Hoe creëer je een harmonische dissonantie / spanning?

Dissonantie als concept heeft twee basisgedachten, waarvan er één wat controversiëler is. De eerste, die het meest wordt gebruikt, is dat dissonantie en consonantie in wezen relatief zijn en op een spectrum bestaan. De meest medeklinkerintervallen en harmonieën zijn die waarbij hun overlappende geluidsgolfcycli het vaakst worden uitgelijnd.Een octaaf is het minst dissonante interval, waarbij elk van de geluidscycli met een hogere frequentie overeenkomt met de geluidscycli met een lagere frequentie 2: 1, dat wil zeggen, elke geluidscyclus van de lagere frequentie vindt eenmaal plaats in dezelfde hoeveelheid tijd die nodig is voor de hogere frequentie. frequentie twee keer gebeuren, zoals hieronder afgebeeld. Meer dissonante intervallen hebben meer cycli nodig om hun geluidsgolven uit te lijnen. Dit verklaart waarom dezelfde intervallen de neiging hebben om dissonanter te klinken in lagere frequentiebereiken (als u niet bekend bent, probeer dan een grote terts in het middelste register van de piano te spelen, en dan in de richting van het lage gedeelte).

Het andere denkproces voor dissonantie is de wens om op te lossen Dit is over het algemeen goed van toepassing op het eerste concept, aangezien de meest gebruikelijke benaderingen van muziek dissonantie doorgaans gebruiken als een middel om een resolutie op te zetten, bijvoorbeeld het V-akkoord wordt gebruikt om een spanning te creëren die wil oplossen naar het I-akkoord. wordt pas echt controversieel als het tot het uiterste wordt doorgevoerd. Atonale muziek is in principe opgezet om geen noten belangrijker te maken dan andere, dus er is geen gevoel voor tonica. Hierdoor kan er geen verlangen zijn om op een bepaalde plaats op te lossen, omdat geen enkele plaats meer rust heeft dan een andere. In die zin is atonale muziek de meest consonante muziek die er is, die bijna elk mens die het ooit heeft gehoord, zou het daar helemaal niet mee eens zijn.

Dissonantie, zoals meestal geconceptualiseerd, bestaat in een spectrum en is relatief. Dit betekent dat we ons kunnen aanpassen aan dissonanten en ze als meer consonant gaan zien. Dit is vrij duidelijk in de wereld van Jazz. Verlengde akkoorden kunnen erg dissonant klinken wanneer ze willekeurig in een muziekstuk worden geplaatst, maar als het hele stuk uit verlengde akkoorden bestaat, klinken ze erg consonant, vooral in vergelijking met de gewijzigde akkoorden die vaak worden gebruikt om ze op te zetten.

Met dit in gedachten is het belangrijk om rekening te houden met je context wanneer je dissonantie probeert te gebruiken om spanning te creëren. Iets dat in een popsong tamelijk dissonant zou klinken, kan heel goed in een jazznummer volledig consonant klinken. intervallen kunnen op zichzelf dissonant klinken, maar wanneer ze in de context van een akkoord worden gespeeld, klinken ze veel meer medeklinker. Een kleine seconde klinkt op zichzelf al behoorlijk dissonant, maar wanneer het aan bepaalde akkoorden wordt toegevoegd, klinkt het erg leuk. Als je een mineur 7-akkoord construeert met een aantal extensies, kun je de mineur terts en de negen direct naast elkaar plaatsen, waardoor je een mineurseconde ertussen creëert, en het kan je een heel mooie textuur geven die aanzienlijk minder dissonant klinkt dan de interval op zichzelf.

Een van de moeilijkere intervallen om klankmedeklinker te maken is de kleine 9e. Als je Jazz akkoorden leert uitspreken, is een van de “regels” dat je ervoor moet zorgen dat je mineur 9e op elk niet-dominant functionerend akkoord vermijdt, aangezien de dissonantie de functie van de niet-dominante akkoorden ondermijnt. Dit wordt vrij goed geïllustreerd door een majeur 7-akkoord te creëren. Als je de grondtoon meer dan een octaaf boven de 7 uitspreekt, krijg je een mineur 9e, die minder klinkt dan in rust en binnen een majeur toonsoort, zou Imaj7 redelijk rustig moeten klinken. Draai die noten om in je intonatie en ineens klinkt het heel mooi en rustig (binnen die context). Daarom zal, wanneer nummers die eindigen met de melodische noot die de tonica speelt, het slotakkoord meestal geen maj7-akkoord zijn, omdat het bijna altijd de mineur 9e zal creëren (het zal vaak worden vervangen door een maj6-akkoord).

Dus ik denk dat wat je zoekt een mix is van het gebruik van bepaalde soorten intervallen / akkoorden die over het algemeen als dissonant worden beschouwd, ongeacht de context (zoals b9s, verminderde akkoorden, toonclusters) en het opzetten van je dissonanten binnen een bepaalde context (zoals het gebruik van strikt triadische harmonie en het tussenvoegen van complexere akkoorden). Het gebruik van noten van buiten de toonsoort waarin u zich bevindt, kan ook dissonantie veroorzaken, maar als u genoeg naar Jazz luistert, zult u merken dat buiten spelen geen “t is altijd inherent dissonant.

Buiten dat alles is er ook een soort spanning die kan worden afgeleid uit arrangement. Door te leren over de uitgebreide technieken van bepaalde instrumenten, kunt u ze gebruiken om meer spanning te creëren uit hetzelfde melodische / harmonische materiaal. Bijvoorbeeld, op strijkinstrumenten, spelen in de buurt van de brug, genaamd Sul Ponticello (ik hoor dit meestal Ponticello genoemd), maakt een erg krassend soort toon. Deze techniek zorgt uiteindelijk voor meer dissonantie, omdat het alle natuurlijke harmonischen benadrukt en met meer harmonischen die hoorbaar zijn, zijn er meer noten, wat meer dissonantie betekent, aangezien alle geluidsgolven dan tegelijkertijd worden gehoord (meer geluidsgolven moeten opstelling).

Je kunt dus in principe allerlei verschillende soorten spanning en dissonantie creëren door verschillende benaderingen. Er is niet één manier om het te doen en er zijn niet per se regels.Je “krijgt eigenlijk meer spanning door de” regels “te overtreden, zoals met mijn Jazz-voorbeeld van het correct intoneren van akkoorden om mineur 9e te vermijden. Zoals ik vaak doe, wil ik graag verduidelijken dat theorie niet een set van regels, het is een taal om muziek te beschrijven en een verklaring waarom het goed klinkt. De enige keer dat er “regels” zijn, is wanneer je iets specifieks probeert te emuleren, bijvoorbeeld als je probeert te klinken als Bach, je de juiste regels voor klassieke stemregels moet volgen.

Met alle respect, sommige van de vragen die u stelt, komen uit “welk deel van de theorie moet eraan wennen om dit mogelijk te maken?” Deze is in dezelfde geest.

Het “is een ietwat ongezonde benadering van muziek in het algemeen, en componeren in het bijzonder.

In muziek werken de dingen meestal andersom. Zoek iets dat is effectief, gebruik het en probeer het vervolgens weg te redeneren in termen die het op de een of andere manier aannemelijk maken.

Er zijn veel “trucs”, maar de beste komen door experimenteren. Ik geloof niet dat elke componist denkt “goed, nu wil ik iets griezeligs, dus ik moet xyz gebruiken”. Als ze dat zouden doen, zou er een bepaalde gelijkheid zijn voor elk griezelig stukje muziek. Maar wacht, ja, waarschijnlijk is dat zo !

En een van de trucs, net als bij het vertellen van verhalen, is om de luisteraar te geven wat hij niet verwacht.

Wachten op een perfecte cadans? Geef ze een onderbroken. Wachten op een mooi zacht, majeur klinkend akkoord? Geef ze alles behalve. Er is waarschijnlijk een lijst, maar als je de componist bent, experimenteer en kom met je eigen ideeën, anders gaat het een beetje cliché klinken …

Opmerkingen

• Een andere ruggengraatloze stemmer slaat toe! Let ' helemaal niet op de downvotes, maar zou willen dat de dader het lef zou hebben om te zeggen waarom … Er kan iets van geleerd worden. Op dit moment heb ik ' geleerd dat iemand ' niet wil opstaan en meegeteld wil worden.
• Ik heb ' niet gestemd, maar ik denk over het algemeen niet ' niet dat de manier waarop u deze vraag / benadering bekritiseert erg productief is. Er zijn legitieme manieren om muziek vanuit een theoretisch standpunt te benaderen. Ik heb het grotendeels gemaakt waar ik ben als muzikant door eerst theorie en oor tweede te gebruiken, hoewel het oor altijd zwaarder weegt dan de theorie. Hierdoor heb ik een vrij uniek geluid en aanpak. Voor deze specifieke vraag zijn er zeker theoretische concepten die gemakkelijk kunnen worden beschreven en gebruikt om dissonantie en spanning te creëren.
• Mijn benadering zou zijn om die theoretische concepten een beetje te gebruiken om ermee vertrouwd te raken, dan zou ik weten wanneer en waar ze te gebruiken. Dit is in feite het tegenovergestelde van wat je suggereert, maar het zou je naar dezelfde plek kunnen brengen, of mogelijk verder door een gedegen begrip van de theorie te hebben voordat je er een paar aantekeningen op slaat.
• voor de goede orde: ik deed het niet ' Als je downvote, denk ik dat het ' een geldig punt is. tot mijn verdediging heb ik ' jarenlang geëxperimenteerd met gitaar zonder te weten wat ik aan het doen was of om er een naam aan te geven. nu ben ik ' formeler, vooral omdat hoe meer ik me verdiep, hoe meer ik vind dat de theorie alles regeert.
• @foreyez -… Dat was de motivatie achter mijn mogelijk opgevat antagonistische antwoord. Men wil (mogelijk) vasthouden aan ' de regels ', maar als ze ' Daar moet men, afgezien van afbeeldingen van wat mensen werk hebben gevonden, een ' zijn eigen voor ploegen. Dat is een van de belangrijkste manieren waarop we ' zijn aangekomen waar we zijn, en niet stagneerden gedurende honderden jaren muziek. Godzijdank!

Een paar verschillende ideeën om spanning / dissonantie te creëren:

• Wiskundige dissonantie – hoewel het enigszins subjectief is, wetenschappers hebben in de loop der jaren geconcludeerd dat dissonantie iets is dat kan worden gemeten . U kunt zich dus bewust zijn van dit “meetbare” perspectief wanneer u componeert. Zoals Dom heeft opgemerkt, hoeft u niet altijd ga buiten een schaal om dit te doen – de leidende noot is aanwezig in de majeur toonladder, deels omdat je hiermee een interessante dissonantie kunt creëren.

• Verwachtingen tarten – niemand kan je hiervoor een formule geven, want als er eenmaal een formule is, is die niet meer onverwacht! Maar een akkoordprogressie die in een onverwachte richting gaat, zorgt voor onzekerheid.

• Volgens verwachtingen – Als er “een muzikaal apparaat is dat al cultureel geassocieerd is met het gevoel dat je wilt creëren, je zou het gewoon kunnen gebruiken (zo dicht mogelijk zonder in problemen te komen met het auteursrecht!) op de manier van” algemeen begrepen vocabulaire “. Voorbeeld – het nieuwe Instagram superzoom …

Ik weet ook dat uw vraag is over hoe je harmonische spanning kunt creëren, maar het is altijd de moeite waard eraan te denken dat je spanning kunt creëren met andere aspecten van muziek dan harmonie. Soms is één noot voldoende, zoals aan het begin van Voor een paar dollar meer , of Flash Gordon – in feite begint de laatste met geen noten – de drumslag zelf zorgt voor spanning. De ongepitchde, vervormde gitaar “smasht” in Creep geeft ook een gevoel van anticipatie, en toch heeft alles wat er wordt gespeeld geen herkenbare harmonische kwaliteit – het is gewoon een agressieve ruis.

Dissonantie in harmonie is tot op zekere hoogte te wijten aan een conflict in de harmonischen tussen de twee ( of meer) noten die worden gespeeld. Er zijn dissonante intervallen in de diatonische toonladder, bijvoorbeeld de grote seconde en de grote septiem. Dissonantie wordt ook gegenereerd door het stemmen. In plaats van nieuwe noten te vinden om in een muziekstuk te plakken, speel met de ordening van degene die je hebt. Het interval van een kleine seconde wordt bijvoorbeeld over het algemeen als zeer dissonant beschouwd, in het majeur septiemakkoord kun je noten stapelen om de 7e-8e spanning te horen. Verplaats de zevende naar het basregister.

Voor mij heeft het schrijven van contrapuntoefeningen me veel geleerd over dissonantie. is medeklinker, houdt het vast en verandert de harmonische omgeving ervan – waardoor het dissonant wordt – en lost het vervolgens op, maakt het medeklinker.

Ik heb Arnold Schönberg “s” Voorlopige oefeningen in contrapunt “gebruikt, die ik van harte aanbeveel.