Wat is ' het punt van andere toetsen dan C en Am?

De toetsen zijn alleen identiek op gelijkzwevende instrumenten, maar dat zijn de modernste westerse instrumenten, zoals pianos. Blaasinstrumenten anders dan de trombone zijn gebouwd om (meestal) gelijkzwevend te zijn [EDIT: Ik vereenvoudig hier misschien te veel, zie Davids commentaar hieronder], maar de spelers kunnen buigen plaatsen enigszins. De trombone, alle snaarinstrumenten zonder frets en vocalisten hebben meer controle over kleine variaties en hoeven alleen maar gelijkgestemd te zijn als ze spelen met andere instrumenten die niet over de flexibiliteit beschikken.

Maar dat is redelijk academisch en theoretisch. In je tweede alinea heb je de spijker op zijn kop geslagen. Het primaire doel van meerdere toetsen is voor modulatie binnen één stuk, maar ja, sommige instrumenten klinken beter of zijn gemakkelijker te bespelen in sommige toonsoorten dan in andere. Elke vocalist zal toetsen hebben waarmee ze zich prettiger voelen en beter klinken. Over het algemeen zullen orkestrale snaarinstrumenten veel groter en rijker klinken in toetsen als D-Major, A-Major en, in iets mindere mate, C -major en G-majeur. Dit komt doordat de open snaren van deze instrumenten Es, As, D, Gs en Cs zijn, en al deze open snaren zullen sympathiek trillen met de noten die het meest in die toonsoorten worden gebruikt. Aan de andere kant van het spectrum hebben Ab en Eb Major de neiging om op die instrumenten een beetje saai en warrig te klinken.

Sommige toetsen vallen gemakkelijker onder de handen dan andere op de piano. Niet-pianisten zijn bijvoorbeeld vaak verrast om te zien dat F # en C # Majeur / mineur relatief veelvoorkomende toetsen zijn voor sololiteratuur, maar het is logisch omdat die toetsen vaak prettig aanvoelen onder de vingers – vooral wanneer de duim gewoon de af en toe een witte toets terwijl de andere vingers grotendeels bij de zwarte toetsen blijven.

Ik weet zeker dat andere antwoorden over andere belangrijke overwegingen zullen spreken, maar dat is een steekproef.

EDIT: Oh , en ik moet hieraan toevoegen dat alle instrumenten een laagst mogelijke noot hebben, en de meeste hebben ofwel een hoogst mogelijke, of op zijn minst een hoogst standaard notenbereik.Schrijven voor cello in B-majeur is vaak frustrerend omdat, zonder het instrument te ontstemmen, de laagst mogelijke toon een C is.Schrijven voor een Bb-klarinet (de toonsoort van een transponerend instrument is een heel ander blik wormen dat verwant is aan, maar onderscheiden van de toetsen waarin u ze kunt laten spelen) in Db is misschien niet het beste idee, aangezien de laagste (klinkende) toonhoogte D natuurlijk is. Enz.

Reacties

• Ja, violen, altviolen, cellos en bassen hebben allemaal een open A-snaar, dus ‘ een goede keuze om af te stemmen. Gewoonlijk geeft de hobo een A (440 Hz specifiek voor de meeste Amerikaanse orkesten) en zorgen de strijkers ervoor dat hun A-snaren daarop zijn afgestemd. Vervolgens stemmen ze al hun andere snaren af in relatie tot hun As. A is eigenlijk niet zon bruikbare toonhoogte voor blazers, vooral voor het koper, maar traditie is traditie …
• ” Andere blaasinstrumenten dan de trombone zijn gebouwd om (meestal) gelijkzwevend te zijn. ” – fout. Dat ‘ is eigenlijk alleen waar voor de belangrijkste toonladder op houtblazers. Omdat koperblazers veel gebruik maken van niet-octaaf harmonischen, zijn hun toonladders opgebouwd rond een aantal zuivere intervallen. Ook hebben hun kleppen geen ‘ invloed op de relatieve toonhoogte onafhankelijk, dus de intervallen met kleppen zijn visachtige compromissen: noten met een enkele klepwerking zijn meestal wat vlak in vergelijking met gebruik van meerdere kleppen. Er zijn vaak ” equivalente ” vingerzettingen met verschillende tonaliteit.
• Het verschil komt pas als je ‘ hebben het instrument gestemd voor één toonsoort, maar spelen in een andere toonsoort. Als ik een klavecimbel perfect afstem op alleen de intonatie op C, dan zullen alle andere toonsoorten beslist verschillende relaties hebben, en een toonsoort als F # majeur zal gekke onzin zijn naar toonaarden. Maar belangrijker voor dit specifieke gesprek is het verschil tussen gelijkzwevende stemming en de verschillende soorten welgemiddelde temperaturen die in de tijd van Bach ‘ werden gebruikt, zoals Werckmeister III. In deze systemen zijn de sleutels met opzet afgestemd op beslist verschillende karakters, zodat alle sleutels kunnen worden gebruikt.
• Absoluut. Ik speel graag een mooie grote lage D op de onderste snaar en zie mijn D- en A-snaren bijna net zo trillen alsof ik ze had getokkeld. Natuurlijk zijn er omstandigheden waarin we strings dempen, maar het is niet ‘ t erg gebruikelijk.
• Ik vond het erg leuk dat je hebt opgenomen dat sommige toetsen alleen ” voel ” leuker om te spelen. Omdat mallet-percussie dezelfde lay-out van noten heeft als de piano, houden mensen ervan * om aan te nemen dat C majeur onze favoriete toonsoort is, omdat alle noten op dezelfde rij staan. ECHT NIET! Vooral als je ‘ slechts twee mallets vasthoudt, betekent C majeur dat je mallets in elkaar ‘ spelen als je iets speelt ingewikkeld snel. E, A en Ab zijn allemaal veel fijnere aanvoelende toetsen.

Als iemand die muziek schrijft, Ik heb dit toe te voegen: ik bedenk meestal ideeën voor liedjes door te improviseren op een piano totdat ik een zin bedenk die ik echt leuk vind. Lang geleden, toen ik begon met improviseren, kwam ik met enkele ideeën in bepaalde toonsoorten (meestal gebaseerd op wat ik op dat moment gemakkelijk kon spelen), en na verloop van tijd werden de emoties in die liedjes voor mij geassocieerd met die toetsen. Naarmate ik meer liedjes schreef, werden deze associaties sterker. Als ik vandaag een heel triest nummer schrijf, is mijn eerste neiging om het in e of a klein te schrijven; een agressief of dreigend lied, C of D mineur; en een jazzy of vrolijk nummer, in C of F majeur.

Ik vermoed dat andere componisten soortgelijke associaties ontwikkelen als resultaat van de muziek die ze zelf schrijven en analyseren. Dit betekent zeker niet dat er iets inherent triester is aan A-mineur of agressief aan C-mineur. Het is simpelweg gemakkelijker voor componisten om terug te vallen op wat ze gewend zijn, en veroorzaakt geen schade.

Opmerkingen

• Soms componeer voor wat netjes op de notenbalk past met minimale grootboekregels, en verplaats het dan naar waar het later moet zijn. Met andere woorden, puur praktisch voor het compositieproces . (Uw antwoord herinnerde me daaraan , daarom ‘ krijgt de willekeurige opmerking. :-))
• @MonicaCellio: It ‘ s niet alleen jij; zoals ik het begrijp, is dit precies de manier waarop De Heilige Harp bepaalt in welke sleutel elke hymne moet worden geschreven, om ruimte te besparen op de pagina.
• @MonicaCello, alle muziek die ik ‘ heb geschreven, begint in C Major, A minor of een verwante modus, omdat ik schrijf op software sequencer waar het ‘ allemaal hetzelfde is.Maar als ik het doorgeef aan menselijke muzikanten, ‘ zoek ik op welke toonsoort het spelen het gemakkelijkst maakt, gegeven beperkingen zoals instrumentbereiken, moeilijke stappen, enz., En probeer ik het toegankelijk. Maar voorlopig zijn de enige live-instrumenten die ik ‘ heb gebruikt, een speelgoedklokkenspel en een elektronische piano, dus ik heb ‘ t getransponeerd.

Hier “is een heel gemakkelijke manier om over deze vraag na te denken.

Schrijf een nummer in de toonsoort C. Transponeer dat nummer nu 10 octaven omhoog. Het staat nog steeds in de toonsoort C, maar klinkt het “emotioneel” hetzelfde? Het antwoord is nee (eigenlijk hoor je waarschijnlijk niks behalve een irritant hoog gejank)

Het is duidelijk dat de verschillen subtieler zijn, maar als je een toets 1 halve toon hoger zet, doe je fysiek hetzelfde als omhoog gaan met 10 octaven. Je verhoogt de trillingsfrequentie van geluidsgolven, alleen op een kleinere schaal. Daarom, ja, kunnen verschillende toonsoorten absoluut verschillende emotionele effecten hebben.

Opmerkingen

• Dat ‘ s reducio ad absurdum . Tenzij je een goed ontwikkelde absolute toonhoogte hebt, die de meeste westerlingen niet ‘ niet hebben (noch enige andere cultuur zonder tonale taal), dan is het ‘ bijna onmogelijk om het verschil te zien tussen C majeur en C # majeur, tenzij ze worden back-to-back afgespeeld. Toetsen een halve toon omhoog bewegen is totaal anders dan ze 10 octaven te verplaatsen (wat ongeveer het volledige bereik van het menselijk gehoor is).
• Ik ben het eens met niets101; ik begrijp de po int u ‘ aan het maken bent, maar in mijn oorspronkelijke vraag gebruikte ik specifiek het voorbeeld van een of twee halve tonen omhoog of omlaag gooien. Om te beantwoorden met een voorbeeld van ” stel je voor dat je tien octaven omhoog schuift ” is duidelijk (en bijna moedwillig) de geest van de oorspronkelijke vraag niet .
• Dat gezegd hebbende, bedankt voor het plaatsen van uw antwoord! Ook al ben je ‘ neergeslagen, dit is min of meer het soort antwoord dat we willen krijgen op Music.SE: duidelijk, goed geschreven en gemakkelijk te begrijpen. Toevallig zijn we het niet met u eens, en zelfs de beste, meest ervaren gebruikers van deze site worden af en toe naar beneden gestemd. Ik hoop dat je blijft hangen en hier meer post!
• Maar het ‘ is een bekende truc in popsongs om een halve toon, toon of zelfs meer te geven meer energie voor het laatste refrein. Door in de nieuwe toonsoort te tillen, hoewel het ‘ niet ver weg is, moedigt de zanger aan om meer in het stuk te stoppen.
• Ik denk dat ik het hier echt mee eens ben antwoord. Natuurlijk, de meesten van ons ‘ hebben geen perfecte toonhoogte, maar dat betekent niet ‘ niet dat onze oren en hersenen geen ‘ Ik neem onbewust een deuntje op een iets andere manier waar als het ‘ in een iets andere toonhoogte is geschreven. Ik denk dat dit op zijn minst een deel van de reden is voor de toonhoogte-inflatie die op verschillende momenten is opgetreden: een iets hogere toonhoogte wordt als iets helderder ervaren, ook al merkt het publiek dit niet bewust.

Ik moest ooit een album arrangeren en opnemen voor een (nogal ongeschoolde) artiest die haar eigen liedjes schreef, en ze zaten allemaal in C. Na twee of drie nummers in dezelfde toonsoort verliezen de overige nummers veel van hun potentie doordat het oor zich gaat vervelen. Bij het vijfde nummer wil je gewoon niet meer horen. (Ik tenminste niet!)

Het kostte wat moeite, maar ik overtuigde haar om er een paar te transponeren. Ik was voorzichtig bij het selecteren van nummers die echt baat zouden hebben bij transpositie door haar stem in een effectiever register te plaatsen.

Opmerkingen

• Dat ‘ is een goed punt – er ‘ is ook dat overgangsmoment waarop het ene nummer is afgelopen en het volgende begint (ervan uitgaande dat je in de juiste volgorde naar het album luistert). zelfs als ze ‘ gescheiden zijn en niet ” aan elkaar zijn gelijmd ” zoals op Pink Floyd ‘ s Dark Side of the Moon, de overgang van het ene nummer naar het andere is zelf een muzikale beweging.

Bij muziek met zang wordt de toonsoort vaak gekozen om aan te passen aan het vocale bereik van de uitvoerder. Ik speelde vroeger in een band met een zangeres. Elke keer dat we covers speelden van liedjes die oorspronkelijk door een mannelijke artiest waren gezongen, was het vaak te laag voor haar. De vocale melodie een octaaf hoger zetten zou dan vaak te hoog zijn, dus transponeerden we het nummer met een paar halve tonen totdat ze voelde dat ze het comfortabel kon zingen binnen haar eigen stembereik.

Opmerkingen

• Zang – ja!Ik ‘ ben enigszins ongelovig dat slechts twee antwoorden lijken te gaan met die uiterst belangrijke factor. Puur instrumentale muziek ontwikkelde zich pas tijdens de barokperiode. Muziek was traditioneel voornamelijk gericht op zang – instrumenten werden voornamelijk gebruikt om vocalisten te begeleiden.
• Als ik meezingen met muziek, spring ik vaak een octaaf omhoog of omlaag omdat ik geen getrainde zanger ben (niet sinds de middelbare school hoe dan ook) en ik heb ‘ niet het bereik.

In de muziektheorie heb je waarschijnlijk gelijk – voor westerse muziek is het dezelfde toonladder, alleen op en neer getransponeerd op een bepaald interval. Alle wiskunde werkt nog steeds zo.waarom?

Wanneer je het echter komt spelen, wordt het duidelijker. Zoals dit:

• Op een toetsenbord maakt de toets een verschil met de vingerzetting van de akkoorden / melodie.

• Op een gitaar zijn sommige toetsen uitstekend om in te spelen, omdat ze je het voordeel geven van open snaren. Gitaristen hebben de neiging om melodieën te schrijven op basis hiervan — bv. Hendrixs “Voodoo Chile” leunt sterk op een open E-snaar. Je zou het in andere toonsoorten kunnen spelen, maar het zou niet hetzelfde klinken. Andere toetsen zijn moeilijker zoals E ♭ – je kunt niet veel open snaren gebruiken en je zit een halve toon onder de laagste (traditionele) gitaarnoot, dus je kunnen “niet zo gemakkelijk een diepe, zachte noot / geluid krijgen.

• Zangers hebben een comfortabel bereik, er is bijvoorbeeld een groot verschil tussen mannen en vrouwen in dit opzicht, of gewoon stemtype. Omdat mannen met veel mensen hebben gejamd, hebben mannen die liedjes zingen die oorspronkelijk door vrouwen zijn gezongen, deze over het algemeen een paar halve tonen of meer nodig, en het tegenovergestelde is van toepassing, maar ook sommige huys / meisjes kunnen noten bereiken die anderen niet kunnen. p>

• Sommige toetsen resoneren meer met ons, omdat we als mensen een natuurlijke resonantiefrequentie hebben (verschillend voor iedereen), maar er is een idee dat lagere frequenties bepaalde delen van het lichaam beïnvloeden, hogere frequenties andere (“voel het in je borst” vs. “piercing”). Glastonbury staat vol met boeken over hoe muziek de verschillende lichaamsdelen beïnvloedt. Ik wou dat ik het nu kon vinden, maar het lijkt niet – ik heb een website gevonden waarop een stuk pianomuziek werd gespeeld, eerst in C en daarna in D als vergelijking. Hoewel verder identiek, klonk de D-toets meer opbeurend (zoals was het argument van de site). Dit is waarschijnlijk erg subjectief, maar in dit geval bevestigden de opmerkingen onder het bericht het.

Obligatory Spinal Tap quote: “D minor is the saddest of all keys”. Ik had vroeger een quote van Frank Zappa uit de vroege jaren 70 waarin hij zoiets zei als “je moet D minor veel om in onze band te spelen “.

Maar serieus … ik schrijf vaak liedjes in gemakkelijke toonsoorten om op de gitaar of keyboard te spelen, zoals E minor of A minor, maar als ik ze opneem, Ik transponeer ze volgens de laagste en hoogste toonhoogtes die ik kan zingen.Ook de akkoordposities op een gitaar hebben een grote invloed op de toonsoort: er zijn bepaalde heel mooi klinkende akkoorden op een gitaar die gemakkelijk te spelen zijn (zoals E7 / 9) die goed klinken in bepaalde toonsoorten (D majeur) en slecht in andere toonsoorten (C majeur).

Opmerkingen

• De gitarist Tom Morello zegt in één van zijn lessen, in alle ernst, ” Als je echt keihard wilt rocken, moet je in F # spelen “. De literatuur die deze claim ondersteunt, omvat ” Bulls On Parade ” (Rage Against the Machine) en ” Immigrant Song ” (Led Zeppelin).

Toetsnamen zijn eigenlijk slechts een manier om standaardtonen te definiëren voor typische gelijkzwevende instrumenten. Als ik op gitaar componeer, kies ik soms gewoon een toonsoort op basis van hoe gemakkelijk ik een deel in die toonsoort kan spelen. Ik heb gehoord dat een artiest probeert het spectrum van geluid te relateren aan het spectrum van licht, door geluid te verwijzen naar kleuren. Zoals Mozart zei, verandert toonhoogte de emotie. Als je overgaat in atonale, klinken doorgaans hogere tonen meer gespannen de lagere tonen meer ontspannen, je kunt hier gemakkelijk mee experimenteren met behulp van de hele toonschaal, wat eigenlijk is hoe de meeste muziek is gecomponeerd voor tekenfilms en sommige populaire shows (star trek) namelijk scifi.

De manier waarop ik graag zien dat dingen C3 en C4 zijn, zijn niet hetzelfde geluid, ze zijn echter dezelfde KEY. Als je naar het spectrum kijkt, merk je dat C3 (~ 130Hz) de helft is van dat van C4 (~ 260Hz) en C5 het dubbele van dat van C4. Als veel componisten naar muziek kijken, zien ze slechts 2 dimensies in de kwintencirkel, maar als ik naar de kwintencirkel kijk, zie ik meer een kwintenspiraal waar dezelfde noot van een hoger of lager octaaf zijn tegenhanger snijdt ( octaaf) langs de 3e dimensie in plaats van een cirkel te voltooien.

Toonhoogte is belangrijk, en het is vaak een verloren gegaan concept in de diatonische theorie, omdat de diatonische theorie echt iets over toonhoogte uitlegt. Het verklaart eerder de rangschikking van noten en hoe ze zich verhouden in een reeks (melodie) of in een instantie (harmonie) op basis van de kruising van de kelpen en dalen van bepaalde golven, en de modulatiefrequentie van de combinatiegolf. je onderzoekt de atonale theorie (en), je zult enig licht over het onderwerp vinden, en als je durf genoeg bent om The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization te onderzoeken om beter uit te leggen hoe toonsoorten verschillen en waarom noten niet noodzakelijk symmetrisch zijn binnen de diatonische theorie.

Laten we de vraag een beetje anders bekijken. Welk doel heeft een sleutel handtekening dienen?

Over het algemeen – heel algemeen en eenvoudig gezegd – verwachten we als mensen dat liedjes beweging hebben, uitgedrukt door spanning en vastberadenheid. Zelfs mensen die muzikaal niet geneigd zijn of zichzelf beschrijven omdat toondoof meestal blijft hangen als men een toonladder speelt van de tonica naar de leidende toon en vervolgens weigert het octaaf te spelen (doe re mi fa so la ti ………….. ???)

Als ik een bepaalde tonaliteit of toonsoort vaststel rond de grondtoon die ik voor de dag kies, en Ik speel een V7-akkoord, de meeste luisteraars zullen verwachten dat het nummer uiteindelijk (en relatief snel) terugkomt op het I-akkoord. De volledige cadans V7 -> I is de drijvende kracht achter veel westerse muziek – zo erg zelfs dat het spelers dwingt om het te gebruiken om buiten de toonsoort te stappen omwille van die beweging om te verschijnen voor andere akkoordwisselingen.

Beschouw een blues van 12 maten die gebruikmaakt van een reeks b7-akkoorden. Als we ons houden aan de muziektheorieklas van mevrouw Oldface van de middelbare school, zou dit bij het zien van een dominant-septiemakkoord een gigantische vlag moeten zijn die in een toonsoort staat die een reine kwart hoger is dan de grondtoon van het akkoord (of ah , een reine kwint lager , denk ik, afhankelijk van hoe je je voelt). Maar als we bijvoorbeeld in C staan en we de C7 gebruiken om de IV – F te voorspellen – alleen om terug te keren naar de I en dan naar de echte V te gaan, zijnde G – opeens zijn we weg in onzinnig land wat oma Oldface betreft. Dat dominante-zevende interval heeft niets te maken met een halve cadans – maar natuurlijk, een C7 -> F progressie is volkomen normaal, als we in F majeur zitten . Met andere woorden, als je vasthoudt aan het idee dat één toonsoort ze allemaal zou moeten beheersen, is de enige keer dat de muziektheoretische aanhangers van de wereld je daarmee laten wegkomen, wanneer je van de V naar de I gaat. / p>

Is het nummer gemoduleerd naar F voor 4 maten? Is dat een nuttige benadering voor het spelen, arrangeren of improviseren over het bluesvoorbeeld van 12 maten? Of heeft de componist / band / wie dan ook op het idee dat elk akkoord met een tritonus erin kan worden gebruikt om het oor van de luisteraar te “trekken” van waar het nummer nu is, naar waar het nummer naartoe gaat?

Tritonen nodigen nu veel uit tangentiële discussies over andere ideeën zoals akkoordvervanging en dat (de spanning van het BF-interval lost net zo gemakkelijk op naar C als naar F #) en ik wil niet zomaar overal rondlopen. Maar als we ons afvragen waarom één sleutel is niet beter of slechter dan alle sleutels, bedenk even dat sleutelsignaturen net zo gemakkelijk kunnen worden weggegooid als ze worden nageleefd, zonder kakofonie in de procedure te veroorzaken ss.

Dit verklaart niet waarom niet elk nummer niet in C staat, aangezien dit allemaal gewoon in C zou kunnen gebeuren en we mensen gewoon zouden kunnen vertellen dat ze weg moeten gaan als we een Bb in een nummer spelen ten opzichte van C majeur. Maar het illustreert op een omweg dat het impliceren van een strikte tonaliteit van X Major en zijn relatieve mineur praktisch een regel is die moet worden overtreden, juist omdat die V7 -> I spanning en oplossing een krachtige methode is om de luisteraar naar je volgende zet en als zodanig alleen toepassen op G7 -> C voor de hele eeuwigheid zou jammer zijn.

Dus het is niet erg moeilijk voor te stellen, ook al is het maar een beetje overdreven op dit punt, dat in een denkbeeldige wereld van 12 tonen maar slechts 1 toets, dat een speler ergens de potentie van die tritonusresolutie beseft en tegen zichzelf zegt: “Hunh. Ik kan een I7 gebruiken om een beweging naar het IV-akkoord aan te geven , Ik vraag me af … ik vraag me af waar anders ik heen kan … “

Wat een interessante vraag!

De belangrijkste reden is, zoals al zo vaak is genoemd, dat componisten willen moduleren in andere toonsoorten. Een stuk kan erg saai worden als het allemaal in C Major staat. Het is bijvoorbeeld heel gebruikelijk dat een stuk in C Majeur moduleert in G Majeur (de dominante), F Majeur (de subdominant) of A mineur (de relatieve mineur), aangezien deze toetsen allemaal nauw verwant zijn aan het origineel.

Er zijn echter nog andere redenen. Een paar honderd jaar geleden dacht men dat bepaalde sleutels verschillende betekenissen hadden (soms tegenstrijdig). C Major was bijvoorbeeld “puur” of de “sleutel van het leven”.En ik moet bekennen dat ik als componist de neiging heb om verschillende emoties met verschillende toonsoorten te associëren, hoewel ik zeker weet dat dit grotendeels mijn verbeelding is. Ik vind E Major erg opgewekt en opgewekt, soms zelfs dom; E minor als ondeugend; C Major als onschuldig en feestelijk; Bb minor als erg donker, dreigend of piekerend; enzovoort.

Ten derde zijn er bepaalde toetsen die vaker worden gebruikt voor bepaalde soorten muziek. Dit komt waarschijnlijk door de instrumenten die doorgaans dat soort muziek spelen. Veel populaire muziek is geschreven in E, A, D, B of af en toe G, omdat dit de gemakkelijkste toetsen zijn voor gitaristen om in te spelen met standaard E-stemming zonder capo. Veel cellomuziek is geschreven in C, G of D omdat het gemakkelijker is om akkoorden te spelen met open snaren erin, en de snaren op een cello staan op C, G, D en A. Veel marsen en andere soorten militaire muziek zijn in Eb en Bb Major, omdat ze veel koperblazers gebruiken e tubas hebben meestal een open toonhoogte van Bb zonder dat de kleppen worden ingedrukt, dus het is een beetje gemakkelijker om in die toonsoort te spelen. (Eigenlijk zijn trompetten in C tegenwoordig ook heel gewoon.) Maar je zult zien dat marsen en trompetmuziek van 200-300 jaar geleden vaak in D Major werden geschreven. Dat komt omdat de trompet in D heel gewoon was, en het had op dat moment geen kleppen, dus het kon alleen de D harmonische reeks afspelen.

Klinkt een compositie geschreven in C majeur emotioneel anders dan een compositie geschreven in D majeur (afgezien van een kleine verschuiving in toonhoogte)? Op elk echt instrument dat is gemaakt van echt fysiek materiaal zoals hout en metaal en snaren, ja dat doet het absoluut.

Elk echt fysiek instrument zal een hele reeks subtiele en niet-zo-subtiele resonanties hebben bij meer of -loze vaste toonhoogtes die heel weinig afhangen van de stemming, en deze zullen interageren met de harmonischen van de gespeelde noten op een manier die het timbre van elke noot waarneembaar toonhoogteafhankelijk maakt. Dit is de reden waarom een goede elektronische piano gebaseerd op zorgvuldig gesimuleerde trillingsfysica klinkt als een piano, terwijl een waardeloze piano gebaseerd op in toonhoogte gebogen samples van een echte piano een beetje vreemd en krom en vreselijk klinkt.

Soortgelijke effecten treden om vergelijkbare redenen op wanneer je houdt ook rekening met de resonanties in het eigen lichaam en de oren en het gehoor van de luisteraar. We zijn niet allemaal uitgerust met perfecte Bruel & Kjaer-referentiemicrofoons, en deze verschillen maken verschillen.

Amateurzangers lijken graag in toonsoorten rond G te zingen. Als je naar hymneboeken kijkt, zijn ze vaak in toonsoorten zoals F, Gb, G, Ab en A. Ze zijn zelden in C. Ik denk dat professionele of geschoolde zangers voldoende bereik hebben ontwikkeld dat het ze meestal niet kan schelen, maar het soort mensen dat je op zondagochtend in de kerk aantreft, kan misschien geen hoge of lage noten zingen.

Ik speel voor sommige Morris-dansevenementen. Sommige deuntjes zijn in D en bevatten woorden die de dansers zingen voordat ze dansen. (Ik denk aan The Fox uit Ducklington, of Bonny Green Garters uit Bampton, als je weet wat dat betekent.) Als ik de deuntjes in D speel om ze op gang te krijgen, kunnen ze niet zingen, omdat ze te hoog zijn. Dus ik speel ze in G of A, en dan, wanneer het dansen begint en het zingen eindigt, schakel ik over naar D. Niemand weet het behalve ik, want ik ben Johnny Cash. Ook zijn de dansers over het algemeen te dronken om dat op te merken de sleutel is veranderd en het publiek is te verbaasd dat dronken mensen kunnen blijven staan zonder te vallen. Dat is alles wat ik weet.

1. We” zouden gek worden met slechts één sleutel.
2. Een zeldzaam stuk blijft in één sleutel.
3. Er zijn verschillende sleutels nodig voor spanning.
4. Verschillende toonsoorten zijn gemakkelijker voor verschillende instrumenten.
5. Het belangrijkste is dat toetsen affectieve kenmerken vertonen. Lees dit (boek: A History of Key Characteristics in de 18e en vroege 19e eeuw en deze website hier: Kenmerken van muzikale sleutels .

Er zijn ook bepaalde verbanden met verschillende toonsoorten – en verschillende componisten schrijven graag in verschillende. Brahms hield bijvoorbeeld van toetsen met veel kruizen of mollen (Cis of G vlak). Sommige componisten hebben dit met veel succes gebruikt, Sibelius 7e symfonie – in C majeur – is een ironische keuze, schijnbare eenvoud verhult een grote rijkdom aan complexiteit.

Het punt over reeksen instrumenten is goed gemaakt – en vooral belangrijk bij het schrijven van liedjes, omdat het bereik van verschillende stemmen ervoor kan zorgen dat verschillende toetsen bijzonder gemakkelijk of moeilijk te zingen zijn. Schrijven in het extreme bereik van instrumenten en stemmen kan spannend en gespannen zijn, en het kiezen van de juiste toonsoort kan hierbij helpen.

Reacties

• is een ironische keuze, schijnbare eenvoud verhult een grote rijkdom aan complexiteit De complexiteit of eenvoud van muziek is niet bepaald door de sleutelsignatuur. Dat ‘ is gewoon een vraag hoe gemakkelijk of moeilijk het te lezen is. Er is niets aan C majeur dat noodzakelijkerwijs muzikaal eenvoudiger is dan bijvoorbeeld F # mineur – er is gewoon wat meer werk en expertise voor nodig om die diepten te doorgronden. Ongeacht de eigenaardigheden van ons notatiesysteem, zijn alle sleutels gelijk in termen van potentiële complexiteit of eenvoud.

Een beetje tangentieel misschien, maar een idee om te proberen de vraag te beantwoorden. Probeer een bekende eerste regel uit een liedje te zingen. Neem het op en controleer de sleutel met de bekende toonhoogte. Noteer het (sic). Herhaal het dagelijks, zonder verwijzing naar andere muzikale geluiden. Let op elke sleutel. Ik wed dat het niet elke keer hetzelfde is! Probeer het opnieuw, nadat je een ander deuntje hebt gehoord. Ik wed dat je in dezelfde toonsoort zingt als het laatste deuntje!

De meeste mensen, zelfs zangers, zullen geen liedje pitchen dat ze wel kunnen zing elke keer in dezelfde toonsoort, tenzij: a. ze een referentiepunt hebben, of b. ze een absolute toonhoogte hebben. Afgezien van dit alles konden niet veel mensen een bepaald deuntje alleen in Cmaj. of Amin. voor iedereen spelen / zingen de hierboven aangehaalde redenen.

Pianos en (andere instrumenten) zijn niet “perfect” gestemd. Beginnend met één noot ( zeg middelste C) kun je de frequentie voor een octaaf hoger vinden door de frequentie te verdubbelen. Je kunt de frequenties van de andere noten in de schaal vinden door verdere berekeningen.

Maar het punt is dat als je dan begint op een andere noot en probeer de toonladder te construeren (beginnend op die grondtoon), dan zullen de posities / frequenties van de andere noten in de schaal iets anders zijn dan de frequentiewaarden die je hebt berekend voor de C majo r toonladder.

Als je een piano hebt geconstrueerd volgens deze principes die perfect was afgestemd op C majeur (met Just Tuning ) zou het een beetje “afwijkend” klinken bij het spelen van toonladders in andere toonsoorten.

De moderne stemming van pianos (en andere instrumenten) is gebaseerd op een compromis waardoor alle toetsen redelijk klinken – maar er zijn microscopisch kleine verschillen in de intervallen voor de verschillende toonsoorten – resulterend in een iets ander “gevoel” voor elke toets.

Opmerkingen

• Zie ‘ Natuurlijke versus getemperde halve tonen ‘ antwoord door tarwe.

Als het nummer gitaargeoriënteerd is, bepaalt de toonsoort, ervan uitgaande dat je geen capo wilt gebruiken, de smaak van de akkoorden, aangezien op een gitaar verschillende akkoorden verschillende open snaren gebruiken en verschillende combinaties van noten van laag naar hoog. Maar het echte antwoord op uw vraag is: 1) een comfortabele toonsoort kiezen om in te zingen, 2) de meest aangename (voor u) sfeer voor de gitaar creëren. Maar om een lang antwoord kort te maken, je kiest een toonsoort omdat die gewoon goed klinkt, en dat is het enige criterium dat je nodig hebt. Ik zou alleen willen toevoegen dat met gitaar alternatieve stemmingen ook een mogelijkheid zijn en leuk kunnen zijn om te verkennen Als je bijvoorbeeld in Eb wilt spelen en toch de volle lage grondtoon wilt krijgen, kun je de hele gitaar standaard een halve toon lager stemmen, zoals bekend was bij Stevie Ray Vaughn. Drop-D, het stemmen van de lage E-snaar een volledige stap omlaag, wordt veel gebruikt om een lage grondtoon te geven in de toonsoort D. Voorbeelden hiervan zijn Dear Prudence van de Beatles, The Chain van Fleetwood Mac en Ohio van Neil Young Er zijn ook open stemmingen, G en E zijn waarschijnlijk de meest voorkomende. En dan is er DADGAD, een hele andere wereld, maar erg leuk om te ontdekken. Dit is in de eerste plaats een akoestische folkstemming maar werd gebruikt met elektrische gitaar op de Led Zeppelin nummer “Kashmir.” Er is ook EBDGAD. Deze stemming werd gebruikt voor de nummers “Deja Vu” van CSNY en “Sex Kills” van Joni Mitchell.

Wat is het punt van andere toetsen dan C en Am?

Het antwoord zou duidelijk moeten zijn: om andere tonen te horen dan C D E F G A B.

A beetje subtieler is het punt van het horen van andere tooncentra dan C en A.

Subtler is nog steeds het gevoel van contrasterende tonaliteiten. C major en A minor zouden alleen een contrast mogelijk maken met de relatieve minor die een bepaald gevoel heeft. Vergelijk C met G of C met D minor enzovoort hebben elk een ander gevoel. Je zou die verschillende gevoelens niet kunnen bereiken met slechts twee toetsen.

Er kunnen veel analogieën worden gemaakt met andere zintuigen dan met geluid. Wat is het nut van een artiest die kleur gebruikt, ze zouden gewoon zwart & wit of zwart-wit kunnen gebruiken? Een artiest zou dat kunnen doen – soms doen ze dat – maar ze beperkt zich niet tot de hele beeldende kunst!

De verschillende majeur / mineurtoonsoorten zijn in de muziek net zo min overbodig als een rode of blauwe cirkel in de beeldende kunst overbodig zou zijn. Formele gelijkenissen niet. t maken dingen overbodig. Formele overeenkomsten maken dingen gerelateerd en die relaties zijn enkele van de belangrijkste factoren in de perceptie van kunst.

Nog een, humoristischer voorbeeld: met al het bovenstaande gezegd, zou het geen verrassing kunnen zijn dat veel westerse popmelodieën feitelijk in dezelfde toonsoort zijn geschreven en blijkbaar slechts vier verschillende akkoorden gebruiken, vgl. https://www.youtube.com/watch?v=oOlDewpCfZQ . Sommigen zijn misschien zo saai of verschrikkelijk dat dit het geval is.

Maar er zijn naast de westerse nog talloze muziekculturen op aarde, en die hebben verschillende tonaliteitsconcepten, en als zodanig, voor luisteraars en artiesten, zullen ze heel verschillende ervaringen en dergelijke bieden. Naast wat er in de andere antwoorden is gezegd, kunnen deze u veel “punten van sleutels anders dan C en Am” opleveren.

Met behulp van de witte noten kunt u een C majeur toonladder, een A natuurlijke mineur toonladder en ook alle andere witte noten modi spelen. Toegegeven, er zijn veel melodieën die kunnen worden afgespeeld en geharmoniseerd door alleen de witte noten te gebruiken.

Maar er is ook een hele hoop melodieën die niet kunnen worden afgespeeld alleen op witte noten, ongeacht hoe je ze transponeert.

Dus ja, je hebt meer nodig dan C majeur en A mineur.

Ik denk dat muziektheorieboeken de indruk kunnen wekken dat alle er zijn grote toonladders en kleine toonladders, waarbij we vergeten dat er nog veel meer is – verminderde toonladders, chromatische toonladders, hele toonladders, modale toonladders, enz.

De toonsoort is één ding, dan heb je verschillende toonladders. Bepaalde muziekgenres worden in bepaalde toonladders gespeeld. Je kunt blues spelen in A mineur, D mineur of welke toonsoort dan ook, maar dat zal niet gebeuren klinkt als blues als je een bepaalde toonladder niet volgt. Zo heb je bijvoorbeeld diatonische bluesharpen in verschillende toonsoorten en chromatische harpen waarmee je in elke gewenste toonsoort en toonladder kunt spelen. De eerste wordt meestal gebruikt in bluesmuziek, de tweede is meer voor klassieke muziek.

Dat is mijn mening, en mijn eigen ervaring … maar muziek in C majeur klinkt als slaapliedjes voor kinderen of kinderliedjes, A mineur klinkt een beetje zacht, D mineur klinkt nogal triest, C mineur klinkt bijvoorbeeld wat opgewekter voor mij. Als je alleen op de zwarte toetsen speelt, klinkt het als Aziatische muziek.

Trouwens, als muziek beperkt was tot 2 toetsen … zou het alle zijn creativiteit. Na een tijdje zou alles hetzelfde klinken.

Ik zou willen suggereren dat er drie bronnen zijn van deze zogenaamde “sleutelsymboliek”:

1. De feitelijke verschillen in toonhoogte, bijvoorbeeld neem de rijke D-flat majeur triade die eindigt met een romantisch pianostuk zoals Chopin “s” Fantaisie-Impromptu en transponeer het een grote terts omhoog of omlaag, waarbij u opmerkt hoe modderig het is in A en hoe oppervlakkig het is in F.

2. Conventies en associaties in de geest van de componist, vaak voortkomend uit sleutelvoorkeuren van bepaalde instrumenten, bijvoorbeeld: C majeur suggereert chil Dren leert piano spelen, D majeur is het Hallelujah-refrein, Es majeur is een fanfare, enz.

3. De relatie tussen het geluid en de gedrukte noot. Ik heb het nog niet eerder gehoord, maar het lijkt aannemelijk dat sommige mensen tijdens het luisteren naar een muziekoptreden terwijl ze naar de partituur kijken, kunnen opmerken dat in E majeur veel van de noten boven onze verwachtingen voor die regel springen. of spatie op de notenbalk, en omgekeerd zijn in Es majeur veel noten “depressief” naar beneden vanaf de verwachte toonhoogte.

Ik kan alleen voor mijn eigen instrument spreken, maar ik denk niet dat dit uniek is voor gitaar. Er zijn zeker enkele praktische overwegingen die specifiek zijn voor instrumenten bij het overwegen van toetsen.

Pianomuziek is bijvoorbeeld relatief open met betrekking tot de toonsoort, maar voor gitaar wil je altijd naar de natuurlijke gitaartoetsen gaan (E , A en D)

Gitaarmuziek spelen in C zal lastig zijn omdat c mineur een Eb heeft en de standaardstemming van de gitaar E naturals heeft. Je kunt natuurlijk je hele gitaar een halve stap naar beneden stemmen om die Eb in de open snaren te krijgen, maar als je zover komt, zou ik denken dat het veel gemakkelijker zou zijn om wat je speelt gewoon naar E te transponeren en de stemmingsstandaard te behouden.

Ook denk ik dat voor stemmuziek een toonsoort met veel kruizen of mollen het de zangers erg moeilijk zal maken.Ze hebben geen gemakkelijke manieren om de intonatie goed te krijgen, dus het zou goed zijn om het voor hen minder moeilijk te maken om alleen een simpele toonsoort te kiezen.

De meeste mensen vinden majeur-toetsen vrolijker dan mineur-toetsen, maar verder hangt het er echt van af wie je het vraagt. Beethoven geloofde dat er heel specifieke correlaties waren tussen stemmingen en toetsen (er is in het bijzonder veel over zijn C minor composities; zie dit voor een beschrijving), en gedurende de hele romantische periode is er veel over het idee geschreven (met weinig consistentie van auteur tot auteur).

Hier is een verzameling van een deel van het 19e-eeuwse geschreven materiaal over deze kwestie. En hier “s een hedendaagse blogger die hierover heeft nagedacht, en die je misschien interessant vindt.

Ik ben dit aan het opruimen om een samenvatting te zijn van wat ik echt denk, na erover te hebben nagedacht, op mijn toetsenbord gespeeld, enz .; de basisboodschap is hetzelfde.

• Toetsen met namen van één letter zoals “A” en “D” en scherpe punten in hun toonsoort klinken helder, optimistisch, enz.

• Sleutels met platte letters in hun toonsoort klinken saai, nostalgisch, vaag, enz .; deze toetsen bevatten F en alle toetsen met flats in hun naam (Bb, Eb, etc.)

• De toetsen met namen als Bb, Eb, etc. hebben een scherpe naam, ook (A #, D #, etc.), maar dit verandert niets aan het feit dat de toonsoort, met welke naam dan ook, in wezen een vlak geluid heeft. Dit is de reden waarom de vlakke toonsoortnamen traditioneel worden gebruikt, bijv. muziekstudenten leren al vroeg Bb , met A # die je later tegenkomt, of helemaal niet.

Ik denk dat dit waarschijnlijk verklaarbaar is in termen van de gemiddelde frequentie van alle noten die in een typisch nummer in de toonsoort worden gespeeld, als je octaafverschillen verwijdert (bijv. alle As worden 440hz).

Er is momenteel een Microsoft-commercial op tv die dit illustreert. Het neemt het nummer “Perfect Day” van Lou Reed en transponeert het van A Minor / C Majeur tot F. Het resultaat is gewoon belachelijk vlak … ik wist op het moment dat ik het hoorde dat het nummer was omgezet in een vlakke toonsoort. Het verbaast me dat iemand hier tegenin zou gaan.

Bewerken : Ik luisterde naar wat muziek en hoorde er nog een dat is in een heel platte sleutel: “Weak” door SWV. Dit is in Eb Major (C Minor). Zodra ik het hoorde, kon ik de vlakheid horen, dus ik heb het gegoogeld.

Opmerkingen

• Dus, voor de duidelijkheid, denk je dat kun je het verschil horen tussen F # majeur met zes kruizen en Gb majeur met zes mollen?
• Pat, niet ‘ Heb je het daar niet over dezelfde toonsoort? Ik heb nooit beweerd verschillen te kunnen horen waar ze niet ‘ t bestaan. Wat ik ‘ m zeg, is dat als je een nummer neemt dat ‘ meestal in bijvoorbeeld A Major staat en het in bijvoorbeeld , Es Major, ik zal een verandering in het gevoel van het nummer waarnemen. Ik ‘ m beweer ook dat deze veranderingen op zijn minst enigszins voorspelbaar zijn. Dit is onwetenschappelijk, maar ook nauwkeuriger dan de antwoorden die worden gegeven, die in werkelijkheid (ten onrechte) de ” nulhypothese ” lijken te bevestigen van de oorspronkelijke vraag, dat wil zeggen dat het hebben van verschillende sleutels enigszins zinloos is.
• Ik ‘ m probeer uw bewering te begrijpen dat sleutels met veel scherpe punten anders klinken dan sleutels met veel flats. Je zei dat we scherpe punten horen en platte vlakken. Als die ‘ waar is, zouden de ‘ t Gb- en F # -toetsen dan anders moeten klinken? Aangezien je het met me eens bent dat dat belachelijk zou zijn, zou je het misschien anders moeten formuleren?
• Herformuleer het … benieuwd naar je gedachten!
• OK, dus eerst uitgeschakeld, als je ‘ praat over een nummer waarvan je weet dat de ene toonsoort in een andere toonsoort wordt gespeeld, ‘ het over een relatief fenomeen, en niemand beweert hier dat het horen van de ene toets in plaats van de andere of het verplaatsen van de ene toets naar de andere geen effect heeft. De vraag gaat over het maken van een stuk in A Major versus het maken van een stuk in Bb. U zegt dat het nummer van Lou Reed oorspronkelijk in ” A Major / C minor ” stond, maar klinkt nu vlak voor u in F Major, maar c minor heeft eigenlijk 3 mollen in tegenstelling tot F Majeur ‘ s 1, dus ik ‘ weet niet waarom F Maj vlakker klinkt dan C min (of waarom je ‘ min vergelijkt met maj)