Hur kan jag lära mig att komponera?

Jag började skriva detta i stycken, och det har blivit osammanhängande och samlat (som de flesta av mina skrifter …) så jag har kondenserat det till några punkter, men jag föreslår att du väljer genom min fullständiga förklaring.

Jag föreslår följande:

• Piano är ett bra instrument att lära sig, för du behöver inte vara över nybörjarnivån för det för att hjälpa till med din komponering.
• Lär dig musikalisk notation så att du har ett sätt att skriva ner melodier i ditt huvud och dela dem med annan musik ians.
  • Vet om personalen , tidssignaturer och grundläggande rytm och notlängd och du kan skriva ner de flesta grundläggande idéer .
• Börja med monofoni , eller singel, utan åtföljande melodi.
  • Mest harmoni kräver en grundläggande förståelse för musikteori, och det kan skämma bort dig innan du ens lägger anteckningar på papper.
  • Dessutom kan du alltid gå tillbaka och lägga till harmoni i alla monofoniska delar.
• Musescore är en gratis mjukvara som hjälper till med musikalisk komposition och är värt en titt, även om det krävs en grundläggande förståelse för teori för att inte bli frustrerad av den. / li>

Och hela texten:

”Musikteori” är en super bred kategori. Du kan skriva enkla och till och med lite komplexa melodier utan att veta mycket om det. ”Musiknotation” är dock mer specifik och det är där jag skulle börja.

Alla de stora kompositörerna Jag vet

• Spela, eller åtminstone känna till, åtminstone ett instrument
• Vet hur man noterar låtarna i deras huvud i minst en eller annan form

Med detta sagt …

Att komponera är konsten att skriva ner låtar i ditt huvud. Du kan ha låtar i huvudet och till och med kunna spela dem eller sjunga dem, och du har redan det första steget ner. Skönheten i musikalisk notation är att kunna bevara dessa melodier så att de aldrig glömmas bort.

Med detta sagt föreslår jag att du har en grundläggande kunskap om personal (där tonhöjderna är noterade i standardmusiknotation, vilket jag föreslår att du lär dig eftersom du verkar vara intresserad av orkestermusik), tidssignatur (takten och jämn, kan du säga ”musikens kronologiska domän”) not varaktighet (hur mycket av den ”kronologiska domänen” som varje ton tar upp).

Med dessa grundläggande verktyg kan du skriva ner låtarna i ditt huvud. Hur får du de här låtarna i ditt huvud?

Det är ett misstag jag har antagit att komponering handlar om formler. Naturligtvis finns det mycket du kan använda, men hur jag gillar att gå om det är att välja en melodi som dyker upp i ditt huvud. Vilken som helst slumpmässig o Jag stämmer som dyker upp i ditt huvud. Nu, för dina ändamål, och eftersom det skulle vara lättare för dig att lära dig musikteori efter behov, skulle jag hålla mig till monofoni först (singelmelodi utan ackompanjemang). Skönheten i detta är att du alltid kan komma tillbaka senare och popa in ackord eller kontramelodier när du känner behov av, men det är tillfredsställande att lägga ner tonerna och höra något sammanhängande.

En sista argument för att lära sig musiknotation, är att när en låt skrivs ner, kommer alla musiker ( mest musiker) att kunna spela det genom att läsa, vilket betyder att du inte behöver göra en besvärlig, Tja, det går så här … ”

Nu när det gäller att lära sig ett instrument föreslår jag att du får en grundläggande kunskap om pianotangentbordet, för det är så enkelt, men det hjälper oerhört i din förståelse av tonvärlden. Jag spelar knappast piano alls (knappast bortom den tredje barnboken i mina studier ;-P), men jag kan använda rätt hållning / teknik för att slå ut låtar i mitt huvud, och att visualisera tangentbordet hjälper med många begrepp som jag annars inte skulle kunna förstå.

En bra bit GRATIS programvara som hjälper din komposition är Musescore, även om den använder mycket terminologi och kräver en grundläggande förståelse för musikteori. Men det är GRATIS! och därför värt en titt, eller en nedladdning, efter omständigheterna …

Kommentarer

• så du säger att den långa versionen är en ” olägenheter ” för att läsa … skämt åt sidan Jag håller med monofoninriktningen helt hjärtligt. Börja smått och arbeta dig uppåt. Att komponera för orkester kan vara en skrämmande uppgift för även erfarna arrangörer / kompositörer. Jag började faktiskt med SATB-körpartitur och jag tyckte att det var en fantastisk inlärningsupplevelse.
• Gör kompositörer lager av musiken. Så huvudmelodi först. Sedan strängar, sedan mässing, sedan slagverk och så vidare ….? P.s. tack för ditt svar. Hjälpte mycket !!
• @SaggingRufus Ja, i väntan på min galna skrift ’ färdigheter valde jag ett kyligt användarnamn … Helt avsiktligt. 😉 Jag brukar hålla fast vid solo-violin eller pianospår … Håll sakerna tillräckligt enkla för mig.
• Du kan också göra det motsatta och börja med en ackordutveckling och välja en melodi som komplimangerar det. Jag gör vanligtvis ackompanjemanget först, sedan melodin, men båda är giltiga
• Jag ’ har rensat några kommentarer här. Vänligen skriv inte personlig information här.

Välkommen till musik: Öva & Teori!

Jag håller med om det mesta av vad TopoMorto sa i sitt svar och jag vill bara ge dig lite mer information och idéer och lite av min egen erfarenhet som ett tips.

• Melodin

Nästan alltid melodi är den viktiga delen av all musik. Jag antar att du alltid har några låtar som spelar i ditt huvud! Jag vet att jag gör! Visst det är där jag börjar när jag har en melodi.Jag tar piano eller gitarr om jag har dem till hands och börjar spela melodin och hittar dessa toner i mitt huvud och intervall. Eller så börjar jag bara skriva dessa anteckningar i Guitar Pro om jag inte har något instrument vid min sida. Om min melodi passar mig så lämnar jag det som det är, annars börjar jag tänka på att ändra på det på vissa ställen för att göra det mer intressant.

• Harmonin

När jag har avslutat melodin (det kan vara hur texterna ska låta förresten) börjar jag hitta bra och intressanta ackord. Jag spelar dem på olika sätt i olika varianter. På ett liveinstrument som en melodi och harmoni brukar gå ihop. Ibland börjar jag med rytmen när jag är osäker på vad jag vill ha till slut.

• Rytmen

Vanligtvis en gång har en harmoni och en melodi jag tänker på en rytm. Jag tänker på hur låten ska gå, hur snabbt eller långsamt, vad som bör stressas och vilken slags slagverk som kan finnas.

• arrangemang

Detta är den mest intressanta delen för mig. När jag har en grundläggande harmoni, rytm och en melodi klar börjar jag arrangera mitt verk. Jag tar andra instrument och spelar anteckningar, ackord, riffs etc. för att lägga till element i låten. Jag lägger till andra harmoni ibland och andra rytm och söker efter ljud och idéer som gör låten intressant. När jag har lagt till några andra instrument tittar jag vanligtvis på mina tidigare spelade eller noterade partier och ändrar ibland dem.

• Effekterna

Detta är valfritt, men ibland gillar jag att använda effekter i min musik. Ofta börjar jag hela idén med en låt med en effekt.

I grund och botten handlar det om en bra melodi och ett trevligt arrangemang. Jag lyssnar ofta på olika musik som jag gillar och analyserar den. Först när jag lärde mig att komponera kopierade jag mest mina favoritband och kompositörer.

Poängsättning av en pjäs skriver inte … du borde redan ha den pjäs du vill göra poäng. Och det är vanligtvis enkelt när du förstår vad varje instrument ska spela. I grund och botten för att göra den svåraste delen är att veta hur man skriver tonerna och elementen på klavarna och personalen. Att veta hur man visar spelaren vad du vill att han ska Jag menar att du inte bara behöver skriva de rätta tonerna som du spelar utan också de påfrestningar du gör och effekterna som tremolo och vibrato och fade in / fade out-effekter liksom många många andra.

Jag ger dig ett exempel på hur jag skriver musik:

Jag börjar med en gitarr eller piano (de är mina viktigaste istrument). Jag börjar sjunga eller surra en melodi och bara spela (improvisera) och leta efter en intressant ackordprogression om jag inte har någon aning i mitt huvud. Om jag har en (kanske en text) börjar jag sjunga melodin eller texterna och börjar leta efter en harmoni samtidigt! När jag väl har hittat den grundläggande harmonin och melodin är okej. Jag börjar spela i olika stilar och lägga till extra ackord och toner. Jag börjar med att spela mestadels enkla ackord och inga arpeggios eller vad som helst. När jag har några bra intressanta ackord spelar jag vanligtvis in Efter att jag spelat in spelar jag det och lyssnar … och fortsätter att improvisera i mitt huvud. Om jag känner att jag har upptäckt ett intressant ögonblick .. Jag stannar och spelar den delen med den nya idén. Efter att jag har gjort att stycket ser bra ut för melodi och ett instrument harmoni. Jag börjar spela ett andra instrument till musiken och skapa ett arrangemang. Jag tappar ut en rytm och tänker på en baslinje osv. Under hela processen kan jag byta mitt huvudinstrument flera gånger om någonstans någon ton är störande eller inte låter rätt med andra instrument. Jag gör ofta allt för en mycket länge. När jag har skrivit det mesta av musiken börjar jag tänka på en solo och effekt Om jag vill. Vanligtvis tar ett solo mycket tid om jag vill göra det riktigt intressant och inte bara en enkel improvisation. Jag kanske till och med ändra harmonin är vissa platser enligt en solo-byggnad. Till slut får jag äntligen ett bra bra arrangemang redo för hela mitt band att spela. De flesta av mina arrangemang finns i min lagring i gp Guitar Pro 7-format.

Kommentarer

• @topo Det här är perfekt. Tack så mycket herrn. Är ackompanjemanget samma som harmonin? Till exempel i: Ta med honom hem (från les mis) har du huvudlåten, men är alla grejer under, de små krusiduller om du vill, vad heter de?
• Jag ’ har taggat Topo, för hans åsikt också sir; medan jag fortfarande skulle älska din kommentar också
• @cmp Det du sa är säkert ett ackompanjemang .. Harmoni är detta ( ordbok.com / browse / harmony )
• @cmp ordet ’ harmoni ’ kan betyda olika saker ; det hänvisar ofta till det lite abstrakta begreppet ’ ljudet av musikpartierna tillsammans ’, vilket resulterar i ’ bra och intressanta ackord ’ som SovereignSun nämnde. Ibland pratar människor ibland om en ’ harmonidel ’, som (förvirrande) ofta är en melodisk linje som inte är huvudmelodin. Bli inte ’ men häng inte på definitionerna!

Lyssna på musik. Mycket. Vilken typ av musik som helst kommer att fungera – klassisk, jazz, rock – vad som helst! Detta kan hjälpa dig att få idéer, hitta din smak, inspirera dig osv. Ju mer olika kompositörer du känner, desto lättare blir det för dig att börja. Du kan också börja med att ta ett musikstycke och skriva variationer för att lägga till / radera / ändra noter, ändra tempo, lägga till instrument och andra saker du kan tänka dig. Så småningom kan du komma så långt ifrån originalstycket att det blir oigenkännligt!

Att spela ett instrument hjälper också, eftersom du kommer att kunna spela dina kompositioner och ändra dem om du inte gillar hur det låter. Detta hjälper dig att undvika att skriva musik som är omöjlig att spela – dvs. 12-ton ackord för piano. En annan fördel med att spela ett instrument är att du måste lära dig grunderna i tonläsning och musikteori, så att komponera din första bit blir enklare.

Det viktigaste är förmodligen att få idéer. Om du har en idé, men inte vet hur du skriver ner den, är det bättre än att känna till musikteori och ha ett tomt sinne. Du kan köpa musikteoriböcker, ta en lektion eller titta på några videolektioner – även om jag rekommenderar att du faktiskt pratar med en riktig lärare så att de kan svara på dina frågor.

Lycka till och ha kul!

Kommentarer

• Ooh, dang, jag skulle säga det. Att lyssna är superviktigt.

OK, jag började lära mig komposition för 45 år sedan. Jag spelade träblåsare, så jag var inte helt till sjöss, men mina första försök till harmoni använt många sekunder inte särskilt framgångsrikt. Jag letade upp vanlig harmoni för att börja ta hand om detta, och eftersom jag var en ung man i början av 70-talet såg jag också något förbi CP-harmoni.

Jag började arbeta med kontrapunkt. Resonemanget här liknade mycket varför jag ville gå på livsteckningskurser på universitetet trots att jag främst var en abstrakt konstnär: genom att arbeta under bestämda, välförståda begränsningar kunde jag (och gjorde) lära mig att få mitt material att göra vad jag ville av dem. Det är den verkliga poängen för akademisk utbildning – inte en uppsättning regler som måste följas, utan kompositionskalistik. (”Reglerna” ger dig också användbara lösningar på problem som återkommer ganska ofta. Ibland är det inte värt att uppfinna hjulet på nytt.)

Vissa begränsningar kan du dock inte fly. Om du skriver för orkester, du måste veta vilka instrumentens begränsningar är och hur de balanserar med varandra. Att lära sig ett instrument är bra för detta: du lär dig djupt i benen att instrument har mycket tydliga styrkor och begränsningar, och du lär dig att skriva för de instrument som du inte spelar med en viss omsorg och respekt efter vederbörlig forskning. Till exempel, om du gör något så extremt som att skriva ett staccatissimo sex-ton ackord för en hand vid pianot, hade du bättre fördömt och se till att det är möjligt för åtminstone ett finger att spela två (vita) tangenter tillsammans, eller ingen kommer att skylla pianisten för att ha följt efter dig med en blodig stor pinne. : D

Idealet är att du lär dig att ta reda på vad som finns i ditt huvud och att det du skriver når både artister och publik. Det är idealet – du kanske aldrig når det helt, men tanken är att ha kul under vägen. Om du inte tycker om resan är det inte värt att göra.

Jag säger inte att du ska börja med monofoni (jag visste inte själv), men jag skulle inte heller säga att du inte skulle göra det – försök att skriva vad som finns i ditt huvud och försök sedan fixa lacunerna som hindrar dig från att uppnå detta. Om det du hör i ditt huvud är enkelt, skriv enkelt; om inte, var ambitiös och ge det en chans. Det kan hända att du måste lägga skisser åt sidan tills du är musikmogen nog att hantera dem. Du skulle inte vara den första personen som gjorde det, så inga bekymmer om det händer.

Läs böcker och poäng som Billy-be-damned, med tanke på att ingen av dem ger dig en trollstav för att lösa alla dina musikproblem.Försök att undvika en sequencer-orienterad utgång – det finns de udda tillfällena när du av praktiska skäl måste avstå från artister, men sekvenser kan inte växa; en poäng som tolkas av artister kan och gör. Jag använder sekvenser mycket strikt som en grov guide för artister om hur ett verk kommer att låta. Jag säger ”grovt” tillrådligt: sekvenser växer inte bara, de andas inte heller bra.

Öva, öva, öva.

Kommentarer

• Vissa typer av musik är mer sequencer-vänliga, men din övergripande poäng om sekvenserad musik saknar som helhet poängen är välgjord. +1
• Ja, @ToddWilcox, där finns ’ definitivt en plats för allt, men det bästa jag ’ har någonsin sett för loopar och sekvenser har varit Robert Fripp, och han skapar dem på sin gitarr i realtid … Det andas.

Att lära sig ett instrument gör det mycket enklare att komponera, delvis för att du lär dig hur musiknotation fungerar. Det utsätter dig också för massor av instrumental musik. Som amatörkompositör (och gymnasiebandmedlem) föreslår jag att jag lär mig ett instrument innan jag komponerar. Jag spelar bara två instrument, så med den begränsade kunskapen jag har kan jag ge dig detta lilla tips: Om du är intresserad av att spela en saxofon, lär dig först klarinett. Att lära sig spela piano skulle hjälpa dig mycket, men att lära dig ett instrument som ingår i ett konsertband / orkester ger dig mer kunskap om hur stora ensembler fungerar.

Som de flesta kompositörer kan komma överens om är musikteori mycket viktigt. Jag föreslår en bok om musikteori. Du kan göra mycket med endast en begränsad kunskap om musikteori, men ju mer du lär dig desto mer avancerade blir dina verk. Anledningen till att jag rekommenderar en bok är att författaren börjar mycket grundläggande och avslöjar mer avancerade koncept senare. Detta gör det väldigt enkelt om vad du ska lära dig först.

Om du börjar komponera, var inte rädd för att använda repetition i din musik. Det är inget fel med att upprepa något du gillar. Lyssna bara på detta -stycke från Disney Pixars Upp . Du bör börja med att komponera enkla pianostycken. Mitt första stycke var ett enkelt pianosolo. Det hade inga ackord, en enkel melodi som utnyttjade kontrapunkten (i brist på musikaliska idéer) och mycket repetition.

Mitt sista råd är detta: bli inte avskräckt! Om du stöter på en del i en låt som du inte kan spela, sakta ner och ta den anteckning för ton, spela den snabbare varje dag tills du får den så bra som möjligt. Om du kommer till en punkt där ditt sinne är helt ogiltig för musikaliska idéer, det är bra! Det har hänt mig många gånger. Och det kommer vanligtvis till mig senare. Jag är ingen professionell kompositör, men jag har skrivit några anständiga bitar. Det bästa sättet att få inspiration är att lyssna på kompositörer som vem som arbetar med dig beundra. några av de största moderna filmkompositörerna är John Williams, Hans Zimmer och Michael Giacchino.

Kommentarer

• Ett piano ingår regelbundet i orkestrar och konsertföreställningar.
• Det är ibland, men jag ’ har hört orkestern utan den mer än med den.

Jag rekommenderar starkt att du läser den ganska korta boken: ” Musikalisk komposition ” av Reginald Smith Brindle. Det är en utmärkt introduktion till alla element i vad kompositören behöver veta och överväga. Det är en av de få kompositionsböcker som jag tycker klarar tidens test och förblir relevant även i den digitala tidsåldern.

Kommentarer

• $ 8 som används på Amazon. Väl värt pengarna.

Att komponera musik är i grunden processen för att externa & dokumentera musiken som spelar i ditt huvud / fantasi … Att utveckla en viss skicklighet på tangentbordet / pianot (eller gitarr om du har en motvilja mot tangentbordet) kommer att visa sig vara en extremt hjälpsamt & användbart verktyg. Jag rekommenderar tangentbordet av flera anledningar.

1. Det är lättare att spela (det var utformat för att vara enkelt & bekvämt att spela – gitarr kräver många besvärliga & obekväma manövrer & aktiviteter med dina fingrar – inklusive utveckling av hårdhår!)

2. Tangentbordet har också ett visuellt gränssnitt / gom som kan vara till stor hjälp för att underlätta ditt lärande & förstå den underliggande mekaniken eller ”grammatiken” för musik (aka musik teori).

3. När ett tangentbord är anslutet till en dator med någon grundläggande (billig / gratis) programvara / virtuella instrument (eller annan ljudproducerande hårdvara) kan det i princip producera NÅGOT ljud som finns ! Jag kan fortsätta att lista många fler skäl, men jag hoppas att det borde räcka.

Mitt råd för att lära mig spela tangentbord är: att fokusera på en metod / teknik som betonar ”spelar efter örat”. För, som jag just sa: att komponera är att skriva ner musiken i ditt huvud – vilket är bara ett annat sätt att säga ”spela med örat” – spela det du hör i ditt huvud. Personligen hade jag en unik uppsättning omständigheter som fick mig att börja när jag var yngre. I ett nötskal: vi bodde i ett mycket isolerat & avlägset område – ingen potentiell lärare eller ens böcker som skulle vägleda mig. MEN vi hade ett piano, och jag hade mycket tid. Jag förstod först hur man spelade ett par enkla melodier, så småningom började jag räkna ut vilken av de andra tonerna som lät rätt eller bra att spela med melodin. Jag insåg det inte vid den tiden, men i grund och botten tänkte jag på grunderna för musikteorin. Innan länge lärde jag mig att spela på tangentbordet praktiskt taget allt jag kunde tänka mig i mitt huvud, eller som jag skulle höra från radion, etc.

Senare, när jag kunde ta musikteorikurser & pianolektioner, kunde jag gå framåt ganska snabbt för jag lärde mig bara officiella ord, termer & tekniker för de begrepp som jag redan formulerat.

I grund och botten är tanken att du ska börja spela & ”göra” musik så snabbt och så mycket som möjligt !!!

Jag uppmanar dig också att gå med i någon form av lokalsamhälle eller kyrkans kör / band / orkester (du kommer säkert att kunna för att lära sig spela slagverk tillräckligt bra). En kör är verkligen perfekt – du kommer att lära dig mycket om musik genom att lära dig & utföra den – speciellt i en ensemble! Jag tror att det är det mest logica l & ”enkelt” sätt att upptäcka & förstår verkligen hur musik samlas – bit för bit & lager för lager. Det kommer också att vara ett intuitivt & effektivt sätt att bekanta dig med grunderna i ”skriftlig musik” & hur man läser det – men utan den tråkiga, komplicerade, abstrakta inställningen av en musikteori-klass eller någon ”lärobok” …

Förutom att gå med i en kör eller en instrumental ensemble, uppmanar jag dig också att hitta en trumcirkel som du kan gå till och delta i. De flesta städer & även medelstora städer kommer att ha något liknande det som möts minst en gång i månaden om inte varje vecka. En trumcirkel kommer att vara som en skattkista med en helt annan typ av information, uppleva & begrepp som du inte kan hitta någon annanstans! Om inget annat kommer det bara hjälp för att få din kreativitet stimulerad & flödar … Underskatta inte kvaliteten eller kvantiteten av värdefull insikt och erfarenhet som är tillgänglig för dig genom offentliga, improvisationella, deltagande händelser!

Jag hoppas att detta har hjälpt till att bredda dina begrepp & idéer om hur du kan gå tillväga för att lära dig att skapa originalmusik. Jag hoppas att jag har lyckats införa vikten av dig omedelbart ”få dina fötter blöta” genom att engagera sig i ”att skapa musik”.

På det hela taget bästa sättet att lära sig att komponera är att börja komponera! Få ett gratis / billigt musiknotationsprogram som MuseScore eller MusicMasterworks och börja experimentera. Se vad du kan komma på. Jag garanterar ee att du kommer att lära dig mycket om tonförhållanden, frasering, melodi och rytm som bara rör dig – och du kanske kommer med några häftiga låtar också!

Men om / när du bestämmer dig för att bli seriös, tänk på följande:

Kompositörer är inte nödvändigtvis musiker, och musiker är inte nödvändigtvis kompositörer. Skillnaden mellan en kompositör och en musiker är samma som skillnaden mellan en författare och en talare. Den ena är bunden till den andra, förlitar sig faktiskt på den andra för att deras konst ska bli verklighet, men de färdigheter de använder och de talanger de måste ha är faktiskt helt olika. Verkar ganska uppenbart men det är bra att komma ihåg eftersom linjen mellan de två ibland blir suddig när man tänker på musik.

Du måste kunna musikteori för att komponera musik av samma skäl som du behöver veta grammatikregler för att skriva. Du behöver inte lära dig musikteori för att spela musik, men kompositionen är inte samma sak som prestanda.

Vad är en musikalisk komposition? På den mest grundläggande nivån är det ” en uppsättning instruktioner till musiker. Vad är musik teori ? Till stor del är det en definition av termer, så att musiker kan kommunicera musikaliska idéer med hjälp av talat eller skrivet språk.Som du kan se är de inte samma sak, men de är relaterade.

När du spelar musik kommunicerar du dina musikidéer direkt, med ljud. Men när det gäller komposition, du ” återkommunicera dina musikaliska idéer skriftligen. En musikalisk poäng är ju inget annat än musikaliska idéer skrivna ner. Därför är det bättre att känna till musikteori om du vill kommunicera dina musikidéer till andra musiker.

Det är egentligen inte obligatoriskt att lära sig ett instrument om du vill komponera musik, men det är ganska svårt att föreställa sig att komponera utan den. När du komponerar blir ett musikinstrument ett beräkningsverktyg bortsett från allt annat. (”Fungerar detta intervall? Förutsatt att jag kommer från detta harmoniska förhållande, kan jag gå till detta harmoni?) Teoretiskt sett kan du bara använda din röst, men detta väcker frågan hur du skulle testa flera toner, harmoniska förhållanden etc.

Tidsignaturer används i nästan all västerländsk musik, oavsett om det är vanliga tidssignaturer som 2/4, 3/4 eller 4/4, eller mer komplicerade tidssignaturer som 7/8, 11/8, 13/8 15/8 17/8 etc. Den goda nyheten är att de flesta västerländsk musik finns i 2, 3 eller 4. Den ännu bättre nyheten är att signaturer i stort sett hela tiden delas upp i undergrupper på 2 och 3, så även om det låter komplicerat är det ganska enkelt (åtminstone begreppsmässigt.) För att vara en bra musiker behöver du en gedigen förståelse för rytm och tempo. Som kompositör är en bra rytmkänsla inte nödvändig, men att förstå tempo (särskilt tempobegränsningar på olika instrument) är avgörande.

Som musiker är det absolut nödvändigt att studera rudiment av slagverk. Att kunna spela i tid och i tempo är lika viktigt som att kunna spela i melodi. Kompositionsmässigt är det absolut nödvändigt att lära sig vad som är möjligt perkussivt, liksom melodiskt. Du vill också lära dig harmoni , inklusive ackordstruktur. Lär dig ”kyrkans” skalor (joniska, doriska, frygiska, lydiska, mixolydiska, eoliska, locrianiska) och den pentatoniska skalan medan du håller på med det.

Att lära dig allt detta gör att du kan kommunicera din musikal fantasier mer kortfattat och tydligt, och gör det också möjligt för dig att komponera musik mycket snabbare. En sista punkt om musikerskap och komponering: du behöver inte vara en bra musiker för att vara en bra kompositör . Du måste förstå hur instrument fungerar, hur tempo och rytm och allt annat fungerar, men du behöver inte vara bra på att spela. Du behöver bara veta hur det fungerar.

Om du vill lära sig orkesterskomposition , det finns verkligen en hel del åt det. Du måste tänka på vilken nivå av musik som ditt stycke kräver. Om du skriver ett stycke som kräver mycket virtuositet kommer det (i bästa fall) att vara ett lysande mål för musikaliskt lutande och (i värsta fall) nästan aldrig spelat eftersom det inte är så många som kan spela det. på en mer detaljerad nivå måste du vara medveten om räckvidden för varje instrument du skriver för, med tanke på att intervallet varierar både efter musikerns kompetens och band- eller orkesterkompetens. (Det förväntade utbudet av juniororkester är till exempel mycket annorlunda än London Symphony Orchestra.) Möjlig instrumentljudning kommer att variera avsevärt beroende på plats och nyanserade volym / instrumentförändringar inom kompositionen kan gå förlorade om stycket ska utförs utomhus eller i en akustiskt ogynnsam miljö som en inomhusarena. Det är inte ovanligt att få förfrågningar om att göra specifika röster för olika instrument, göra om hela stycket för en annan typ av musikgrupp (dvs. band / orkester / oktett / kvintett / trio / kör) eller att ordna om stycket i en annan nyckel.

tl; dr: Få ett gratis musikprogram, rör dig och se vad du kan göra. Betrakta det som det första steget på en resa på tusen mil.

Ta tag i ett instrument och försök lära dig spela det (helst ett ackordinstrument). Spela någon form av nonsens att värma upp. Om ”nonsens” börjar bli mer intressant än vad du försöker lära dig, är du en kompositör. Naturligtvis om du vill gå längre än att spela dina kompositioner själv, måste du antingen lära dig att skriva musiknotation eller lära dig att komponera på något som en midi-app som kommer att konvertera din komposition till poäng.

Det bästa sättet att komponera om du redan känner till musik är att lyssna på din favoritartist, lära sig deras texter och sångstruktur och försök sedan skapa en replik det bästa sättet att komponera om du redan känner till musik är att lyssna på din favoritartist, lära sig deras texter och sångstruktur och sedan försöka skapa en replik, detta ger dig möjlighet att känna dig mer bekväm och börja skapa din!

Jag började bokstavligen bara röra mig i Apples gratis GarageBand-app på min iPad en dag under min lunchpaus i skolan; Jag bekantade mig med dess funktioner genom att läsa igenom hjälpmenyn och började experimentera med de olika instrumenten och sakerna som finns för att se vad som lät rätt. Jag hittade också en hel del (gratis!) Hjälpsamma resurser genom att köra en enkel Google-sökning när jag blev snubblad på en viss fråga. Men för alla GarageBands användningar rekommenderar jag absolut inte det som ett primärt verktyg för att komponera; använd istället ett program som MuseScore – deras webbplats har till och med en serie användbara instruktionsvideor som täcker grunderna för att använda programmet.

Problemet med att komponera i GarageBand är att appen inte är avsedd att vara ett verktyg för att skriva musik, det är ett verktyg för att skapa musik som jag missbrukat. Det betyder att varje gång jag har velat titta på en kopia av noter till en låt som jag har komponerat i appen, har det inneburit att transkribera allt för hand eftersom Apples programvara inte arbeta alltid med andra datorer. Transkription kan vara mycket arbetskrävande och tidskrävande, så upprepa inte mina misstag!

Min förmåga att skriva är fortfarande ett pågående arbete, men det viktiga är att framstegen händer. Titta, för alla de tekniska aspekterna har musiken i grund och botten allt som känns, så lita gärna på dina instinkter och var inte rädd för att experimentera.