Gitaarsolotechnieken

Het leren van licks en solos van andere muzikanten kan in dit opzicht nuttig zijn. Het is duidelijk dat je je eigen stem wilt ontwikkelen, maar geen musicia n bestaat in een vacuüm en het is beslist nuttig om te leren en te analyseren (zelfs onbewust) wat voor soort dingen musici die je bewondert, hebben gespeeld. Afhankelijk van je stijl en de richting die je wilt inslaan, kan het nuttig zijn om je ook op andere instrumenten te concentreren (ik heb solos getranscribeerd door saxofoon- en trompettisten om mijn gitaarspel te helpen, en ik heb geprobeerd om akkoorden te leren van pianospelers waar mogelijk).

In feite is het waarschijnlijk nuttig om wat tijd door te brengen met totaal andere muziekstijlen van uw eigen muziek, om de breedte en breedte van de beschikbare technieken te leren. Denk aan de manier waarop Bach zou een zin ontwikkelen door contrapunt, en de interactie van soortgelijke zinnen. Luister naar Beethovens Vijfde symfonie en de manier waarop hij een eenvoudig viertonig motief ontwikkelt in de loop van een muziekstuk van een half uur. Denk eens aan de vele manieren waarop dit concept van de ontwikkeling van zinnen of motieven is benaderd, door Wagner, Copland, Coltrane, Clapton, enzovoort. Elk van hen produceerde een leven lang muziek om te ontdekken en van te leren.

Probeer er ook over na te denken in termen van het ontwikkelen van een zin. Ideeën komen vaak niet volledig tot hun recht. een improviserende muzikant. In plaats daarvan zullen we een zin nemen, ofwel verzonnen of uit de inhoud van de melodie, naargelang het geval, en die uiteenzetten, door variatie en uitvinding te gebruiken om onze eigen opvatting en ideeën in het raamwerk te brengen waarin we werken. Ik heb dit in eerste instantie nagelaten om dit te vermelden omdat het voor de hand lijkt te liggen, maar wees er zeker van dat je de melodie kent . Wij gitaristen zijn vooral geneigd om de veranderingen te leren, maar niet de melodie van het nummer. Als je de melodie goed in de hand hebt en in gedachten hebt, zal het je helpen om je improvisatie als het ware “in context” te houden, en het “zal een rijke bron zijn voor melodische ideeën.

Er zijn, natuurlijk, veel technische dingen om over na te denken in de mix, ideeën die echt het hele spectrum van muziek kunnen omvatten. Een korte selectie van mijn favorieten zou kunnen zijn:

• Frasering / ritme : Denk na over hoe uw frases zich ontwikkelen. Speelt u rechte kwart / achtste / zestiende noten? Misschien kunt u een paar triolen in de mix introduceren, of zelfs wat meer complexe polyritmes als je ambitieus bent. Besteed wat tijd aan de evolutie van deze patronen door middel van uw zinnen. Het opbouwen van langzamere of eenvoudigere melodische uitspraken naar snellere of complexere uitspraken is een veelgebruikte techniek. Probeer dat, of probeer het te ondermijnen. Denk ook aan de lengte van uw zinnen, aan syncopen, aan het gebruik van rustpauzes of aanhoudende noten om een zin op te breken. Een ander nuttig ding, met name voor gitaristen (en inderdaad voor spelers van elk instrument dat niet wordt geblazen), is proberen om meer bewust te zijn van uw ademhaling bij het plannen van de lengte en het ritme van uw frasen. Dit kan een meer natuurlijk gevoel geven. aan uw spel.
• Melodie : welke vormen gebruik je voor je melodieën? Als je zin hebt je draait toonladders, probeer arpeggios te oefenen en probeer ze op te splitsen, van richting te veranderen en alleen bepaalde noten te herhalen. Stel je een contour voor (niet per se een precieze) van je melodie. Is het repetitief, stijgt het, daalt het, is het overal? Probeer een kronkelige lijn op een stuk papier te schetsen en improviseer dan een melodie die de contouren van die lijn volgt. Doe het opnieuw met een andere vorm. Ontdek hoe die vormen de gevoelens in uw zin kunnen beïnvloeden.
• Harmony : hoe werkt uw melodie betrekking hebben op de harmonie van het stuk? Zou je een andere keuze kunnen maken die het interessanter zou maken? Als jazzspeler is een van mijn favoriete trucs om “naar buiten” te komen, door een kort motief te nemen en dit met een willekeurig interval te herhalen. Misschien kunt u noten uit de Dorische modus kiezen in plaats van de natuurlijke mineur over dit akkoord.Dit “hangt natuurlijk een beetje af van je muziektheoretische kennis en de stijl waarin je speelt.
• Articulatie : Hoe raakt u de snaren? Speel je legato of staccato? Buigt u noten een beetje, of veel, of helemaal niet? Experimenteer hier uiteraard zelf mee om uw voorkeuren te vinden. Dit is met name een gebied waar het luisteren naar en het transcriberen van andere muzikanten enorm nuttig zal zijn. Waarom klinken Chet Atkins en Leo Kottke en Yngwie Malmsteen en Stevie Ray Vaughan elk zo duidelijk verschillend van elkaar? Maak ook geen gebruik van uitrusting, probeer een zin te spelen zoals je denkt dat de ene speler dat doet, en dan een andere speler.

Besteed zeker wat tijd aan het uitschrijven van zinnen op papier Immers, improvisatie is tenslotte nog steeds compositie en dezelfde technieken zijn van toepassing. Het proces bewuster benaderen zal zeker helpen om het scala aan intellectuele tools waarop je moet terugvallen te verbreden als je merkt dat je natuurlijke intuïtie voor improvisatie wordt uitgerekt tot het uiterste, en na verloop van tijd zul je merken dat die tools geïntegreerd worden in die natuurlijke intuïtie.

Reacties

• Heel mooi antwoord. Ik denk dat het belang van melodie ‘ niet genoeg kan worden benadrukt, vooral voor gitaar.
• I ‘ d benadruk het leren en gebruiken van de melodie van het nummer waarin de solo staat.
• Bedankt, @Dave. Ik vergeet vaak dat soort dingen te noemen, omdat het nu achteraf zo voor de hand lijkt te liggen, maar het kostte me inderdaad veel tijd om die les te leren. Ik ‘ heb een paragraaf toegevoegd die focust op ontwikkeling en context.

Bij elke solo wil je een verhaal vertellen. De licks, riffs en grooves zijn jouw woorden. Schrijvers structureren verhalen als verhalende bogen.

Een verhalende boog is meestal:

• Expositie: de inleiding het verhaal waarin personages worden geïntroduceerd, de setting wordt onthuld.
• Opkomende actie: een reeks gebeurtenissen die de zaken voor de hoofdrolspeler ingewikkelder maken, waardoor de spanning of spanning van het verhaal toeneemt.
• Climax: het punt van de grootste spanning in het verhaal en het keerpunt in de verhaallijn van stijgende actie naar dalende actie.
• Falling Action (anticlimax): na de climax, het ontvouwen van gebeurtenissen in de plot van een verhaal en het loslaten van de spanning die naar de oplossing leidt.
• Resolutie: het einde van het verhaal, typisch, waarin de problemen van het verhaal en van de hoofdrolspelers worden opgelost.

In goede verhalen is er meestal een reeks stijgende acties (en licht dalende acties) die geleidelijk groter worden naar de grote climax en de resolutie van het verhaal.

Dus een gitaar solo verhaal misschien ga als volgt:

• Expositie: herhaal de hook of een ander melodisch fragment

• Stijgende actie 1: begin het fragment te muteren door veranderende noten, ritme of octaaf.

• Vallende actie 1: Geef de hook opnieuw aan of speel een kleine akkoordmelodie van het fragment of stop zelfs even.
• Stijgend Actie 2: ga door met het muteren van het fragment. Word scherper, voeg enkele noten of akkoorden toe die niet in de toonladder passen. Word luider. Begin met het gebruik van effecten.
• Falling Action 2: speel het gemuteerde fragment netjes en eenvoudig
• Rising Actie 3: begin met het spelen van een heel ander melodiefragment
• Falling Action 3: ga terug naar je originele of gemuteerde originele fragment
• Rising Action 4: begin met het combineren van delen van het originele fragment en de nieuw fragment en schakelen tussen de twee. Dit is dialoog en conflict en interessant. Snijd en dobbel, schat. Speel misschien het ene fragment hoog en het andere laag. Laat ze ruzie maken.
• Stijgende actie 5: blijf combineren en schakelen en in plakken snijden en in blokjes snijden en effectueren totdat de gecombineerde verklaring nu echt intens en moeilijk te bespelen en bezig is.
• Vallende actie: haal de delen eruit die in de schaal vallen (of sla deze stap over)
• Climax: voeg je speciale saus toe, wat ervoor zorgt dat luisteraars “Woo!” Worden.
• Oplossing: noem je originele fragment en ga dan terug naar de melodie.

(Bonus wijst op nerds die hebben gemerkt dat deze gitaarsolo een sonate is.)

Het conflict in de opkomende acties wordt meestal omschreven als spanning en loslaten en de spanning kan alles wat onrustig is: druk versus schaars, funky versus recht, stil versus luid, op en neer spelen in de nek, meer chromatische noten toevoegen of zelfs spelen in een toonsoort die verschilt van het nummer, achter de maat spelen of voor de maat, langzaam vs. snel, etc.

er zijn twee belangrijke aspecten van soleren: frasering en selectie van goede doeltonen . Breng tijd door met de pentatonische toonladder die aan deze twee aspecten werkt.De pentatonische toonladder werkt over de meeste akkoorden in de toonsoort, dus daarom is dit het beste startpunt. Werk aan het maken van “betekenisvolle” frasen met de pentatonische toonladder, gebruik specifieke tonen die u uit die toonladder kiest als doelen om de frasen te benadrukken en te beëindigen of te beginnen.

Daarnaast kun je een boek lezen genaamd “Blues Scales: Essential Tools” door Dan Greenblatt. Dit is een heel goed leerhulpmiddel om te beginnen met improviseren. Realiseer je dat een blues-toonladder in feite een pentatonische toonladder is met een toegevoegde blauwe toon. Dus je werk op pentatonische en blues-toonladders loont samen.

Dit lijkt een beetje op dit bericht:

Wat is de beste manier om toonladders te leren om het improviseren / schrijven van leadgitaarpartijen te verbeteren?

Mijn antwoord was om “inspiratie op te doen” van of andere gitaristen of van binnenuit jezelf (door van tevoren te beslissen hoe je solo zal klinken). Van wat je beschrijft, heb je kennis van schalen en techniek. Maar gewoon de “dingen die je kent” doen lijkt alsof je gewoon je spiergeheugen gebruikt zonder echt een stemming toe te passen. Ik kan dit zeggen omdat ik soms in precies dezelfde situatie terechtkom. Mijn antwoord was om wat bewuster te zijn over hoe je wilt dat je solo klinkt: glad, zacht of hard en blaarvorming? Of een mengsel? en welke stemming zou je willen overbrengen? Melodieus? Of bot?

Iets anders dat ik heb gevonden werkt heel goed bij het spelen van live solos: zorg ervoor dat je jezelf kunt horen! Soms, als je een beetje overstemd raakt, is er geen ruimte om een mooie solo en spierherinnering zal de overhand krijgen. Of het doet het toch met mij.

Ik zal de antwoorden in de post die ik heb gelinkt niet herhalen, maar hopelijk helpt het 🙂

Ik denk dat je je vaardigheden moet verbeteren tot een niveau waarop je de melodie van de solo in je hoofd kunt hebben en in staat bent om het direct op de gitaar te transponeren.

Dit vereist veel oefening.

Zoals mijn gitaarleraar zegt: “De muziek komt niet uit je vingers, maar uit je hoofd . ” Dus op en neer gaan op de toonladder betekent niets (je moet dus niet alleen met je vingers spelen en hopen dat er iets uitkomt).

Dus, oefen de toonladders, hoor de noten je slaat in je hoofd en hebt de melodie van de solo in je hoofd als je hem begint te spelen. Uiteindelijk zou je die solo in muziek moeten kunnen omzetten … nogmaals, met voldoende oefening.

TL; DR :

Leer solos die je leuk vindt. Oefen de dingen die voor u belangrijk zijn. Blijf oefenen.

De belangrijkste les die ik heb geleerd van gitaar spelen, is dat oefenen werkt, maar het kost tijd en er zijn geen snelkoppelingen.

Langere versie: wat voor mij werkte, was het leren van de solos van andere mensen die ik leuk vond. En blijf ze oefenen.

Een van de eersten waar ik aan begon was Sultans Of Swing, want ik vond het geweldig hoe soepel Mark Knopfler was in alle fills in dat Daarna ging ik verder met Call Me The Breeze (Skynyrds versie) omdat het destijds mijn favoriete nummer was (“70s :).

Ik herhaalde dit patroon telkens als ik iets hoorde dat ik wilde leer en mijn geluksniveau met mijn improvisatie verbeterde. Een paar dingen waar ik me op concentreerde waren de juiste buigingen, eenvoudige frasering en de mogelijkheid om te wisselen tussen pikhouweel en vingers.

Wat me hielp, was om het termen van de vocale melodie te bedenken om ideeën op te doen voor de solo. Gebruik de vocale melodie als uitgangspunt en improviseren wordt veel gemakkelijker als je je hebt een startpunt. De luisteraar zal stukjes van de melodie in de solo horen die hem een gevoel van samenhang met het nummer geven. Hopelijk geeft dit je een startpunt om je solo op te baseren en de solo naar nieuwe hoogten te tillen op basis van de melodie van het nummer.