Cum se creează disonanță / tensiune armonică?

Disonanță ca concept are două gânduri de bază, dintre care unul este puțin mai controversat. Primul, care este cel mai frecvent utilizat, este că disonanța și consonanța sunt practic relative, existente pe un spectru. Cele mai consonante intervale și armonii sunt cele care au ciclurile de unde sonore suprapuse aliniate cel mai frecvent.O octavă este intervalul cel mai puțin disonant, fiecare dintre ciclurile de sunet cu frecvență mai mare fiind aliniate cu ciclurile de sunet cu frecvență mai mică 2: 1, adică, fiecare ciclu de sunet cu frecvența mai mică are loc o dată în același interval de timp necesar pentru cel mai mare frecvența să se întâmple de două ori, după cum se arată mai jos. Intervalele mai disonante necesită mai multe cicluri pentru ca undele lor sonore să se alinieze. Acest lucru explică de ce aceleași intervale tind să pară mai disonante în intervale de frecvență mai mici (dacă nu sunteți familiarizați, încercați să jucați un al treilea major în registrul de mijloc al pianului, apoi spre capătul inferior).

Celălalt proces de gândire pentru disonanță este dorința de a rezolva Acest lucru se aplică în general bine primului concept, întrucât cele mai comune abordări ale muzicii folosesc de obicei disonanța ca mijloc de configurare a unei rezoluții, de exemplu, acordul V este utilizat pentru a crea o tensiune care dorește să se rezolve la acordul I. devine cu adevărat controversat doar când este dus la extrem. Muzica atonală este practic configurată pentru a nu face note mai importante decât oricare altele, deci nu există nici un sentiment de tonic. Din această cauză, nu poate exista nicio dorință de a rezolva într-un loc dat, întrucât niciun loc dat nu este mai odihnit decât altul. În acest sens, muzica atonală este cea mai consonantă muzică existentă, pe care aproape fiecare om care a auzit vreodată că nu ar fi în totalitate de acord cu.

Disonanța, așa cum este conceptualizată cel mai frecvent, există pe un spectru și este relativă. Aceasta înseamnă că ne putem adapta la disonanțe și putem începe să le percepem ca fiind mai consonante. Acest lucru este destul de evident în lumea jazzului. Acordurile extinse pot suna foarte disonante atunci când sunt plasate aleatoriu într-o piesă muzicală, dar când întreaga piesă este formată din acorduri extinse, acestea sună foarte consonante, mai ales în comparație cu acordurile modificate care sunt adesea folosite pentru a le configura.

Având în vedere acest lucru, este important să vă luați în considerare contextul atunci când încercați să utilizați disonanța pentru a crea tensiune. Ceva care ar suna destul de disonant într-o melodie Pop poate foarte bine să sune complet consonant într-o melodie Jazz. În plus, unele intervalele pot suna disonante pe cont propriu, dar atunci când sunt redate în contextul unei coarde, sună mult mai consonant. O secundă minoră sună destul de disonantă singură, dar când se adaugă la anumite acorduri, sună foarte bine. De exemplu, dacă construind o coardă minoră de 7 cu unele extensii, puteți așeza treimea minoră și cele nouă una lângă alta, creând o secundă minoră între ele și vă poate oferi o textură foarte frumoasă, care sună semnificativ mai puțin disonantă decât interval de la sine.

Unul dintre intervalele mai dificile de a face consoane sonore este al 9-lea minor. Când învățați să exprimați acordurile Jazz, una dintre „reguli” este aceea că trebuie să vă asigurați că evitați a 9-a minoră pe orice acord care nu funcționează dominant, deoarece disonanța subversează funcția acordurilor non-dominante. Acest lucru este destul de bine exemplificat prin crearea unei coarde majore de 7. Dacă rostiți nota rădăcină mai mult de o octavă peste 7, veți obține un al 9-lea minor, care sună mai puțin decât în repaus și în cadrul unei taste majore, Imaj7 ar trebui să sune destul de repaus. Întoarceți acele note în jurul vocii dvs. și dintr-o dată, sună foarte frumos și în repaus (în acel context). Din această cauză, atunci când cântecele care se termină cu nota melodică care cântă tonica, acordul final nu va fi de obicei un acord maj7, deoarece va crea aproape întotdeauna al 9-lea minor (va fi adesea înlocuit cu un acord maj6).

Deci, cred că ceea ce căutați ar fi un amestec de utilizare a anumitor tipuri de intervale / acorduri care sunt în general considerate disonante indiferent de context (cum ar fi b9s, acorduri diminuate, clustere de tonuri) și configurarea disonanțelor dvs. într-un context dat (cum ar fi utilizarea armoniei strict triade și interceptarea acordurilor mai complexe). Utilizarea notelor din afara cheii în care vă aflați poate provoca și disonanță, dar dacă ascultați suficient Jazz, veți descoperi că a juca în afara nu este „Nu este întotdeauna inerent disonant.

Dincolo de toate acestea, există și un fel de tensiune care poate fi derivată din aranjament. Învățarea despre tehnicile extinse ale anumitor instrumente vă poate permite să le utilizați pentru a crea mai multă tensiune din același material melodic / armonic. De exemplu, la instrumentele cu coarde înclinate, cântând lângă pod, numit Sul Ponticello (de obicei, doar aud asta numit Ponticello), face un ton foarte zgârcit. Această tehnică creează în cele din urmă mai multă disonanță, deoarece subliniază toate armonicile naturale și cu mai multe armonici audibile, există mai multe note, ceea ce înseamnă mai multă disonanță, deoarece toate undele sonore sunt atunci auzite simultan (mai multe unde sonore trebuie aliniați).

Deci, puteți crea practic toate tipurile diferite de tensiune și disonanță prin diferite abordări. Nu există o singură modalitate de a face acest lucru și nu există neapărat reguli.De fapt, sunteți mai susceptibil de a obține tensiune prin încălcarea „regulilor”, cum ar fi cu exemplul meu de jazz de a exprima corect acordurile pentru a evita minusurile 9th. Așa cum fac de multe ori, aș vrea să clarific că teoria nu este un set de reguli, este un limbaj pentru a descrie muzică și o explicație a motivului pentru care sună bine. Singura dată când există „reguli” sunt atunci când încercați să imitați ceva anume, de exemplu, dacă încercați să sunați ca Bach, trebuie să urmați reguli de conducere vocale clasice adecvate.

Cu respectul cuvenit, unele dintre întrebările pe care le pui provin de la „ce parte a teoriei trebuie să se obișnuiască pentru ca acest lucru să se întâmple?” Aceasta este în aceeași direcție.

Este „o abordare ușor nesănătoasă a muzicii în general și a compunerii în special.

Lucrurile tind, în muzică, să funcționeze în sens invers. Găsiți ceva este eficient, folosește-l, apoi încearcă să-l explici în termeni care o fac cumva plauzibilă.

Există multe „trucuri”, dar cele mai bune provin din experimentare. Nu cred că fiecare compozitor crede „corect, acum vreau ceva înfiorător, așa că trebuie să folosesc xyz”. Dacă ar face-o, ar exista o anumită identitate pentru fiecare bucată de muzică înfiorătoare. Dar așteptați, da, probabil că există !

Și unul dintre trucuri, la fel ca în povestirea, este de a oferi ascultătorului ceea ce nu așteaptă.

Aștepți o cadență perfectă? Dă-le una întreruptă. Aștepți o coardă de sunet majoră plăcută? Dă-le orice altceva decât. Probabil că există o listă, dar dacă sunteți compozitorul, experimentați și veniți cu propriile idei, altfel va suna oarecum clișeu …

Comentarii

• Un alt votant descendent nu lovește! Nu ' nu vă supărați deloc voturile negative, dar doriți ca făptuitorul să aibă curajul să spună de ce … Se poate învăța ceva din el. În acest moment, tot ceea ce am ' aflat este că cineva nu ' nu vrea să se ridice și să fie numărat.
• Nu am ' vot negativ, dar, în general, nu ' cred că modul în care critici această întrebare / abordare este foarte productiv. Există modalități legitime de abordare a muzicii dintr-un punct de vedere teoretic. Am reușit în mare măsură să mă aflu ca muzician, folosind teoria în primul rând și urechea în al doilea rând, deși urechea depășește întotdeauna teoria. Ca urmare, am un sunet și o abordare destul de unice. Pentru această întrebare specială, există cu siguranță concepte teoretice care pot fi descrise și utilizate cu ușurință pentru a crea disonanță și tensiune.
• Abordarea mea ar fi să folosesc un pic aceste concepte teoretice pentru a se familiariza cu ele, atunci aș face știți când și unde să le folosiți. Acesta este practic opusul a ceea ce sugerați, dar ar putea să vă conducă în același loc sau, eventual, prin o înțelegere solidă a teoriei înainte de a trânti câteva note.
• pentru înregistrare, nu am făcut-o ' t vot negativ, cred că ' este un punct valid. în apărarea mea, totuși, am ' experimentat mulți ani cu chitara, neștiind ce fac sau îi dau un nume. acum eu ' sunt mai formal cauzează în principal cu cât sap mai mult, cu atât mai mult găsesc că teoria guvernează totul.
• @foreyez -… Asta a fost motivația din spatele răspunsului meu antagonist posibil interpretat. Se dorește (posibil) să rămână la ' regulile ', dar dacă acestea nu sunt ' acolo, în afară de portretizarea a ceea ce oamenii au găsit de lucru, atunci trebuie să arăm propria brazdă '. Care este un mod principal în care ' am ajuns acolo unde ne aflăm și nu am stagnat de-a lungul a sute de ani de muzică. Mulțumesc Domnului!

Câteva idei diferite pentru crearea tensiunii / disonanței:

• Disonanță matematică – deși este oarecum subiectivă, oamenii de știință de-a lungul anilor au ajuns la concluzia că disonanța este ceva care poate fi măsurat . Așadar, ați putea fi conștient de această perspectivă „măsurabilă” atunci când compuneți. După cum a subliniat Dom, nu trebuie întotdeauna să ieșiți în afara unei scări pentru a face acest lucru – nota principală se află în scara majoră, parțial, deoarece vă permite să creați o disonanță interesantă.

• Sfidarea așteptărilor – nimeni nu vă poate oferi o formulă pentru acest lucru, deoarece odată ce există o formulă, nu mai este neașteptat! Dar o progresie a coardei care merge într-o direcție neașteptată va crea incertitudine.

• Urmează așteptările – Dacă există „un dispozitiv muzical care este deja asociat cultural cu sentimentul pe care doriți să-l creați, îl puteți folosi pur și simplu (cât de aproape puteți, fără a intra în probleme cu drepturile de autor!) în modul„ vocabularului înțeles în mod obișnuit ”. Exemplu – noul Instagram superzoom …

De asemenea, știu că întrebarea dvs. este despre cum să creați tensiune armonică , dar merită să ne amintim întotdeauna că puteți crea tensiune folosind alte aspecte ale muzicii decât armonia. Uneori este suficientă o notă, ca la începutul Pentru câțiva dolari în plus sau Flash Gordon – de fapt, acesta din urmă începe cu note nu – bateria în sine oferă tensiune. Chitara neînțeleasă și distorsionată „sparge” în Creep oferă și un sentiment de anticipare și totuși orice se joacă acolo nu are o calitate armonică identificabilă – este doar o zgomot agresiv.

Disonanța în armonie se datorează, într-o anumită măsură, unui conflict de armonici între cele două ( sau mai multe) note redate. Există intervale disonante chiar în scara diatonică, secunda majoră și cea de-a șaptea majoră, de exemplu. Disonanța este generată și de voce. În loc să găsiți note noi pentru a lipi într-o piesă de muzică, jucați cu ordonarea celor pe care le aveți. De exemplu, intervalul unei secunde minore este, în general, considerat foarte disonant, în acordul major al șaptelea puteți stiva note pentru a auzi tensiunea 7-8. Mutați al șaptelea în registrul bas.

Pentru mine, scrierea exercițiilor de contrapunct m-a învățat multe despre disonanță. Introducerea unei note care este consoană, ținându-l și schimbându-și împrejurimile armonice – făcându-l astfel disonant – și apoi rezolvându-l, făcându-l consonant.

Am folosit „Exercițiile preliminare de contrapunct” ale lui Arnold Schönberg, pe care le recomand din toată inima.