, e será um recurso rico para ideias melódicas.

Existem, é claro, muitas coisas técnicas para pensar na mistura, ideias que podem abranger todo o espectro da música. Uma breve seleção de minhas favoritas pode incluir:

• Frase / ritmo : pense em como suas frases se desenvolvem. Você está tocando semínimas / colcheias / semicolcheias retas? Talvez você possa introduzir alguns tercetos na mistura, ou até mesmo alguns polirritmos mais complexos se você estiver se sentindo ambicioso. Passe algum tempo na evolução desses padrões por meio de suas frases. Construir de declarações melódicas mais lentas ou mais simples em outras mais rápidas ou complexas é uma técnica comum. Tente isso ou tente subvertê-lo. Pense também na extensão de suas frases, sobre a sincopação, sobre o uso de pausas ou notas sustentadas para quebrar uma frase. Outra coisa útil, especialmente para guitarristas (e na verdade músicos de qualquer instrumento que não seja tocado), é tentar estar mais consciente de sua respiração ao planejar a duração e o ritmo de suas frases. Isso pode dar uma sensação mais “natural” à sua execução.
• Melodia : Quais formas você usa para suas melodias? Se você quiser você está executando escalas, tente praticar arpejos e tente separá-los, mudando de direção, repetindo apenas algumas notas. Imagine um contorno (não necessariamente preciso) de sua melodia. É repetitivo, está subindo, está descendo, está em todo o lugar? Tente esboçar uma linha irregular em um pedaço de papel e, em seguida, improvisar uma melodia seguindo o contorno dessa linha. Faça novamente com uma forma diferente. Aprenda como essas formas podem afetar os sentimentos expressos em sua frase.
• Harmonia : como vai sua melodia relaciona-se com a harmonia da peça? Você poderia fazer uma escolha diferente que o tornasse mais interessante? Como músico de jazz, um dos meus truques favoritos para “sair” é pegar um tema curto e repeti-lo em um intervalo arbitrário de distância. Talvez você possa escolher notas do modo dórico em vez do menor natural neste acorde.Obviamente, isso “dependerá um pouco do seu conhecimento teórico musical e do estilo que você está tocando.
• Articulação : Como você está acertando as cordas? Você está tocando legato ou staccato? Você está distorcendo as notas um pouco, muito ou nada? Obviamente, experimente você mesmo para encontrar suas preferências. Esta é uma área em particular em que ouvir e transcrever outros músicos será extremamente útil. Por que Chet Atkins e Leo Kottke e Yngwie Malmsteen e Stevie Ray Vaughan soam tão distintamente um do outro? Não recue e diga “equipamento” – tente tocar uma frase do jeito que você acha que um jogador faria, depois outro jogador.

Definitivamente, gaste algum tempo escrevendo frases no papel , também. A improvisação ainda é composição, afinal, e as mesmas técnicas se aplicam. Abordar o processo de forma mais deliberada certamente ajudará a ampliar a gama de ferramentas intelectuais nas quais você deve recorrer quando descobrir que sua intuição “natural” para improvisação está esticada até seus limites e, com o tempo, você descobrirá que essas ferramentas estão sendo integradas a essa intuição natural.

Comentários

• Resposta muito boa. Acho que a importância da melodia não pode ‘ ser suficientemente enfatizada, especialmente para violão.
• I ‘ d enfatize o aprendizado e o uso da melodia da música em que está o solo.
• Obrigado, @Dave. Muitas vezes me esqueço de mencionar esse tipo de coisa, pois parece tão óbvio agora, em retrospecto, mas realmente demorei muito para aprender essa lição. Eu ‘ adicionei um parágrafo com foco no desenvolvimento e contexto.

Com qualquer solo, você quer contar uma história. Os licks, riffs e grooves são suas palavras. Os escritores estruturam as histórias como arcos narrativos.

Um arco narrativo geralmente é:

• Exposição: a introdução a história na qual os personagens são introduzidos, o cenário é revelado.
• Ação crescente: uma série de eventos que complicam as coisas para o protagonista, criando um aumento no suspense ou tensão da história.
• Clímax: o ponto de maior tensão na história e o ponto de viragem no arco narrativo da ação ascendente à ação descendente.
• Ação de queda (anticlímax): após o clímax, o desenrolar dos eventos no enredo de uma história e na liberação da tensão que leva à resolução.
• Resolução: O fim da história, normalmente, em que os problemas da história e dos protagonistas são resolvidos.

Em boas histórias, geralmente há uma série de ações ascendentes (e pequenas ações descendentes) que gradualmente aumentam até o grande clímax e a resolução da história.

Então, um história de solo de guitarra pode vá assim:

• Exposição: repita o gancho ou algum outro fragmento melódico

• Ação crescente 1: comece a transformar o fragmento mudança de notas, ritmo ou oitava.

• Ação de queda 1: pronuncie o gancho novamente ou toque um pequeno acorde-melodia fora do fragmento ou pare brevemente.
• Subida Ação 2: Continue a transformar o fragmento. Fique mais ousado, adicione algumas notas ou acordes que não se encaixam na escala. Aumente o volume. Comece a usar efeitos.
• Ação de queda 2: toque o fragmento mutado de forma limpa e simples
• Ação 3: comece a tocar um fragmento melódico completamente diferente
• Ação de queda 3: volte ao seu fragmento original original ou modificado
• Ação de aumento 4: comece a combinar partes do fragmento original e o novo fragmento e alternar entre os dois. Isto é diálogo e conflito e interessante. Corte e corte, baby. Talvez jogue um fragmento alto e o outro baixo. Faça-os discutir.
• Ação crescente 5: continue combinando e alternar e fatiar e cortar e efetuar até a declaração combinada agora é realmente intenso e difícil de jogar e ocupado.
• Falling Action: Retire as partes que balançam (ou pule esta etapa)
• Clímax: adicione seu molho especial, o que quer que faça os ouvintes dizerem “Woo!”

(Pontos bônus para nerds que notaram que este solo de guitarra é uma sonata.)

O conflito nas ações crescentes geralmente são descritos como “tensão e liberação” e a tensão pode ser qualquer coisa que esteja instável: ocupado vs. esparso, funky vs. direto, silencioso vs. alto, tocando para cima e para baixo no pescoço, adicionando mais notas cromáticas ou até mesmo tocando em uma tonalidade diferente da música, tocando atrás da batida ou na frente da batida, lento vs. rápido, etc.

há dois aspectos importantes no solo: fraseado e seleção de bons tons alvo . Passe algum tempo com a escala pentatônica trabalhando nesses dois aspectos.A escala pentatônica funciona sobre a maioria dos acordes da tonalidade, por isso é o melhor ponto de partida. Trabalhe na criação de frases “significativas” com a escala pentatônica, usando tons específicos que você escolher nessa escala como alvos para enfatizar e terminar ou iniciar as frases.

Além disso, você pode verificar um livro chamado “Blues Scales: Essential Tools” de Dan Greenblatt. Este é um ótimo auxiliar de aprendizagem para começar a improvisação. Perceba que uma escala de blues é na verdade uma escala pentatônica com uma nota de azul adicionada. Portanto, seu trabalho nas escalas pentatônica e de blues compensa juntos.

Este é um pouco como este post:

Qual é a melhor maneira de aprender escalas para melhorar a improvisação / escrita de partes de guitarra solo?

Minha resposta foi para “obter inspiração” de outros guitarristas ou de dentro de você (decidindo antecipadamente como seu solo soará). Pelo que você descreve, você tem conhecimento de escalas e técnica. No entanto, apenas fazer as “coisas que você conhece” parece apenas usar sua memória muscular, sem realmente aplicar nenhum humor. Posso dizer isso porque às vezes caio exatamente na mesma situação. Minha resposta foi ser um pouco mais deliberado sobre como você quer que seu solo soe: suave, suave ou áspero e intenso? Ou uma mistura? e que humor você gostaria de transmitir? Melódico? Ou contundente?

Outra coisa que descobri que funciona muito bem ao tocar solos ao vivo: certifique-se de que você pode ouvir a si mesmo! Às vezes, se você estiver se afogando um pouco, não há espaço para “encontrar” um bom solo e widdling de memória muscular irão prevalecer. Ou faz comigo de qualquer maneira.

Não vou repetir as respostas no post que eu vinculei, mas espero que ajude 🙂

Acho que você deve melhorar suas habilidades até um nível em que possa ter a melodia do solo em sua cabeça e ser capaz para transpor diretamente para o violão.

Isso requer muita prática.

Como meu professor de violão diz: “A música não vem dos seus dedos, ela vem da sua cabeça . ” Portanto, subir e descer as escalas não significa / faz nada (ou seja, você não deveria tocar apenas com os dedos e esperar que algo saia).

Então, pratique as escalas, ouça as notas você está batendo na cabeça e tem a melodia do solo na cabeça quando começa a tocá-lo. Eventualmente, você deve ser capaz de transpor esse solo em música … de novo, com prática suficiente.

TL; DR :

Aprenda os solos de que você gosta. Pratique as coisas que são importantes para você. Continue praticando.

A lição número um que aprendi tocando violão é que a prática funciona, mas leva tempo e não há atalhos.

Versão mais longa: o que funcionou para mim foi aprender solos de outras pessoas de que gostei. E continuar a praticá-los.

Um dos primeiros em que comecei a trabalhar foi Sultans Of Swing, porque adorei a suavidade de Mark Knopfler em todos os preenchimentos Em seguida, passei para Call Me The Breeze (versão do Skynyrd) porque era minha música favorita na época (“70s :).

Eu repetia esse padrão sempre que ouvia algo que queria aprendi e meu nível de felicidade com minha improvisação melhorou. Algumas coisas em que me concentrei foram acertar as curvas, frases simples e a habilidade de alternar entre palheta e dedos.

O que me ajudou foi pensar em termos da melodia vocal para ter ideias para o solo. Use a melodia vocal como ponto de partida e improvisar ficará muito mais fácil. Você tem um ponto de partida. O ouvinte ouvirá trechos da melodia no solo, o que lhes dá uma sensação de coesão com a música. Espero que isso lhe dê um ponto de partida para basear seu solo e levá-lo a novas alturas com base na melodia da música.