Hvordan kan jeg lære å komponere?

Jeg begynte å skrive dette i avsnitt, og det har blitt usammenhengende og samlet (som det meste av skrivingen min …), så jeg har fortettet det til noen få punkter, men jeg foreslår at du velger gjennom min fulle forklaring.

Jeg vil foreslå følgende:

• Piano er et flott instrument å lære, fordi du ikke trenger å være forbi nybegynnernivået for det for å hjelpe deg med å komponere.
• Lær musikalsk notasjon slik at du har en måte å skrive ned melodier i hodet og dele dem med annen musikk ians.
  • Vet om personalet , tidssignaturer , og grunnleggende rytme og varighet , og du kan skrive de fleste grunnleggende ideene ned .
• Start med monofoni , eller enkelt, uten ledsagelse melodi.
  • Mest harmoni krever en grunnleggende forståelse av musikkteori, og det kan føre deg ned før du til og med legger notater på papir.
  • Dessuten kan du alltid gå tilbake og legge til harmoni i ethvert monofonisk stykke.
• Musescore er et gratis programvare som hjelper til med musikalsk komposisjon, og det er verdt å se, selv om det kreves en grunnleggende forståelse av teorien for ikke å bli frustrert av det. / li>

Og fullteksten:

«Musikkteori» er en super bred kategori. Du kan skrive enkle, og til og med litt komplekse melodier uten å vite mye om det. «Musikknotasjon» er imidlertid mer spesifikk, og det er der jeg skulle begynne.

Alle de store komponistene Jeg kjenner

• Spill, eller i det minste, vet om, minst ett instrument
• Vet hvordan du skal notere sangene i hodet i minst en eller annen form

Når det er sagt …

Å komponere er kunsten å skrive ned melodier i hodet ditt. Du kan ha melodier i hodet ditt, og til og med kunne spille dem eller synge dem, og du har allerede det første trinnet ned. Det fine med musikalsk notasjon er å kunne bevare disse melodiene slik at de aldri blir glemt.

Når det er sagt, vil jeg foreslå at du har grunnleggende kunnskap om ansatte (hvor plassene er notert i standard musikalsk notasjon, noe jeg foreslår å lære fordi du ser ut til å være interessert i orkestermusikk), tidssignatur (takten og jevn, du kan si «musikkens kronologiske domene») varighet (hvor mye av det «kronologiske domenet» hver tone tar opp).

Med disse grunnleggende verktøyene kan du skrive ned sangene i hodet ditt. Nå, hvordan får du sangene i hodet?

Det er en feil jeg har gjort for å anta at komponering handler om formler. Selvfølgelig er det mye du kan bruke, men slik jeg liker å gå om det er å velge en melodi som dukker opp i hodet ditt. Bare hvilken som helst tilfeldig o Jeg stiller inn i hodet ditt. Nå, for dine formål, og siden det ville være lettere for deg å lære musikkteori etter behov-etter-behov-basis, vil jeg holde meg til monofoni først (enkeltmelodi, uten akkompagnement). Det fine med dette er at du alltid kan komme tilbake senere og slå inn akkorder eller motmelodier når du føler behov for det, men det er tilfredsstillende å legge tonene ned og høre noe sammenhengende.

En siste argument for å lære musikknotasjon, er at når en sang er skrevet ned, vil enhver musiker ( de fleste musikere) kunne spille den ved å lese, noe som betyr at du ikke trenger å gjøre det vanskelig. Vel, det går slik … «

Nå, når det gjelder å lære et instrument, foreslår jeg at du får grunnleggende kunnskap om pianotastaturet, fordi det er så enkelt, men det hjelper enormt i din forståelse av toneverdenen. Jeg spiller knapt piano i det hele tatt (knapt utover den tredje barneboken i studiene ;-P), men jeg kan bruke riktig holdning / teknikk til å slå ut melodier i hodet mitt, og det å visualisere tastaturet hjelper med mange konsepter som jeg ellers ikke kunne forstå.

Et flott stykke GRATIS programvare som hjelper til med komposisjonen din er Musescore, selv om den bruker mye terminologi og krever en grunnleggende forståelse av musikkteori. Men det er GRATIS! og derfor verdt å se, eller nedlasting, alt etter omstendighetene …

Kommentarer

• så du sier at den lange versjonen er en » plage » for å lese … vitser til side Jeg er enig med monofonietilnærmingen. Begynn i det små og arbeid deg oppover. Å komponere for orkester kan være en skremmende oppgave for selv erfarne arrangører / komponister. Jeg startet faktisk med SATB-korpartitur, og jeg fant ut at det var en god læringsopplevelse.
• Gjør komponister lagmusikken. Så hovedmelodi først. Så strenger, så messing, så perkusjon og så videre ….? P.s. takk for svaret ditt. Hjalp mye !!
• @SaggingRufus Ja, i påvente av mine galne skrifter ‘ ferdigheter, valgte jeg et kaldt brukernavn … Helt bevisst. 😉 Jeg holder meg vanligvis til solo-fiolin eller pianoscore … Hold ting enkelt nok for meg.
• Du kan også gjøre det motsatte og starte med akkordprogresjon og velge en melodi som komplimenterer det. Jeg tar vanligvis akkompagnementet først, deretter melodien, men begge er gyldige
• Jeg ‘ har ryddet opp i noen kommentarer her. Ikke legg ut personlig informasjon her.

Velkommen til musikk: Øv & Teori!

Jeg er enig med det meste av det TopoMorto sa i sitt svar, og jeg ønsker bare å gi deg litt mer informasjon, og ideer, og noe av min egen erfaring som et tips.

• Melodien

Nesten alltid melodi er den viktige delen av enhver musikk. Jeg antar at du alltid har noen låter i hodet! Jeg vet at jeg gjør det! Gjerne det er der jeg begynner når jeg har en melodi.Jeg tar pianoet eller gitaren hvis jeg har dem for hånden og begynner å spille melodien, og finner tonene i hodet og intervallene. Eller jeg begynner bare å skrive notatene i Guitar Pro hvis jeg ikke har noe instrument ved min side. Hvis melodien min passer meg, lar jeg den være som den er, ellers begynner jeg å tenke på å endre noe av den noen steder for å gjøre den mer interessant.

• Harmonien

Etter at jeg er ferdig med melodien (det kan være hvordan tekstene skal høres forresten), begynner jeg finne gode og interessante akkorder. Jeg spiller dem på forskjellige måter i forskjellige varianter. På et liveinstrument som utgjør en melodi og harmoni går vanligvis sammen. Noen ganger begynner jeg med rytmen når jeg ikke er sikker på hva jeg ønsker å ha til slutt.

• Rytmen

Vanligvis en gang jeg har en harmoni og en melodi jeg tenker på en rytme. Jeg tenker på hvordan sangen skal gå, hvor raskt eller sakte, hva som skal stresses og hva slags slagverk som kan være.

• The arrangement

Dette er den mest interessante delen for meg. Når jeg har en grunnleggende harmoni, rytme og en melodi klar, begynner jeg å arrangere stykket mitt. Jeg tar andre instrumenter og spiller noter, akkorder, riff og etc. for å legge til elementer i sangen. Jeg legger til andre harmoni noen ganger og andre rytme og søker etter lyder og ideer som gjør sangen interessant. Etter at jeg har lagt til noen andre instrumenter, så jeg ofte på mine tidligere spilt eller partitur og endret dem noen ganger.

• Effektene

Dette er valgfritt, men noen ganger liker jeg å bruke effekter i musikken min. Ofte starter jeg hele ideen om en sang med en effekt.

I utgangspunktet handler det om en god melodi og et fint arrangement. Jeg hører ofte på annen musikk som jeg liker og analyserer den. Først da jeg lærte å komponere, kopierte jeg mest favorittbandene mine og komponistene. / p>

Å score et stykke komponerer ikke … du bør allerede ha det stykket du ønsker å score. Og det er vanligvis enkelt når du vet hva hvert instrument skal spille. I utgangspunktet er det å vite den vanskeligste delen å vite hvordan du skal skrive notene og elementene på klavene og personalet. Å vite hvordan du skal vise spilleren hva du vil at han skal Jeg mener at du trenger ikke bare å skrive de riktige tonene du spiller, men også stressene du lager og effektene som tremolo og vibrato og fade in / fade out effekter så vel som mange mange andre.

Jeg gir deg et eksempel på hvordan jeg skriver musikk:

Jeg begynner med gitar eller piano (de er mine viktigste istrumenter). Jeg begynner å synge eller nynne en melodi og bare spille (improvisere) og lete etter en interessant akkordprogresjon hvis jeg ikke har noen anelse i hodet. Hvis jeg har en (kanskje en tekst), begynner jeg å synge melodien eller tekstene og begynner å lete etter en harmoni samtidig! Når jeg har funnet den grunnleggende harmonien, og melodien er ok. Jeg begynner å spille i forskjellige stiler og legger til ekstra akkorder og toner. Jeg begynner med å spille for det meste enkle akkorder og ingen arpeggios eller hva som helst. Når jeg har noen gode interessante akkorder, tar jeg vanligvis opp Etter at jeg har spilt inn spiller jeg den og hører … og fortsetter å improvisere i hodet. Hvis jeg føler at jeg har oppdaget et interessant øyeblikk .. Jeg stopper og spiller den delen med den nye ideen. Etter at jeg har fått stykket til å se bra ut for melodi og ett instrument harmoni. Jeg begynner å spille et annet instrument til musikken og lager et arrangement. Jeg tapper ut en rytme og tenker på en basslinje osv. I løpet av hele prosessen kan jeg bytte hovedinstrumentet mitt flere ganger hvis et eller annet sted en tone er forstyrrende eller ikke høres riktig ut med andre instrumenter. Jeg gjør ofte alt dette veldig lenge. Når jeg har skrevet det meste av musikken, begynner jeg å tenke på en solo og effekt hvis jeg vil. Vanligvis tar en solo mye tid hvis jeg ønsker å gjøre det veldig interessant og ikke bare en enkel improvisasjon. endre harmonien er noen steder i henhold til en solo-bygning. Til slutt, endelig, får jeg en fin god ordning klar for hele bandet mitt å spille. De fleste av arrangementene mine er lagret i gp Guitar Pro 7-format.

Kommentarer

• @topo Dette er perfekt. Takk, min Herre. Er akkompagnementet det samme som harmonien? For eksempel i: Bring Him Home (fra les mis) har du hovedtangen, men er alle tingene under, de små frills hvis du vil, hva heter de?
• I ‘ har merket Topo, også for hans mening sir; mens jeg fremdeles vil elske kommentaren din også
• @cmp Det du sa er sikkert et akkompagnement .. Harmoni er dette ( ordbok.com / browse / harmony )
• @cmp ordet ‘ harmoni ‘ kan bety forskjellige ting ; det refererer ofte til det litt abstrakte begrepet ‘ lyden til de musikalske delene sammen ‘, noe som resulterer i ‘ gode og interessante akkorder ‘ som SovereignSun nevnte. Også snakker folk noen ganger om en ‘ harmonidel ‘, som (forvirrende) ofte er en melodisk linje som ikke er hovedmelodien. Ikke ‘ Ikke heng deg på definisjoner skjønt!

Lytt til musikk. Mye. Enhver slags musikk vil fungere – klassisk, jazz, rock – hva som helst! Dette kan hjelpe deg med å få ideer, finne din smak, inspirere deg osv. Jo flere forskjellige komponister du kjenner, jo lettere blir det for deg å starte. Du kan også begynne med å ta et stykke musikk og skrive varianter for det – legge til / slette / endre toner, endre tempo, legge til instrumenter og andre ting du kan tenke deg. Etter hvert kan du komme så langt unna originalstykket at det blir ugjenkjennelig!

Å spille et instrument vil også hjelpe, siden du vil kunne spille komposisjonene dine og endre dem hvis du ikke liker hvordan det høres ut. Dette vil hjelpe deg å unngå å skrive musikk som er umulig å spille – dvs. akkorder med 12 notater for piano. En annen fordel med å spille et instrument er at du må lære deg det grunnleggende om tonelesing og musikkteori, så å komponere ditt første stykke vil være enklere.

Det viktigste er sannsynligvis å få ideer. Hvis du har en ide, men ikke vet hvordan du skriver den ned, er det bedre enn å kjenne musikkteori og ha et tomt sinn. Du kan kjøpe musikkteoribøker, ta en klasse eller se noen videoleksjoner – selv om jeg vil anbefale å snakke med en faktisk lærer slik at de kan svare på spørsmålene dine.

Lykke til, og ha det gøy!

Kommentarer

• Ooh, dang, jeg skulle si det. Å lytte er super viktig.

OK, jeg begynte å lære meg selv komposisjon for 45 år siden. Jeg spilte treblåsere, så jeg var ikke helt til sjøs, men mine første forsøk på harmoni brukte mange sekunder ikke veldig vellykket. Jeg så på vanlig praksisharmoni for å begynne å få tak i dette, og da jeg var ung på begynnelsen av 70-tallet så jeg også litt forbi CP-harmoni.

Jeg begynte å jobbe med kontrapunkt. her var veldig likt hvorfor jeg ønsket å delta på livstegningskurs på universitetet til tross for at jeg først og fremst var en abstrakt kunstner: Ved å jobbe under bestemte, velforståtte begrensninger kunne jeg (og gjorde) lære å få materialene mine til å gjøre hva jeg ville fra dem. Det er det virkelige poenget med akademisk opplæring – ikke et sett med regler som må følges, men komposisjonelle kalisthenics. (Også, «reglene» gir deg brukbare løsninger på problemer som dukker opp ganske ofte. Noen ganger er det ikke verdt å finne opp hjulet på nytt.)

Enkelte begrensninger, men du kan ikke unnslippe. Hvis du skriver for orkester, må du vite hva instrumentenes begrensninger er, og hvordan de balanserer med hverandre. Å lære et instrument er bra for dette: du lærer dypt i beinene at instrumentene har veldig tydelige styrker og begrensninger, og du lærer å skrive for instrumentene du ikke spiller med en viss omtenksomhet og respekt etter grundig forskning. For eksempel, hvis du gjør noe så ekstremt som å skrive en staccatissimo seks-tone akkord for den ene hånden ved pianoet, hadde du bedre fordømt og sørg for at det er mulig for minst en finger å spille to (hvite) nøkler sammen, ellers vil ingen klandre pianisten for å komme etter deg med en blodig flott pinne. : D

Idealet er at du lærer å få ut det som er i hodet ditt, og at det du skriver når både utøvere og et publikum. Det er idealet – du kommer kanskje aldri til det, men ideen er å ha det gøy underveis. Hvis du ikke liker reisen, er det ikke verdt å gjøre.

Jeg vil ikke fortelle deg å begynne med monofoni (jeg visste ikke selv), men jeg vil ikke fortelle deg at du ikke skal gjøre det, heller – prøv å skrive det som er i hodet ditt, og prøv å fikse lakunene som hindrer deg i å oppnå dette. Hvis det du hører i hodet ditt er enkelt, så skriv enkelt; hvis ikke, vær ambisiøs og gi den en sjanse. Du kan finne ut at du må legge skisser til side til du er musikalsk moden nok til å takle dem. Du ville ikke være den første personen til å gjøre det, så ingen bekymringer hvis det skjer.

Les bøker og partiturer som Billy-be-damned, med tanke på at ingen av dem vil gi deg en tryllestav for å løse alle dine musikalske problemer.Prøv å unngå en sequencerorientert utgang – det er de rare anledninger når du av praktiske grunner må dispensere med artister, men sekvenser kan ikke vokse; en score som tolkes av artister kan og gjør. Jeg bruker sekvenser veldig strengt som en grov guide for artister om hvordan et stykke vil høres ut. Jeg sier «grovt» med råd: sekvenser vokser ikke bare, de puster ikke veldig bra heller.

Øv, øv, øv.

Kommentarer

• Noen typer musikk er mer sequencer-vennlige, men det generelle poenget ditt om sekvensert musikk mangler liksom hele poenget er godt laget. +1
• Ja, @ToddWilcox, der er ‘ absolutt et sted for alt, men det beste jeg ‘ har noensinne sett for løkker og sekvenser har vært Robert Fripp, og han lager dem på gitaren i sanntid … Det puster.

Å lære et instrument vil gjøre det enklere å komponere, delvis fordi du lærer hvordan musikknotasjon fungerer. Det utsetter deg også for mye instrumental musikk. Som amatørkomponist (og videregående bandmedlem) vil jeg foreslå å lære et instrument før du komponerer. Jeg spiller bare to instrumenter, så med den begrensede kunnskapen jeg har, kan jeg gi deg dette lille tipset: Hvis du er interessert i å spille saksofon, kan du lære klarinett først. Å lære å spille piano vil hjelpe deg mye, men å lære et instrument som er en del av et konsertband / orkester vil gi deg mer kunnskap om hvordan store ensembler fungerer.

Som de fleste komponister kan være enige om, er musikkteori veldig viktig. Jeg vil foreslå en bok om musikkteori. Du kan gjøre mye med bare en begrenset kunnskap om musikkteori, men jo mer du lærer, jo mer avanserte blir verkene dine. Årsaken til at jeg anbefaler en bok er fordi forfatteren begynner veldig grunnleggende og avslører mer avanserte konsepter senere. Dette gjør det veldig enkelt når det gjelder hva du skal lære først.

Hvis du begynner å komponere, ikke vær redd for å bruke repetisjon i musikken din. Det er ingenting galt med å gjenta noe du liker. Bare hør på dette stykke fra Disney Pixar «s Up . Du bør begynne med å komponere enkle pianostykker. Mitt første stykke var et enkelt Piano-solo. Den hadde ingen akkorder, en enkel melodi som utnyttet kontrapunktet (på grunn av manglende musikalske ideer) og mye repetisjon.

Mitt siste råd er dette: Ikke bli motløs! Hvis du kommer over en del i en sang som du ikke kan spille, sakte ned og tar den note for tone, spiller den raskere hver dag til du får den så god du kan. Hvis du kommer til et punkt der tankene dine er helt annullert for musikalske ideer, det er greit! Det har skjedd meg mange ganger. Og det kommer vanligvis til meg senere. Jeg er ingen profesjonell komponist, men jeg har skrevet noen anstendige stykker. Den beste måten å hente inspirasjon på er å lytte til komponister som jobber med deg beundre. noen av de største moderne filmkomponistene er John Williams, Hans Zimmer og Michael Giacchino.

Kommentarer

• Et piano er regelmessig en del av orkestre og konsertforestillinger.
• Det er noen ganger, men jeg ‘ har hørt orkesteret uten det mer enn med det.

Jeg anbefaler på det sterkeste å lese den ganske korte boka: « Musical Composition » av Reginald Smith Brindle. Det er en utmerket introduksjon i alle elementene i det komponisten trenger å vite og vurdere. Det er en av de få komposisjonsbøkene jeg føler tåler tidstesten og forblir relevant selv i den digitale tidsalderen.

Kommentarer

• $ 8 brukt på Amazon. Vel verdt pengene dine.

Å komponere musikk er i utgangspunktet prosessen med å eksternalisere & å dokumentere musikken som spiller i hodet / fantasien … Å utvikle en viss ferdighetsnivå på keyboardet / pianoet (eller gitaren hvis du har en aversjon mot keyboardet) vil vise seg å være en ekstremt nyttig & nyttig verktøy. Jeg anbefaler tastaturet av flere grunner.

1. Det er lettere å spille (det var designet for å være enkelt & behagelig å spille – gitaren krever mange vanskelige & ubehagelige manøvrer & aktiviteter med dine fingre – inkludert utvikling av calluses!)

2. Tastaturet gir også et visuelt grensesnitt / gane som kan være veldig nyttig for å lette din læring & forstå den underliggende mekanikken eller «grammatikken» til musikk (aka musikk teori).

3. Når et tastatur er koblet til en datamaskin med noen grunnleggende (billig / gratis) programvare / virtuelle instrumenter (eller annen lydproduserende maskinvare), kan det i utgangspunktet produsere ALLE lyd det er ! Jeg kan fortsette å liste opp mange flere grunner, men jeg håper det skal være tilstrekkelig.

Mitt råd for å lære å spille keyboard er: å fokusere på en metode / teknikk som vektlegger «spiller etter øret». For, som jeg nettopp sa: å komponere er å skrive ned musikken i hodet – noe som bare er en annen måte å si «å spille etter øret» – å spille det du hører i hodet. Personlig hadde jeg et unikt sett med omstendigheter som fikk meg i gang da jeg var yngre. I et nøtteskall: vi bodde i et veldig isolert & fjerntliggende område – ingen potensiell lærer eller bøker som kan veilede meg. MEN vi hadde et piano, og jeg hadde mye tid. Jeg fant først ut hvordan jeg skulle spille et par enkle melodier, etter hvert begynte jeg å finne ut hvilke av de andre tonene som hørtes riktig ut eller bra å spille med melodien. Jeg skjønte det ikke den gangen, men egentlig fant jeg ut det grunnleggende innen musikkteori. Før lenge lærte jeg å spille på keyboardet nesten alt jeg kunne forestille meg i hodet mitt, eller som jeg ville høre fra radioen, etc.

Senere, da jeg klarte å ta musikkteorikurs & pianotimer, var jeg i stand til å utvikle meg ganske raskt fordi jeg egentlig bare lærte offisielle ord, vilkår & teknikker for konseptene jeg allerede hadde formulert.

I utgangspunktet er ideen at du begynner å spille & «lage» musikk så raskt og så mye som mulig !!!

Jeg vil også oppfordre deg til å bli med i et slags lokalsamfunn eller kirkekor / band / orkester (du vil helt sikkert kunne å lære å spille perkusjon godt nok.) Et kor er virkelig ideelt – du vil lære mye om musikk ved å lære & å utføre det – spesielt i et ensemble! Jeg tror det er mest logica l & «enkel» måte å oppdage & forstår virkelig hvordan musikk kommer sammen – bit for bit & lag for lag. Det vil også være en intuitiv & effektiv måte å gjøre deg kjent med det grunnleggende om «skrevet musikk» & hvordan du leser det – men uten den kjedelige, kompliserte, abstrakte innstillingen til en musikkteori eller en «lærebok» …

I tillegg til å bli med i et kor eller instrumentalensemble, vil jeg be deg om å også finne en trommesirkel som du kan gå til og delta i. De fleste byer & selv mellomstore byer vil ha noe sånt som møtes minst en gang i måneden hvis ikke ukentlig. En trommesirkel vil være som en skattekiste med en helt annen type informasjon, opplever & konsepter som du ikke vil kunne finne noe annet sted! Hvis ikke noe annet, vil det bare hjelp til å få kreativiteten din stimulert & flyter … Ikke undervurder kvaliteten eller kvantiteten av verdifull innsikt og erfaring som er tilgjengelig for deg gjennom offentlige, improvisatoriske, deltakende hendelser!

Jeg håper dette har bidratt til å utvide konseptene dine & ideer om hvordan du kan gå frem for å lære å lage original musikk. Jeg håper jeg har klart å innpode viktigheten av deg umiddelbart «å få føttene våte» ved å bli involvert i å «lage musikk».

På forsiden av beste måten å lære å komponere er å begynne å komponere! Få et gratis / billig musikknotasjonsprogram som MuseScore eller MusicMasterworks, og begynn å eksperimentere. Se hva du kan finne på. Jeg garanterer ee at du lærer mye om toneforhold, frasering, melodi og rytme bare roter rundt – og du kan også komme med noen kule melodier!

Men hvis / når du bestemmer deg for å bli seriøs, bør du vurdere følgende:

Komponister er ikke nødvendigvis musikere, og heller ikke musikere er nødvendigvis komponister. Forskjellen mellom en komponist og en musiker er det samme som forskjellen mellom en forfatter og en taler. Den ene er bundet til den andre, stoler faktisk på den andre for at kunsten deres skal bli oppfylt, men ferdighetene de benytter og talentene de må ha er faktisk ganske forskjellige. Virker ganske åpenbart men det er godt å huske fordi linjen mellom de to noen ganger blir uskarp når man tenker på musikk.

Du trenger å kjenne musikkteori for å komponere musikk av de samme grunnene som du trenger å kjenne grammatikkregler til skrive. Du trenger ikke lære musikkteori å spille musikk, men komposisjon er ikke det samme som ytelse.

Hva er en musikalsk komposisjon? På det mest grunnleggende nivået er det » et sett med instruksjoner til musikere. Hva er musikk teori ? I stor grad er det en definisjon av begreper, slik at musikere kan kommunisere musikalske ideer ved hjelp av talespråk eller skriftspråk.Som du kan se, er de ikke det samme; men de er i slekt.

Når du spiller musikk, kommuniserer du dine musikalske ideer direkte, med lyd. Men når det gjelder komposisjon, du » re formidle dine musikalske ideer skriftlig. En musikalsk poengsum er tross alt ikke annet enn musikalske ideer nedskrevet. Derfor er det å foretrekke å kjenne musikkteori hvis du ønsker å formidle dine musikalske ideer til andre musikere.

Det er faktisk ikke obligatorisk å lære et instrument hvis du ønsker å komponere musikk, men det er ganske vanskelig å forestille seg å komponere uten den. Når du komponerer, blir et musikkinstrument et beregningsverktøy bortsett fra noe annet. («Fungerer dette intervallet? Forutsatt at jeg kommer fra dette harmoniske forholdet, kan jeg gå til dette harmoni?) Teoretisk sett kan du bare bruke stemmen din, men dette vekker spørsmålet om hvordan du tester flere toner, harmoniske forhold osv.

Tidsignaturer brukes i nesten all vestlig musikk, enten det er vanlig tidssignaturer som 2/4, 3/4 eller 4/4, eller mer kompliserte tidssignaturer som 7/8, 11/8, 13/8 15/8 17/8 etc. Den gode nyheten er at de fleste vestlig musikk er i 2, 3 eller 4. Den enda bedre nyheten er at signaturer fra tid til annen er delt inn i undergrupper på 2 og 3, så selv om det høres komplisert ut, er det ganske enkelt (i det minste konseptuelt.) For å være en god musiker trenger du en solid forståelse av rytme og tempo. Som komponist er ikke en god rytmesans nødvendig, men å forstå tempo (spesielt tempobegrensninger på forskjellige instrumenter) er avgjørende.

Som musiker er det viktig å studere. rudimenter av perkusjon. Å være i stand til å spille i tide og i tempo er like viktig som å være i stand til å spille i takt. Komposisjonsmessig er det viktig å lære hva som er mulig perkusivt, så vel som melodisk. Du vil også lære harmoni , inkludert akkordstruktur. Mens du er i gang med det, lær «Kirkens» skalaer (ionisk, dorian, frygisk, lydisk, mixolydisk, eolisk, lokrian) og den pentatoniske skalaen.

Å lære alt dette vil tillate deg å kommunisere musikalen din forestillinger mer kortfattet og tydelig, og gjør det også mulig for deg å komponere musikk mye raskere. Et siste poeng om musikalitet og komponering: du trenger ikke å være en god musiker for å være en god komponist . Du må forstå hvordan instrumentene fungerer, hvordan tempo og rytme og resten fungerer, men du trenger ikke å være flink til å spille. Du trenger bare å vite hvordan det fungerer.

Hvis du vil lære orkester komposisjon, det er egentlig ganske mye med det. Du må tenke på nivået av musikalitet stykket ditt krever. Hvis du skriver et stykke som krever mye virtuositet, vil det (i beste fall) være et lysende mål for musikalsk tilbøyelige, og (i verste fall) nesten aldri spilt fordi det ikke er så mange mennesker som kan spille det. på et mer detaljert nivå, må du være klar over rekkevidden til hvert instrument du skriver for, med tanke på at rekkevidden varierer både etter musikerkompetanse og band- eller orkesterkompetanse. (Det forventede utvalget av juniororkester er mye annerledes enn for eksempel London Symphony Orchestra.) Mulig instrumentstemming vil variere betydelig etter arena, og nyanserte endringer i volum / instrument i komposisjonen kan gå tapt hvis stykket skal være utført utendørs eller i et akustisk ugunstig miljø som en innendørs arena. Det er ikke uvanlig å motta forespørsler om å score spesifikke stemmer for forskjellige instrumenter, re-score hele stykket for en annen type musikalsk gruppe (dvs. band / orkester / oktett / kvintett / trio / kor), eller å omorganisere stykket i en annen nøkkel.

tl; dr: Få et gratis musikkprogram, rot rundt og se hva du kan gjøre. Betrakt det som det første trinnet på en reise på tusen miles.

Ta tak i et instrument og prøv å lære å spille det (helst et akkordinstrument). Spill noen slags tull for å varme opp. Hvis «tullet» begynner å bli mer interessant enn det du prøver å lære, så er du en komponist. Selvfølgelig, hvis du vil gå utover å spille komposisjonene dine selv, må du enten lære å skrive musikknotasjon eller lære å komponere på noe som en midi-app som vil konvertere komposisjonen din til å score.

Den beste måten å komponere i tilfelle du allerede vet musikk, er å lytte til favorittartisten din, lære tekstene og sangstrukturen deres og deretter prøve å lage en replika The den beste måten å komponere i tilfelle du allerede kjenner musikk, er å lytte til favorittartisten din, lære teksten og sangstrukturen deres, og deretter prøve å lage en kopi, dette vil gi deg muligheten til å føle deg mer komfortabel og begynne å lage din!

Jeg begynte bokstavelig talt å rote i Apples gratis GarageBand-app på iPad en dag i lunsjpausen min på skolen; Jeg ble kjent med funksjonene ved å lese gjennom Hjelp-menyen, og jeg begynte å eksperimentere med de forskjellige instrumentene og tingene som er tilgjengelige for å se hva som hørtes riktig ut. Jeg fant også mange (gratis!) Nyttige ressurser ved å kjøre et enkelt Google-søk når jeg ble snublet over et bestemt problem. Imidlertid, for alle GarageBands bruksområder, anbefaler jeg absolutt ikke det som et primært verktøy for å komponere; bruk et program som MuseScore i stedet – nettstedet deres har til og med en serie nyttige instruksjonsvideoer som dekker det grunnleggende om hvordan du bruker programmet.

Problemet med å komponere i GarageBand er at appen ikke er ment å være et verktøy for å skrive musikk, det er et verktøy for å lage musikk som jeg har misbrukt. Det betyr at når som helst jeg har ønsket å se på en kopi av notene til en sang jeg har komponert i appen, har det betydd å transkribere alt for hånd fordi Apples programvare ikke jobber alltid med andre datamaskiner. Transkripsjon kan være mye arbeidskrevende og tidkrevende, så ikke gjenta feilene mine!

Min evne til å komponere er fortsatt et pågående arbeid, men det viktigste er at fremgangen skjer. Se, for alle de tekniske aspektene musikken har, sentralt handler musikk egentlig om å føle, så stol på instinktene dine og ikke vær redd for å eksperimentere.