Gitarsolo-teknikker

Å lære slikk og soloer av andre musikere kan være nyttig i denne forbindelse. Tydeligvis vil du utvikle din egen stemme, men ingen musikk n eksisterer i et vakuum, og det er absolutt nyttig å lære og analysere (om ikke ubevisst) slags ting musikere du beundrer har spilt. Avhengig av stilen din og retningen du vil gå, kan det være nyttig å fokusere på andre instrumenter også (jeg har transkribert soloer av saksofon og trompetister for å hjelpe gitarspillet mitt, og jeg har prøvd å lære akkordstemmer fra pianospillere når det er mulig).

Det er faktisk nyttig å bruke litt tid på helt forskjellige musikkstiler fra din egen, for å lære bredden og bredden av tilgjengelige teknikker. Tenk på måten Bach ville utvikle en setning gjennom kontrapunkt, og samspillet mellom lignende setninger. Lytt til Beethovens femte symfoni og måten han utvikler et enkelt firetone-motiv i løpet av en halv times musikk. Tenk på de mange måtene dette begrepet utvikling av uttrykk eller motiver har blitt tilnærmet av Wagner, Copland, Coltrane, Clapton, og så videre. Hver og en av dem produserte en levetid på musikk å utforske og lære av.

Prøv også å tenke på det når det gjelder å utvikle et uttrykk. Ideer kommer ikke ofte til å være en improviserende musiker. I stedet vil vi ta en frase, enten oppfunnet eller fra melodiens innhold, alt etter omstendighetene, og forklare den ved å bruke variasjon og oppfinnelse for å bringe vår egen holdning og ideer til rammene vi jobber innenfor. Jeg forsømte å nevne dette først fordi det virker opplagt, men vær sikker på at du kjenner melodien . Vi gitarister er spesielt utsatt for å lære endringene, men ikke melodien til sangen. Hvis du har melodien godt i hånden og i tankene, vil det hjelpe deg med å holde improvisasjonen din «i sin sammenheng», og den vil være en rik ressurs for melodiske ideer.

Det er, selvfølgelig mange tekniske ting å tenke på i miksen, ideer som virkelig kan spenne over hele spekteret av musikk. Et kort utvalg av favorittene mine kan omfatte:

• Frasering / rytme : Tenk på hvordan setningene dine utvikler seg. Spiller du rette kvart / åttende / sekstende toner? Kanskje du kan introdusere noen trillinger i blandingen, eller til og med noen mer komplekse polyrytmer hvis du føler deg ambisiøs. Bruk litt tid på utviklingen av disse mønstrene gjennom setningene dine. Å bygge fra langsommere eller enklere melodiske utsagn til mer raske eller komplekse er en vanlig teknikk. Prøv det, eller prøv å undergrave det. Tenk også på lengden på setningene dine, på synkopisering, om å bruke hviler eller vedvarende notater for å bryte opp en setning. En annen nyttig ting, spesielt for gitarister (og faktisk spillere av ethvert instrument som ikke blåses), er å prøve å være mer bevisst på pusten din når du planlegger lengden og rytmen til setningene dine. Dette kan gi en mer «naturlig» følelse til spillet ditt.
• Melodi : Hvilke former bruker du til melodiene dine? Hvis du har lyst til du kjører skalaer, prøv å øve på arpeggier, og prøv å bryte dem opp, endre retninger og gjenta bare visse notater. Se for deg en kontur (ikke nødvendigvis en presis) av melodien din. Er det repeterende, er det stigende, faller det ned, er det overalt? Prøv å tegne en kvisende linje på et papir, og improvisere deretter en melodi som følger konturen til den linjen. Gjør det igjen med en annen form. Lær hvordan disse figurene kan påvirke følelsene som uttrykkes i setningen din.
• Harmony : Hvordan fungerer melodien din forholde seg til harmonien i stykket? Kan du ta et annet valg som vil gjøre det mer interessant? Som jazzspiller er et av mine favoritttriks for å komme «utenfor» å ta et kort motiv og gjenta det et vilkårlig intervall unna. Kanskje du kan velge toner fra Dorian-modus i stedet for den naturlige moll over denne akkorden.Dette vil tydeligvis avhenge litt av din musikkteoretiske kunnskap og stilen du spiller i.
• Artikulasjon : Hvordan treffer du strengene? Spiller du legato eller staccato? Bøyer du lapper litt, eller mye, eller ikke i det hele tatt? Åpenbart eksperimentere med dette på egen hånd for å finne dine preferanser. Dette er spesielt et område der det vil være utrolig nyttig å lytte til og transkribere andre musikere. Hvorfor høres Chet Atkins og Leo Kottke og Yngwie Malmsteen og Stevie Ray Vaughan ut så forskjellige fra hverandre? Ikke snakk ut og si «utstyr», heller – prøv å spille en setning slik du tror en spiller kan, så en annen spiller.

Bruk definitivt litt tid på å skrive setninger på papiret. Improvisasjon er fremdeles komposisjon, og de samme teknikkene gjelder. Å nærme seg prosessen mer bevisst vil definitivt bidra til å utvide spekteret av intellektuelle verktøy du må falle tilbake på når du finner din «naturlige» intuisjon for improvisasjon til det ytterste, og over tid vil du finne at verktøyene integreres i den naturlige intuisjonen.

Kommentarer

• Veldig hyggelig svar. Jeg tror at viktigheten av melodi ikke kan ‘ t bli stresset nok, spesielt for gitar.
• I ‘ d legg vekt på å lære og bruke melodien til sangen som solo er i.
• Takk, @Dave. Jeg glemmer ofte å nevne den slags ting som det virker så opplagt nå i ettertid, men det tok meg lang tid å lære den leksjonen. Jeg ‘ har lagt til et avsnitt med fokus på utvikling og kontekst.

Med hvilken som helst solo vil du fortelle en historie. Slikk, riff og spor er dine ord. Forfattere strukturerer historier som fortellende buer.

En narrativbue er vanligvis:

• Eksposisjon: Innledningen historien der tegn blir introdusert, innstilling avsløres.
• Rising Action: En rekke hendelser som kompliserer saker for hovedpersonen, og skaper en økning i historiens spenning eller spenning.
• Klimaks: Poenget med størst spenning i historien og vendepunktet i fortellingen, fra stigende handling til fallende handling.
• Fallende handling (Anti-klimaks): Etter klimaks, utfoldelsen av hendelser i historiens plot og frigjøring av spenning som fører mot oppløsningen.
• Oppløsning: Slutten på historien, typisk, der problemene i historien og hovedpersonene løses.

I gode historier er det vanligvis en serie av stigende handlinger (og små fallende handlinger) som gradvis blir større til det store klimaks og historiens oppløsning.

Så en gitarsolohistorie kanskje gå slik:

• Utstilling: Gjenopprett kroken eller et annet melodisk fragment

• Stigende handling 1: Begynn å mutere fragmentet ved å endre toner, rytme eller oktav.

• Fallende handling 1: Enten angi kroken igjen eller spill en liten akkordmelodi fra fragmentet eller til og med stopp kort.
• Stiger Handling 2: Fortsett å mutere fragmentet. Bli edgier, legg til noen toner eller akkorder som ikke passer inn i skalaen. Bli høyere. Begynn å bruke effekter.
• Falling Action 2: Spill det muterte fragmentet rent og enkelt
• Rising Handling 3: Begynn å spille et helt annet melodisk fragment
• Falling Action 3: Gå tilbake til det opprinnelige eller muterte originale fragmentet
• Stigende handling 4: Begynn å kombinere deler av det originale fragmentet og nytt fragment og bytte mellom de to. Dette er dialog og konflikt og interessant. Skive og terning, baby. Kanskje spill det ene fragmentet høyt og det andre lavt. Få dem til å krangle.
• Stigende handling 5: Fortsett å kombinere og bytte og kutte og skjære og effektuere til kombinert uttalelse er nå veldig intens og vanskelig å spille og opptatt.
• Fallende handling: Ta ut delene som krukke (eller hopp over dette trinnet)
• Klimaks: Legg til din spesielle saus, uansett hva som gjør at lytterne går «Woo!»

(Bonus peker på nerdene som la merke til at denne gitarsolo er en sonate.)

Konflikten i de stigende handlingene blir vanligvis beskrevet som «spenning og frigjøring» og spenningen kan være alt som er urolig: opptatt mot sparsom, funky mot rett, stille mot høyt, spiller opp og ned i nakken, legger til flere kromatiske toner eller til og med spiller i en nøkkel som er forskjellig fra sangen, spiller bak rytmen eller foran takten, sakte mot rask osv.

det er to viktige aspekter ved solo: frasering og utvalg av gode måltoner . Bruk tid på den pentatoniske skalaen til å jobbe med disse to aspektene.Den pentatoniske skalaen fungerer over de fleste akkorder i nøkkelen, slik at det er det beste utgangspunktet. Arbeid med å lage «meningsfulle» setninger med den pentatoniske skalaen, og bruk spesifikke toner du velger fra den skalaen som mål for å understreke og avslutte eller starte setningene med.

I tillegg kan du sjekke ut en bok som heter «Blues Scales: Essential Tools» av Dan Greenblatt. Dette er et veldig bra læringshjelpemiddel for å starte improvisasjon. Innse at en blåskala egentlig er en pentatonisk skala med en ekstra blå tone. Så arbeidet ditt med pentatonisk og blues skala lønner seg sammen.

Dette er litt som dette innlegget:

Hva er den beste måten å lære skalaer for å forbedre improvisasjon / skriving av blygitarpartier?

Svaret mitt var for å «hente inspirasjon» fra enten andre gitarister eller fra deg selv (ved å bestemme hvordan solo vil høres ut på forhånd). Fra det du beskriver har du kunnskap om skalaer og teknikk. Men bare å gjøre de «tingene du kjenner» virker som å bare bruke muskelhukommelsen uten å bruke noe humør. Jeg kan si dette fordi jeg noen ganger glir inn i nøyaktig samme situasjon. Svaret mitt var å være litt mer bevisst om hvordan du vil at solo skal høres ut: glatt, myk eller hard og blærende? Eller en blanding? og hvilket humør vil du formidle? Melodisk? Eller sløv?

En annen ting jeg har funnet fungerer veldig bra når jeg spiller soloer: Sørg for at du kan høre deg selv! Noen ganger hvis du blir druknet litt, er det ikke plass til å «finne» en fin solo- og muskel-hukommelse vil seire. Eller det gjør det med meg uansett.

Jeg skal ikke gjenta svarene i innlegget jeg har lenket, men forhåpentligvis vil det hjelpe 🙂

Jeg synes at du bør forbedre ferdighetene dine til et nivå hvor du kan ha melodien til solo i hodet og være i stand å transponere den direkte på gitaren.

Dette krever mye øvelse.

Som gitarlæreren min sier «Musikken kommer ikke fra fingrene dine, den kommer fra hodet ditt . » Så å gå opp og ned på skalaene betyr ikke / gjør noe (dvs. at du ikke bare skal leke med fingrene og håpe at noe kommer ut).

Så øv deg på skalaene, hør tonene du slår i hodet og har melodien til solo i hodet når du begynner å spille den. Til slutt bør du kunne transponere den solo til musikk … igjen, med nok øvelse.

TL; DR :

Lær soloer du liker. Øv på de tingene som er viktige for deg. Fortsett å øve.

Den viktigste leksjonen jeg lærte av å spille gitar, er at øvelse fungerer, men det tar tid og det er ingen snarveier.

Lengre versjon: Det som fungerte for meg var å lære andre menneskers solo som jeg likte. Og fortsett å øve dem.

En av de første jeg begynte å jobbe med var Sultans Of Swing fordi jeg elsket hvor glatt Mark Knopfler var i alle fyllene i det Så gikk jeg videre til Call Me The Breeze (Skynyrds versjon) fordi det var favorittsangen min på den tiden («70s :).

Jeg gjentok dette mønsteret når som helst jeg hørte noe jeg ville lære og lykkenivået mitt med improvisasjonen forbedret. Noen få ting jeg fokuserte på var å få bøyninger riktig, enkel formulering og muligheten til å bytte mellom hakke og fingre.

Det som hjalp meg var å tenke på det som vokalmelodien for å få ideer til solo. Bruk vokalmelodien som utgangspunkt, og improvisasjon blir mye lettere når du du har et utgangspunkt. Lytteren vil høre biter av melodien i solo som gir dem en følelse av sammenheng med sangen. Forhåpentligvis vil dette gi deg et utgangspunkt for å basere solo på og ta solo til nye høyder basert på melodien til sangen.