Guitar solo-teknikker

At lære slikker og solo af andre musikere kan være nyttigt i denne henseende. Det er klart, at du vil udvikle din egen stemme, men ingen musik n findes i et vakuum, og det er bestemt nyttigt at lære og analysere (om end ubevidst) de slags ting, musikere, du beundrer, har spillet. Afhængig af din stil og den retning, du vil gå, kan det også være nyttigt at fokusere på andre instrumenter (jeg har transskriberet solo af saxofon og trompetister for at hjælpe min guitar, og jeg har prøvet at lære akkordstemme fra klaverspillere, når det er muligt).

Faktisk er det sandsynligvis nyttigt at bruge lidt tid på helt forskellige musikstile fra din egen for at lære bredden og bredden af de tilgængelige teknikker. Tænk på den måde, Bach ville udvikle en sætning gennem kontrapunktet og interaktionen mellem lignende sætninger. Lyt til Beethovens femte symfoni og den måde, han udvikler et simpelt firemotivmotiv på i løbet af et halvt stykke musik. Tænk på de mange måder, som Wagner, Copland, Coltrane, Clapton osv. Har nærmet sig dette begreb om udvikling af sætninger eller motiver. Hver og en af dem producerede en levetid på musik til at udforske og lære af.

Forsøg også at tænke over det med hensyn til at udvikle en sætning. Idéer kommer ofte ikke fuldt ud til en improviserende musiker. I stedet for tager vi en sætning, enten opfundet eller fra melodiens indhold, alt efter omstændighederne, og forklarer den ved hjælp af variation og opfindelse til at bringe vores egen holdning og ideer til den ramme, vi arbejder inden for. Jeg forsømte først at nævne dette, fordi det ser ud til at være indlysende, men vær sikker på at du kender melodien . Vi guitarister er især tilbøjelige til at lære ændringerne, men ikke melodien i sangen. Hvis du har melodien godt i hånden og i tankerne, vil det hjælpe dig med at holde din improvisation “i kontekst” som den var, og det vil være en rig kilde til melodiske ideer.

Der er, selvfølgelig mange tekniske ting at tænke over i blandingen, ideer der virkelig kan spænde over hele musikspektret. Et kort udvalg af mine favoritter kan omfatte:

• Frasering / rytme : Tænk på, hvordan dine sætninger udvikler sig. Spiller du lige kvart / ottende / sekstende toner? Måske kunne du introducere nogle trillinger i blandingen, eller endda nogle mere komplekse polyrytmer, hvis du føler dig ambitiøs. Brug lidt tid på udviklingen af disse mønstre gennem dine sætninger. Opbygning fra langsommere eller enklere melodiske udsagn til mere hurtige eller komplekse er en almindelig teknik. Prøv det, eller prøv at undergrave det. Tænk også på længden af dine sætninger, på synkopiering, om at bruge hvile eller vedvarende noter til at bryde en sætning op. En anden nyttig ting, især for guitarister (og faktisk spillere af ethvert instrument, der ikke blæses), er at prøve at være mere bevidst om din vejrtrækning, når du planlægger længden og rytmen på dine sætninger. Dette kan give en mere “naturlig” følelse til dit spil.
• Melodi : Hvilke former bruger du til dine melodier? Hvis du har lyst til du kører skalaer, prøv at øve arpeggioer, og prøv at bryde dem op, ændre retninger og gentage kun bestemte noter. Forestil dig en kontur (ikke nødvendigvis en præcis) af din melodi. Er det gentaget, er det stigende, er det faldende, er det overalt? Prøv at tegne en snoet linje på et stykke papir, og improvisér derefter en melodi efter linjens kontur. Gør det igen med en anden form. Lær, hvordan disse former kan påvirke de følelser, der udtrykkes i din sætning.
• Harmony : Hvordan fungerer din melodi forholde sig til stykkets harmoni? Kunne du træffe et andet valg, der ville gøre det mere interessant? Som jazzspiller er et af mine foretrukne tricks til at komme “udenfor” at tage et kort motiv og gentage det et vilkårligt interval væk. Måske kunne du vælge toner fra Dorian-tilstand snarere end den naturlige mol over denne akkord.Dette “afhænger naturligvis lidt af din musikteoretiske viden og den stil, du spiller i.
• Artikulation : Hvordan rammer du strengene? Spiller du legato eller staccato? Bøjer du sedler lidt eller meget eller slet ikke? Eksperimentér selvfølgelig med dette alene for at finde dine præferencer. Dette er især et område, hvor det vil være enormt nyttigt at lytte til og transkribere andre musikere. Hvorfor lyder Chet Atkins og Leo Kottke og Yngwie Malmsteen og Stevie Ray Vaughan hver så tydeligt forskellige fra hinanden? Du må heller ikke tage ud og sige “udstyr” – prøv at spille en sætning, som du tror, en spiller kan, så en anden spiller.

Brug bestemt lidt tid på at skrive sætninger på papiret. Improvisation er trods alt stadig komposition, og de samme teknikker gælder. At nærme sig processen mere bevidst vil helt sikkert hjælpe med at udvide den række intellektuelle værktøjer, du er nødt til at falde tilbage på, når du finder din “naturlige” intuition til improvisation til dets grænser, og over tid vil du finde disse værktøjer integreret i den naturlige intuition.

Kommentarer

• Meget flot svar. Jeg tror, at vigtigheden af melodi ikke kan ‘ ikke understreges nok, især for guitar.
• I ‘ d understrege at lære og bruge melodien i sangen som solo er i.
• Tak, @Dave. Jeg glemmer ofte at nævne den slags ting, da det ser ud til at være så indlysende nu i eftertid, men det tog mig lang tid at lære den lektion. Jeg ‘ har tilføjet et afsnit med fokus på udvikling og kontekst.

Med enhver solo vil du fortælle en historie. Licks, riffs og riller er dine ord. Forfattere strukturerer historier som fortællende buer.

En fortællingsbue er normalt:

• Udstilling: Indledningen historien, hvor tegn introduceres, indstilling afsløres.
• Stigende handling: En række begivenheder, der komplicerer sagerne for hovedpersonen, hvilket skaber en stigning i historiens spænding eller spænding.
• Klimaks: Punktet med den største spænding i historien og vendepunktet i fortællingen, fra stigende handling til faldende handling.
• Faldende handling (Anti-klimaks): Efter klimaks, udfoldelsen af begivenheder i en fortællings plot og frigørelse af spænding, der fører mod opløsningen.
• Opløsning: Afslutningen på historien, typisk hvor problemerne i historien og hovedpersonerne løses.

I gode historier er der normalt en række stigende handlinger (og let faldende handlinger), som gradvist bliver større til det store klimaks og historiens opløsning.

Så en guitar solo historie måske gå sådan her:

• Udstilling: Omstil krogen eller et andet melodisk fragment

• Stigende handling 1: Start med at mutere fragmentet ved at skiftende toner, rytme eller oktav.

• Faldende handling 1: Angiv enten krogen igen, eller spil en lille akkordmelodi fra fragmentet eller stop endda kort.
• Stigende Handling 2: Fortsæt med at mutere fragmentet. Bliv edgier, tilføj nogle toner eller akkorder, der ikke passer ind i skalaen. Bliv højere. Begynd at bruge effekter.
• Faldende handling 2: Spil det muterede fragment rent og simpelt
• Rising Handling 3: Begynd at spille et helt andet melodisk fragment
• Fallende handling 3: Gå tilbage til dit originale eller muterede originale fragment
• Stigende handling 4: Begynd at kombinere dele af det originale fragment og nyt fragment og skifte mellem de to. Dette er dialog og konflikt og interessant. Skive og terning, baby. Måske spiller det ene fragment højt og det andet lavt. Få dem til at argumentere.
• Stigende handling 5: Bliv ved med at kombinere og skifte og skære og skære og udføre, indtil den kombinerede erklæring nu er virkelig intens og vanskelig at spille og optaget.
• Faldende handling: Fjern de dele, der krukke (eller spring dette trin over)
• Klimaks: Tilføj din specielle sauce, uanset hvad der får lyttere til at “Woo!”
• Opløsning: Angiv dit originale fragment, og sig derefter tilbage i melodien.

(Bonus peger på nørder, der har bemærket, at denne guitar solo er en sonate.)

Konflikten i de stigende handlinger beskrives normalt som “spænding og frigivelse”, og spændingen kan være alt, hvad der er urolig: travlt vs. sparsomt, funky vs lige, stille vs højt, spiller op og ned i nakken, tilføjer flere kromatiske toner eller endda spiller i en nøgle, der er forskellig fra sangen, spiller bag rytmen eller foran rytmen, langsom versus hurtig osv.

der er to vigtige aspekter ved solo: frasering og valg af gode måltoner . Brug tid på den pentatoniske skala, der arbejder på disse to aspekter.Den pentatoniske skala arbejder over de fleste akkorder i nøglen, så det er det bedste udgangspunkt. Arbejd med at lave “meningsfulde” sætninger med den pentatoniske skala ved hjælp af specifikke toner, du vælger fra den skala, som mål for at understrege og afslutte eller starte sætningerne med.

Derudover kan du tjekke en bog kaldet “Blues Scales: Essential Tools” af Dan Greenblatt. Dette er et meget godt læringshjælpemiddel til at begynde improvisation. Indse, at en blues-skala virkelig er en pentatonisk skala med en ekstra blå tone. Så dit arbejde med pentatonisk og blues skala betaler sig sammen.

Dette er lidt som dette indlæg:

Hvad er den bedste måde at lære skalaer på for at forbedre improvisation / skrivning af blygitarpartier?

Mit svar var for at “få inspiration” fra enten andre guitarister eller indefra dig selv (ved at beslutte, hvordan din solo vil lyde på forhånd). Fra det, du beskriver, har du kendskab til skalaer og teknik. Men bare at lave de “ting, du kender” virker som bare at bruge din muskelhukommelse uden virkelig at anvende noget humør. Jeg kan sige dette, for nogle gange glider jeg ind i nøjagtig den samme situation. Mit svar var at være lidt mere bevidst om, hvordan du vil have din solo til at lyde: glat, blød eller hård og blærende? Eller en blanding? og hvilket humør vil du formidle? Melodisk? Eller stump?

En anden ting, jeg har fundet, fungerer rigtig godt, når jeg spiller live solo: Sørg for, at du kan høre dig selv! Nogle gange, hvis du bliver druknet lidt, er der ikke plads til at “finde” en dejlig solo og muskel-hukommelse vilde sejre. Eller det gør det alligevel med mig.

Jeg gentager ikke svarene i det indlæg, jeg har linket, men forhåbentlig hjælper det 🙂

Jeg synes, at du skal forbedre dine færdigheder op til et niveau, hvor du kan have soloens melodi i hovedet og være i stand til at transponere det direkte på guitaren.

Dette kræver en masse øvelse.

Da min guitarlærer siger “Musikken kommer ikke fra dine fingre, den kommer fra dit hoved . ” Så at gå op og ned på skalaerne betyder ikke / gør noget (dvs. du skal ikke bare lege med fingrene og håbe på, at der kommer noget ud).

Så øv skalaerne, hør noterne du rammer i hovedet og har soloens melodi i hovedet, når du begynder at spille det. Til sidst skulle du være i stand til at transponere den solo til musik … igen med tilstrækkelig øvelse.

TL; DR :

Lær soloer, du kan lide. Øv de ting, der er vigtige for dig. Fortsæt med at øve.

Den første lektion, jeg lærte af at spille guitar, er at øvelse fungerer, men det tager tid, og der er ingen genveje.

Længere version: Hvad der fungerede for mig var at lære andre menneskers soloer, som jeg kunne lide. Og fortsæt med at øve dem.

En af de første, jeg begyndte at arbejde med, var Sultans Of Swing, fordi jeg elskede, hvor glat Mark Knopfler var i alle fyld i det Så gik jeg videre til Call Me The Breeze (Skynyrds version), fordi det var min yndlingssang på det tidspunkt (“70erne :).

Jeg gentog dette mønster når som helst jeg hørte noget, jeg ville lære og min lykke med min improvisation forbedret. Et par ting, jeg fokuserede på var at få bøjninger rigtigt, enkel formulering og evnen til at skifte mellem pick og fingre.

Det, der hjalp mig, var at tænke det som udtryk for vokalmelodien for at få ideer til solo. Brug vokalmelodien som udgangspunkt, og improvisation bliver meget lettere, da y du har et udgangspunkt. Lytteren vil høre bits af melodien i solo, som giver dem en følelse af sammenhæng med sangen. Forhåbentlig giver dette dig et udgangspunkt for at basere din solo på og føre solo til nye højder baseret på sangens melodi.