Hvad ' er punktet med andre nøgler end C og Am?

Tasterne er kun identiske på instrumenter med samme temperament, men det er de mest moderne vestlige instrumenter som klaverer. Andre blæseinstrumenter end trombonen er bygget til at være (for det meste) lige hærdet [EDIT: Jeg forenkler muligvis for meget her, se Davids kommentar nedenfor], men spillerne kan bøje pladser noget. Trombonen, alle ikke-båndede strengeinstrumenter og vokalister har mere kontrol over små variationer og behøver kun at være ensartede, hvis de “spiller med andre instrumenter, der ikke har fleksibiliteten.

Men det er ret akademisk og teoretisk. Du har ramt neglen på hovedet i dit andet afsnit. Det primære formål med flere taster er modulering inden for et enkelt stykke, men ja, nogle instrumenter lyder bedre eller er lettere at spille i nogle nøgler mere end i andre. Enhver vokalist vil have nøgler, som de har tendens til at føle sig mere komfortable og lyde bedre i. Som en generel regel vil orkestrale strengeinstrumenter lyde meget større og rigere på nøgler som D-dur, A-dur og i lidt mindre grad C -største og G-dur. Dette er fordi de åbne strenge på disse instrumenter er Es, As, D, Gs og Cs, og alle disse åbne strenge vil vibrere sympatisk med de toner, der har tendens til at blive brugt mest i disse nøgler. I den modsatte ende af spektret har Ab og Eb Major en tendens til at lyde lidt kedelige og forvirrede på disse instrumenter.

Nogle tangenter falder lettere under hænderne end andre på klaveret. For eksempel er ikke-pianister ofte overraskede over at se, at F # og C # dur / mol er relativt almindelige nøgler til sololitteratur, men det giver mening, fordi disse taster har en tendens til at føle sig godt under fingrene – især når tommelfingeren bare kan spille lejlighedsvis hvid nøgle, mens de andre fingre i vid udstrækning holder sig til de sorte taster.

Jeg er sikker på, at andre svar vil tale om andre vigtige overvejelser, men at det er en prøveudtagning.

REDIGERING: Åh , og jeg skal tilføje, at alle instrumenter har en lavest mulig note, og de fleste har enten den højest mulige eller i det mindste en højeste standard række af toner.At skrive for cello i B-dur er ofte frustrerende, fordi den lavest mulige tone er en C. uden at afstemme instrumentet. Skrivning til en Bb-klarinet (nøglen til et transponerende instrument er en helt anden dåse orme, der er relateret til, men adskilt fra, er de nøgler, du kan få dem til at spille i) i Db måske ikke den bedste idé, da dens laveste (lydende) tonehøjde er D naturlig. Etc.

Kommentarer

• Ja, violer, violer, celloer og basser har alle en åben A-streng, så den ‘ et godt valg til tuning. Normalt giver oboen en A (440 Hz specifikt til de fleste amerikanske orkestre), og strengespillerne sørger for, at deres A-strenge er i overensstemmelse med den. De indstiller derefter alle deres andre strenge i forhold til deres As. A er faktisk ikke sådan en brugbar tuningshøjde for vinden, især messingen, men tradition er tradition …
• ” Andre blæseinstrumenter end trombonen er bygget til at være (for det meste) lige hærdet. ” – forkert. At ‘ stort set kun gælder for hovedskalaen på træblæsere. Da messinginstrumenter bruger meget af ikke-oktav harmoniske, er deres skalaer bygget op omkring et antal rene intervaller. Også deres ventiler påvirker ‘ ikke relativ stigning uafhængigt, så intervallerne, der involverer ventiler, er fiskagtige kompromiser: noter med en-ventil-handling har tendens til at være noget flade sammenlignet med flere ventilbrug. Der er ofte ” ækvivalent ” fingering med forskellig tonalitet.
• Forskellen kommer kun, når du ‘ har indstillet instrumentet til en tast, men spil i en anden tast. Hvis jeg indstiller et cembalo perfekt til bare intonation på C, så vil alle andre nøgler have helt forskellige forhold, og en nøgle som F # major vil være skør vrøvl efter tonale standarder. Men vigtigere for denne særlige samtale er forskellen mellem lige temperament og de forskellige typer af godt temperament, der blev brugt i Bach ‘ s dag, såsom Werckmeister III. I disse systemer er tasterne bevidst indstillet til bestemte forskellige tegn, så alle taster kan bruges
• Det gør vi absolut. Jeg elsker at spille en dejlig stor lav D på bundstrengen og se mine D- og A-strenge vibrere næsten lige så meget som om jeg havde plukket dem. Selvfølgelig er der omstændigheder, hvor vi dæmper strenge, men det er ikke ‘ t meget almindeligt.
• Jeg kunne virkelig godt lide, at du inkluderede, at nogle nøgler bare ” føler ” pænere at spille. Da percussion percussion har det samme layout af toner som klaveret, elsker folk * at antage, at C-dur er vores yndlingsnøgle, fordi alle toner er i samme række. NEJ FOR HELVEDE! Især når du ‘ kun holder to køller, betyder C-dur, at dine køller kommer i hinanden ‘ s måde, når du spiller noget kompliceret hurtigt. E, A og Ab er alle meget pænere følelsesnøgler.

Som en person, der skriver musik, Jeg har dette at tilføje: Jeg kommer normalt med ideer til sange ved at improvisere på et klaver, indtil jeg kommer med en sætning, som jeg virkelig kan lide. Lige tilbage, da jeg begyndte at improvisere, kom jeg med nogle ideer i bestemte nøgler (for det meste baseret på, hvad der var let for mig at spille på det tidspunkt), og over tid blev følelserne i disse sange forbundet med disse nøgler for mig. Da jeg skrev flere sange, blev disse foreninger stærkere. I dag, når jeg skriver en virkelig trist sang, er min første tilbøjelighed til at skrive den i E- eller A-mol; en aggressiv eller truende sang, C eller D-mol; og en jazzet eller optimistisk sang i C- eller F-dur.

Jeg formoder, at andre komponister ender med at udvikle lignende associationer som et resultat af den musik, de selv skriver og analyserer. Dette betyder bestemt ikke, at der er noget, der i sagens natur er mere trist ved a-mindre eller aggressiv ved c-moll. Det er simpelthen nemmere for komponister at standardindstille det, som de plejede at gøre, og skader ikke noget.

Kommentarer

• Nogle gange komponere for, hvad der passer pænt på personalet med minimale hovedlinjelinjer, og flyt det derefter, hvor det skal være senere. Med andre ord rent praktisk til kompositionsprocessen . (Dit svar mindede mig om det , hvorfor du ‘ får den tilfældige kommentar. :-))
• @MonicaCellio: Det ‘ s ikke kun dig; som jeg forstår det, er det nøjagtigt den måde, Den hellige harpe bestemmer, hvilken nøgle der skal skrives hver salme i, for at spare plads på side.
• @MonicaCello, al den musik, jeg ‘ har skrevet, starter i c-dur, a-mol eller en relateret tilstand, fordi jeg skriver på en software sequencer, hvor det ‘ er det samme.Men hvis jeg overdrager det til menneskelige musikere, ser jeg ‘ hvilken nøgle der gør det nemmest at spille, givet begrænsninger som instrumentområder, vanskelige trin osv., Og forsøger at gøre det er tilgængeligt. Men indtil videre er de eneste liveinstrumenter, jeg ‘ har brugt, et legetøjsglockenspiel og et elektronisk klaver, så jeg har ikke ‘ ikke transponeret.

Her “er en rigtig nem måde at tænke på dette spørgsmål på.

Skriv en sang i nøglen til C. Transponer nu sangen op med 10 oktaver. Den er stadig i nøglen til C, men lyder den “følelsesmæssigt” det samme? Svaret er nej (faktisk vil du sandsynligvis ikke høre andet end en irriterende klynke med høj tonehøjde)

Naturligvis er forskellene mere subtile, men at flytte en tast op med en halvtone gør fysisk det samme som bevæger sig op med 10 oktaver. Du øger vibrationsfrekvensen for lydbølger, bare i mindre skala. Derfor, ja, forskellige taster kan absolut have forskellige følelsesmæssige påvirkninger

Kommentarer

• At ‘ s reducio ad absurdum . Medmindre du har en veludviklet absolut tonehøjde, som de fleste vesterlændinge ikke ‘ t har (eller nogen anden kultur uden et tonalt sprog), så er det ‘ næsten umuligt at fortælle forskellen mellem C dur og C # dur, medmindre de afspilles back-to-back. At flytte tasterne op med en halvtone er helt anderledes end at flytte den til 10 oktaver (hvilket handler om hele spektret af menneskelig hørelse).
• Jeg er enig med intet101; jeg forstår po int du ‘ er ved at lave, men i mit originale spørgsmål brugte jeg specifikt eksemplet med at lægge en eller to halvtoner op eller ned. For at svare med et eksempel på ” forestil dig at skifte op med ti oktaver ” mangler helt klart (og næsten bevidst) ånden i det originale spørgsmål .
• Når det er sagt, tak fordi du sendte dit svar! Selvom du ‘ er blevet nedstemt, er dette mere eller mindre den slags svar, vi ønsker at få på Music.SE: klar, velskrevet og let at forstå. Det sker bare så, at vi er uenige med dig, og selv de bedste, mest erfarne brugere på dette websted bliver lejlighedsvis nedstemte. Jeg håber du holder fast og poster mere her!
• Men det ‘ et velkendt trick i popsange for at skifte en halvtone, tone eller endnu mere for at give mere energi til det sidste kor. At løfte ind i den nye nøgle, selvom den ‘ ikke er langt væk, tilskynder sangeren til at lægge mere på stykket.
• Jeg tror, jeg er faktisk enig i dette svar. Sikker på, de fleste af os har ikke ‘ t har perfekt tonehøjde, men det betyder ikke ‘ t, at vores ører og hjerner ikke ‘ t opfatter ubevidst en melodi på en lidt anden måde, hvis den ‘ er skrevet i en lidt anden tonehøjde. Jeg tror, det er i det mindste en del af grunden til tonehøjdeinflationen, der har fundet sted på forskellige tidspunkter: lidt højere tonehøjde opfattes som lidt lysere, selvom publikum ikke bevidst bemærker dette.

Jeg var engang nødt til at arrangere og indspille et album til en (ret uskoleret) kunstner, der skrev sine egne sange, og de var alle i C. Efter to eller tre sange i samme nøgle mister de resterende sange meget af deres styrke, fordi øret keder sig. Ved den femte sang vil du bare ikke høre mere. (I det mindste har jeg ikke det!)

Det krævede noget at gøre, men jeg overbeviste hende om at transponere nogle få. Jeg var omhyggelig med at vælge sange, der rent faktisk ville drage fordel af transponering ved at placere hendes stemme i et mere effektivt register.

Kommentarer

• At ‘ er et fantastisk punkt – der ‘ er også det overgangsmoment, hvor en sang er færdig og den næste starter (forudsat at du lytter til albummet i rækkefølge). selvom de ‘ adskiller sig og ikke ” limes sammen ” som på Pink Floyd ‘ s Dark Side of the Moon, tansitiopn fra en sang til den næste er i sig selv en musikalsk bevægelse.

I musik med vokal vælges nøglen ofte til at tilpasse sig udøverens vokalområde. Jeg plejede at spille i et band med en kvindelig forsanger. Hver gang vi spillede covers til sange, der oprindeligt blev sunget af en mandlig kunstner, var det ofte for lavt for hende. At opsætte vokalmelodien efter en oktav ville så ofte være for høj, så vi transponerede sangen op med et par halvtoner, indtil hun følte, at hun kunne synge den komfortabelt inden for sit eget vokalområde.

Kommentarer

• Vokal – ja!Jeg ‘ er lidt vantro over, at kun to svar ser ud til at beskæftige sig med den vigtige faktor. Ren instrumentalmusik udviklede sig kun i barokperioden. Musik var traditionelt primært fokuseret på vokal – instrumenter blev primært brugt til at ledsage vokalister.
• Når jeg synger sammen med musik, hopper jeg ofte op eller ned i en oktav, fordi jeg ikke er uddannet sanger (ikke siden junior high alligevel) og jeg har ikke ‘ rækkevidden.

I musikteori har du sandsynligvis ret – for vestlig musik er det den samme skala, der bare er transponeret op og ned et givet interval. Al matematik fungerer stadig sådan. . . hvorfor?

Men når du kommer til at spille det, er det når det bliver mere tydeligt. Som dette:

• På et tastatur laver tasten en forskel på akkordens / melodiens fingering.

• På en guitar er nogle tangenter fremragende at spille i, da de giver dig fordelen ved åbne strenge. Guitarister har tendens til at skrive melodier baseret på dette — fx afhænger Hendrixs “Voodoo Chile” stærkt af en åben E-streng. Du kunne spille det i andre taster, men det lyder ikke det samme. Andre taster er sværere som E ♭ – du kan ikke bruge mange åbne strenge, og du er en halvtone under den laveste (traditionelle) guitarnote, så du kan ikke få en dyb blød tone / lyd så let.

• Vokalister har en behagelig rækkevidde, for eksempel er der en stor forskel mellem mænd og kvinder i denne henseende, eller bare Efter at have sat sig fast med mange mennesker har mænd, der synger sange oprindeligt af kvinder, generelt brug for det transponeret ned med nogle få halvtoner eller mere, og det modsatte gælder, men også nogle huys / piger kan nå noter, som andre ikke kan “t.

• Nogle taster resonerer mere med os, for som mennesker har vi en naturlig resonansfrekvens (forskellig for alle), men der er en forestilling om, at lavere frekvenser påvirker bestemte områder af kroppen, højere frekvenser andre (“mærke det i brystet” versus “piercing”). Glastonbury er fuld af bøger om, hvordan musik påvirker de forskellige kropsområder. Jeg ville ønske, jeg kunne finde det nu, men det ser ikke ud til – jeg fandt et websted, der spillede et stykke klavermusik, først i C og derefter i D som sammenligning. Selvom det ellers var identisk, lyder D-tasten mere opløftende (som det var webstedets argument). Dette er sandsynligvis meget subjektivt, men i dette tilfælde bekræftede kommentarerne under indlægget det.

Obligatorisk Spinal Tap-citat: “D-mol er den tristeste af alle nøgler”. Jeg plejede at have et citat fra Frank Zappa fra begyndelsen af 70erne, hvor han sagde noget som “du skal kunne lide D mindre meget at spille i vores band “.

Men seriøst … Jeg skriver ofte sange i lette taster for at spille på guitar eller keyboard som f.eks. E-mol eller a-mol, men når jeg optager dem, Jeg transponerer dem i henhold til de laveste og højeste tonehøjder, som jeg kan synge. Akkordpositioner på en guitar påvirker i høj grad nøglen til skrivning: der er visse meget flot lydende akkorder på en guitar, som er nemme at spille (såsom E7 / 9) som lyder godt i bestemte tangenter (D dur) og dårligt i andre tangenter (C dur).

Kommentarer

• Guitaristen Tom Morello siger i en af hans lektioner, i al alvor, ” Hvis du virkelig vil rock hårdt, skal du spille i F # “. Litteraturen, der understøtter dette krav, inkluderer ” Bulls On Parade ” (Rage Against the Machine) og ” Immigrant Song ” (Led Zeppelin).

Nøglenavne er egentlig bare en måde at definere standardtoner til typiske lige tempererede instrumenter. Nogle gange når jeg komponerede på guitar, vælger jeg simpelthen en nøgle baseret på hvor let jeg kan spille en bevægelse i den nøgle. Jeg har hørt om en kunstner, der forsøger at relatere lydspektret til lysets spektrum og henvise lyd til farver. Som “Mozart” sagde, ændrer tonehøjde følelser. Hvis du krydser ind i atonal, lyder typisk højere tonehøjder mere “spændt” og de lavere tonehøjder er mere afslappede, du kan nemt eksperimentere med dette ved hjælp af hele toneskalaen, som grundlæggende er, hvordan mest musik blev komponeret til tegneserier og nogle populære shows (star trek), nemlig scifi.

Sådan jeg gerne se ting er C3 og C4 er ikke den samme lyd, de er den samme KEY dog. Ser man på det spektrum, man vil bemærke, er C3 (~ 130Hz) halvdelen af C4 (~ 260Hz) og C5 er dobbelt så stor som C4. Når mange komponister ser på musik, ser de kun to dimensioner i cirklen af femtedele, men når jeg ser cirkel af femtedele, ser jeg mere af en spiral på femtedel, hvor den samme tone af en højere eller lavere oktav skærer hinanden ( oktav) langs 3. dimension snarere end at udfylde en cirkel.

Pitch betyder noget, og det er ofte et mistet koncept i diatonisk teori, fordi diatonisk teori virkelig forklarer noget om tonehøjde. Det forklarer snarere arrangementet af noter, og hvordan de relaterer sig til i en serie (melodi) eller i en instans (harmoni) baseret på skæringspunktet mellem tang og trug af givne bølger, og kombinationsbølgens frekvens for modulering. du ser på atonale teorier, vil du finde noget lys på emnet, og hvis du vover nok til at se på “The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization” for bedre at forklare, hvordan nøgler adskiller sig, og hvorfor toner ikke nødvendigvis er symmetriske. inden for diatonisk teori.

Lad os komme på spørgsmålet lidt anderledes. Hvilket formål gør en nøgle underskrift tjener?

Generelt – meget generelt og simpelthen – som mennesker forventer vi, at sange har bevægelse, udtrykt via spænding og opløsning. Selv mennesker, der er musikalsk uhæmmede eller selvbeskrev da “tonedøv” typisk hænges, når man spiller en skala fra tonic til førende tone og derefter nægter at spille oktav (gør re mi fa so la ti ………….. ???)

Hvis jeg etablerer en bestemt tonalitet eller nøgle omkring hvilken rodnote jeg vælger til dagen, og Jeg spiller en V7-akkord, de fleste lyttere forventer, at sangen til sidst (og relativt hurtigt) kommer tilbage til I-akkorden. Den fulde kadence V7 -> I er drivkraften bag en masse vestlig musik – så meget, at det tvinger spillerne til at bruge den til at træde uden for nøglen af hensyn til bevægelsen for at dukke op til andre akkordændringer. p>

Overvej en 12-bar blues, der bruger en række b7 akkorder. Hvis vi holder os til fru Oldfaces musikteori-klasse fra gymnasiet, bør det, når vi ser en dominerende syvende akkord, være et kæmpe flag, at man er i en nøgle, der er en perfekt fjerde højere end akkordens rod (eller ah , en perfekt femte ned antager jeg, afhængigt af hvordan du har det. Men når vi f.eks. er i C, og vi bruger C7 til at “forudsige” IV – F – kun for at vende tilbage til jeg og derefter flytte til den virkelige V, idet jeg er G – pludselig går vi ud i tulleland hvad Granny Oldface angår. Det dominerende syvende interval har ingen forretning i det halve kadence – men selvfølgelig er en C7 -> F-progression helt normal, hvis vi er i F-dur . Med andre ord, hvis de holder fast ved ideen om, at en nøgle skal herske over dem alle, er den eneste gang verdens musikteori-stickere “lader dig slippe væk med det”, når du “bevæger dig fra V til I.

Så, modulerede sangen til F i 4 søjler? Er det en nyttig tilgang til at spille, arrangere eller improvisere i forhold til 12-bar blues-eksemplet? Eller i stedet gjorde komponisten / bandet / hvem der bare brugte med den opfattelse, at enhver akkord med en tritone i den kan bruges til at “trække” lytterens øre fra hvor sangen er nu, til hvor sangen skal hen?

Nu inviterer tritoner en masse tangentielle diskussioner om andre ideer som akkordudskiftning og det (spændingen i BF-intervallet løser sig lige så let til C som F #), og jeg vil ikke bare gå overalt. Men hvis vi undrer os over hvorfor en nøgle er ikke bedre eller værre end alle nøgler, overvej et sekund, at nøglesignaturer kasseres så let, som de overholdes, uden at inducere kakofoni i processen ss.

Dette forklarer ikke, hvorfor hver sang ikke er i C, da dette alt sammen bare kan ske i C, og vi kan bare fortælle folk at skubbe af, når vi spiller en Bb i en sang i forhold til C-dur. Men det illustrerer på en rundkørsel, at det at antyde en streng tonalitet af “X Major” og dens relative minor praktisk talt er en regel, som “er lavet til at blive brudt, netop fordi V7 -> I spænding og opløsning er en stærk metode til at informere lytter til dit næste træk og som sådan at kun anvende det på G7 -> C i al evighed ville være uheldigt.

Så det er ikke meget svært at forestille sig, selvom det bare er noget hyperbole på dette tidspunkt, at i en imaginær verden med 12 toner, men kun 1 nøgle, at en spiller et eller andet sted måske indser styrken af den tritonopløsning og siger til sig selv, “Hun. Jeg kan bruge en I7 til at signalere et træk til IV-akkorden , Jeg spekulerer på … jeg spekulerer på, hvor andet jeg kan gå … “

Hvilket interessant spørgsmål!

Den primære årsag er, som komponister har nævnt mange gange, at modulere til andre nøgler. Et stykke kan blive forfærdeligt kedeligt, hvis det hele er i C-dur. For eksempel er det meget almindeligt for et stykke i C dur at modulere til G dur (den dominerende), F dur (underdominanten) eller en mindre (den relative mindre), da disse nøgler alle er tæt beslægtede med originalen.

Der er dog andre grunde. For et par hundrede år siden blev visse nøgler antaget at have forskellige betydning (undertiden modstridende). For eksempel var C-dur “ren” eller “livets nøgle”.Og jeg må indrømme, at jeg som komponist har en tendens til at forbinde forskellige følelser med forskellige nøgler, selvom jeg er sikker på, at dette stort set kun er min fantasi. Jeg tænker på E Major som meget spændende og glad, endda fjollet til tider; E mindre som ondskabsfuldt; C Major som uskyldigt og festligt; Bb mindreårigt som meget mørkt, truende eller rugende og så videre.

For det tredje er der visse nøgler, der oftere bruges til visse typer musik. Dette skyldes sandsynligvis de instrumenter, der typisk spiller den slags musik. Meget populær musik er skrevet i E, A, D, B eller lejlighedsvis G, fordi det er de nemmeste nøgler for guitarister at spille med med standard E-tuning uden capo. Meget cellomusik er skrevet i C, G eller D, fordi det er lettere at spille akkorder med åbne strenge i, og strengene på en cello er slået til C, G, D og A. Mange marcher og andre typer militærmusik er i Eb og Bb Major, fordi de bruger masser af messinginstrumenter nd tubas har typisk en åben tonehøjde på Bb uden at trykke på ventiler, så det er lidt lettere at spille i den nøgle. (Faktisk er trompeter i C også meget almindelige i disse dage.) Men du finder ud af, at marcher og trompetmusik for 200-300 år siden ofte blev skrevet i D-dur. Det skyldes, at trompeten i D var meget almindelig, og den havde ingen ventiler på det tidspunkt, så den kunne kun spille D harmonisk rækkefølge .

Lyder en komposition skrevet i C-dur følelsesmæssigt forskellig fra en komposition skrevet i D-dur (bortset fra en lille forskydning i tonehøjde)? På ethvert ægte instrument lavet af ægte fysiske ting som træ og metal og strenge, ja det gør det absolut.

Ethvert ægte fysisk instrument vil have en hel masse subtile og ikke så subtile resonanser ved mere-eller -løse faste tonehøjder, der afhænger meget lidt af dens indstilling, og disse vil interagere med harmonerne i de toner, der spilles på måder, der gør hver tone til en tydelig tonehøjde afhængig af tonehøjde. Det er derfor en god elektronisk klaver baseret på omhyggeligt simuleret vibrationsfysik lyder som et klaver, mens et lort baseret på tonehøjde prøver fra et ægte klaver lyder lidt underligt og skævt og forfærdeligt.

Lignende effekter forekommer af lignende grunde, når du tager også højde for resonanserne i lytterens egen krop og ører og auditive hjerne. Vi er ikke alle udstyret med perfekte Bruel & Kjær-referencemikrofoner, og disse forskelle gør forskelle.

Amatørsangere ser ud til at synge nøgler omkring G. Hvis du ser på salmebøger, er de ofte i nøgler som F, Gb, G, Ab og A. De er sjældent i C. Jeg tror, at professionelle eller uddannede sangere har udviklet en rækkevidde til, at de for det meste ikke bryr sig, men den slags mennesker, du finder i kirken en søndag morgen, kan muligvis ikke synge høje eller lave toner.

Jeg spiller til nogle Morris-dansebegivenheder. Nogle af melodierne er i D og har ord, som danserne synger, før de danser. (Jeg tænker på The Fox fra Ducklington eller Bonny Green Garters fra Bampton, hvis du ved hvad det betyder.) Når jeg spiller melodierne i D for at få dem i gang, kan de ikke synge, fordi de er for høje. Så jeg spiller dem i G eller A, og så, når dansen begynder og sangen slutter, skifter jeg til D. Ingen ved andet end mig, for jeg er Johnny Cash. Også danserne er generelt for fulde til at bemærke det nøglen har ændret sig, og publikum er for forbløffet over, at folk, der er berusede, kan stå uden at vælte. Det er alt, hvad jeg ved.

Der er også certianl konnentationer til forskellige nøgler – og forskellige komponister kan lide at skrive i forskellige. Brahms elskede for eksempel nøgler med mange skarpe eller flade (C skarpe eller G flade). Nogle komponister har brugt dette med stor effekt, Sibelius “syvende symfoni – i C-dur – er et ironisk valg, tilsyneladende enkelhed skjuler en stor rigdom af kompleksitet.

Pointen omkring rækkevidde af instrumenter er godt lavet – og især vigtigt, når du skriver sange, da rækkevidden af forskellige stemmer kan gøre forskellige nøgler særligt nemme eller svære at synge. Skrivning i ekstreme intervaller af instrumenter og stemmer kan være spændende og spændt, og det kan hjælpe med at vælge den rigtige nøgle.

Kommentarer

• er et ironisk valg, tilsyneladende enkelhed skjuler et stort væld af kompleksitet Musiks kompleksitet eller enkelhed er ikke bestemt af nøglesignaturen. At ‘ blot er et spørgsmål om, hvor let eller svært det kan være at læse. Der er ikke noget ved C-dur, der nødvendigvis er musikalsk mere simpelt, at F # minor f.eks. Bare tager lidt mere arbejde og ekspertise for at sprænge disse dybder. Bortset fra idiosynkrasierne i vores notationssystem er alle nøgler ens med hensyn til potentiel kompleksitet eller enkelhed.

Lidt tangentielt, måske, men en idé, at prøve at besvare spørgsmålet. Prøv at synge en velkendt første linje fra en sang. Optag det, og kontroller dets nøgle mod kendt tonehøjde. Bemærk det (sic). Gentag det dagligt uden henvisning til andre musikalske lyde. Bemærk hver tast. Sats på, at det ikke er det samme hver gang! Prøv igen, efter at have hørt en anden melodi. Sats, at du synger med samme nøgle som den sidste melodi!

De fleste mennesker, selv sangere, lægger ikke en sang de kan syng i den samme nøgle hver gang, medmindre- a. de har et referencepunkt, eller b. de har absolut tonehøjde. Bortset fra alt dette kunne ikke mange mennesker spille / synge en bestemt melodi kun i Cmaj. eller Amin. for alle de ovennævnte grunde.

Klaverer og (andre instrumenter) er ikke “perfekt” tunede. Begyndende med en note ( sig midten C) kan du finde frekvensen for en oktav højere ved at fordoble frekvensen. Du kan finde frekvenserne på de andre toner i skalaen ved yderligere beregninger.

Men pointen er, at hvis du derefter starter på en anden note og prøv at konstruere skalaen (startende med den rodnote), så vil positionerne / frekvenserne for de andre noter i skalaen være lidt forskellige sammenlignet med de frekvensværdier, du har beregnet for C majo r skala.

Hvis du konstruerede et klaver på disse principper, der var perfekt indstillet til C dur (ved hjælp af Just Tuning ) det lyder lidt “off” ved at spille skalaer i andre taster.

Den moderne tuning af klaverer (og andre instrumenter) er baseret på et kompromis, der får alle taster til at lyde rimelige – men der er mikroskopiske forskelle i intervallerne for de forskellige nøgler – hvilket resulterer i lidt anderledes “følelse” for hver nøgle.

Kommentarer

• Se ‘ Naturlige vs. tempererede halvtoner ‘ svar af hvede.

Hvis sangen er guitarorienteret, bestemmer nøglen, forudsat at du ikke vil bruge en capo, akkordens smag, da forskellige akkorder bruger en række forskellige strenge og forskellige på en guitar kombinationer af toner fra lav til høj. Men det virkelige svar på dit spørgsmål er enten 1) at vælge en behagelig nøgle til at synge i, 2) at skabe den mest behagelige (for dig) atmosfære til guitaren. Men for at gøre et langt svar kort, skal du vælge en nøgle, fordi det simpelthen lyder godt for dig, og det er det eneste kriterium, du har brug for. Jeg vil kun tilføje, at med guitar er alternative tuning også en mulighed og kan være sjovt at udforske Hvis du f.eks. Vil spille i Eb og stadig få den fulde lave rodnote, kan du indstille hele guitaren i standard et halvt trin ned, som Stevie Ray Vaughn var kendt for at gøre. Drop-D, tuning af lav E-streng ned ad et komplet trin, er meget udbredt til at give en lav rodnote i nøglen til D. Eksempler på dette er “Dear Prudence” af Beatles, “The Chain” af Fleetwood Mac og “Ohio” af Neil Young Der er også åbne tuninger, G og E er sandsynligvis de mest almindelige. Og så er der DADGAD, som er en helt anden verden, men meget sjov at udforske. Dette er primært en akustisk folkemusikindstilling, men blev brugt med elektrisk guitar på Led Zeppelin sang “Kashmir.” Der er også EBDGAD. Denne tuning blev brugt til sangene “Deja Vu” af CSNY og “Sex Kills” af Joni Mitchell.

Hvad er pointen med andre nøgler end C og Am?

Svaret skal være indlysende: at høre andre toner, som C D E F G A B.

A bit subtilere er pointen med at høre andre tonecentre end C og A.

Subtler er stadig følelsen af kontrasterende tonaliteter. C dur og A mindre giver kun mulighed for kontrast til den relative mindre, som har en særlig følelse. Kontrasterer C med G eller C med D mindre og så videre har hver deres forskellige følelser. Du kunne ikke opnå disse forskellige følelser med kun to taster.

Der kunne laves en masse analogier til andre sanser end lyd. Hvad er pointen med, at en kunstner bruger farve, de kan bare bruge sort & hvid eller sort / hvid? En kunstner kunne gøre det – nogle gange gør de det – men de må ikke begrænse sig på den måde for hele billedkunst!

De forskellige store / mindre nøgler er ikke mere overflødige i musik, end en rød eller blå cirkel ville være overflødig i billedkunst. Formelle ligheder don ” t gør tingene overflødige. Formelle ligheder gør tingene relaterede og disse forhold er nogle af de vigtigste faktorer i kunstens opfattelse.

Nøglen er én ting, så har du forskellige skalaer. Visse musikgenrer afspilles i bestemte skalaer. Du kan spille blues i A-mol, D-mol eller hvilken tangent du vil, men det vil ikke lyder som blues, hvis du ikke følger en bestemt skala. For eksempel har du diatoniske bluesharper tilgængelige i forskellige nøgler og kromatiske harper, der giver dig mulighed for at spille i de nøgler og skalaer, du ønsker. Den første bruges normalt i bluesmusik, den anden er mere til klassisk musik.

Det er mit synspunkt og min egen erfaring … men musik i C-dur lyder som vuggeviser for børn eller børnesange, A-mol lyder lidt blød, D-mol lyder lidt trist, C mindre lyder for mig lidt mere munter. Hvis du kun spiller på de sorte taster, lyder det som asiatisk musik.

Desuden, hvis musikken kun var begrænset til 2 taster … ville det miste alt dets kreativitet. Efter et stykke tid ville alt lyde det samme.

Jeg vil foreslå, at der er tre kilder af denne såkaldte “nøglesymbolik”:

1. De faktiske forskelle i tonehøjde, f.eks. tag den rige D-dur dur triade, der afslutter et romantisk klaverstykke som Chopin “s” Fantaisie-Impromptu “og transponerer det op eller ned en stor tredjedel og bemærker, hvor” mudret “det er i A, og hvor” lavt “det er i F.

2. Konventioner og foreninger i komponistens sind, ofte som følge af nøglepræferencer for bestemte instrumenter, fx: C dur foreslår chil dren lærer at spille klaver, D-dur er Hallelujah-koret, Es-dur er et marcherende band osv.

3. Forholdet mellem lyd og den trykte note. Jeg har ikke hørt det før, men det synes plausibelt, at mens man lytter til en musikalsk forestilling, mens man ser på partituren, måske nogle mennesker kommer op på den måde, at mange af noterne i E-dur “springer” ud af vores forventninger til den linje eller plads på personalet, og omvendt i E-dur er mange toner “deprimerede” nedad fra forventet tonehøjde.

Jeg kan kun tale for mit eget instrument, men jeg synes ikke, det er unikt for guitar. Der er bestemt også praktiske overvejelser, der er specifikke for instrumenter, når man overvejer nøgler.

For eksempel er klavermusik relativt åben med hensyn til nøgle, men for guitar ønsker man altid at gå til de naturlige guitarnøgler (E , A og D)

Afspilning af guitarmusik i C vil være vanskelig, fordi c-mol har en Eb og standardindstillingen af guitaren har E naturals. Du kan naturligvis indstille hele din guitar et halvt trin ned for at få dem til Eb i de åbne strenge, men hvis du kommer til dette punkt, ville jeg tro, at det ville være meget lettere at bare transponere uanset hvad du spiller til E og holde tuningsstandarden.

Også for stemmemusik tror jeg, at en nøgle med mange skarpe eller flade gør tingene meget svære for sangere.De har ikke nogen nemme måder at få intonation på, så det bliver mindre svært for dem bare at vælge en simpel nøgle ville være godt.

Jeg renser dette for at være et resumé af, hvad jeg virkelig synes, når jeg har tænkt over det, spillet rundt på mit tastatur osv .; den grundlæggende besked er den samme.

• Taster, der har enkeltbogstavsnavne som “A” og “D” og skarpe i deres nøglesignaturer lyder lyse, optimistiske osv.

• Taster, der har flader i deres nøglesignaturer, lyder kedelige, nostalgiske, svage osv .; disse taster inkluderer F og alle tasterne med flader i deres navn (Bb, Eb osv.)

• Tasterne med navne som Bb, Eb osv. har skarpe navne, også (A #, D # osv.), men dette ændrer ikke det faktum, at nøglen, under ethvert navn, dybest set har en flad lyd. Dette er grunden til, at flade nøglenavne traditionelt bruges, f.eks. musikstuderende lærer Bb tidligt , med A #, der er stødt på senere, hvis overhovedet.

Jeg tror, dette sandsynligvis kan forklares med hensyn til gennemsnitsfrekvensen for alle toner, der spilles i en typisk sang i nøglen, hvis du fjerner oktavforskelle (f.eks. alle Som bliver 440Hz).

Der er en Microsoft-reklame på tv lige nu, der eksemplificerer dette. Det tager sangen “Perfect Day” af Lou Reed og transponerer den fra A Minor / C Major til F. Resultatet er bare latterligt fladt … Jeg vidste det øjeblik, jeg hørte det, at sangen var blevet transponeret til en flad nøgle. Det overrasker mig, at nogen vil argumentere for dette.

Edit : Jeg lyttede til noget musik og hørte en anden, der er i en rigtig flad nøgle: “Svag” af SWV. Dette er i Eb-dur (C-moll). Så snart jeg hørte det, kunne jeg høre fladheden, så jeg googlede det.

Kommentarer

• Så for at være klar, tror du kan du høre forskellen mellem F # dur med seks skarpe og Gb dur med seks lejligheder?
• Pat, er du ikke ‘ t du taler om den samme nøgle der? Jeg hævdede aldrig at være i stand til at høre forskelle, hvor de ikke findes ‘. Hvad jeg ‘ siger, er at hvis du tager en sang, som ‘ s normalt er i, sig, A Major og læg den i, sig , E-dur, jeg vil opleve en ændring i sangens følelse. Jeg ‘ gør også påstanden om, at disse ændringer i det mindste er noget forudsigelige. Dette er uvidenskabeligt, men også mere præcist end de svar, der gives, hvilket virkelig synes (forkert) at bekræfte ” nullhypotesen ” fra det oprindelige spørgsmål, dvs. at det at have forskellige taster er noget meningsløst.
• Jeg ‘ Jeg prøver at forstå din påstand om, at nøgler med mange skarpe lyde anderledes end nøgler med mange lejligheder. Du sagde, vi hører skarpe så skarpe og lejligheder som flade. Hvis det ‘ er sandt, skal ikke ‘ t Gb- og F # -tasterne lyde anderledes? Da du er enig med mig i, at det ville være latterligt, så skulle du måske formulere det anderledes?
• Omformuleret det … nysgerrig efter at læse dine tanker!
• OK, så først slukket, når du ‘ taler om en sang, du kender i en tast, der afspilles i en anden tast, taler du ‘ om en relativt fænomen, og ingen her hævder, at det ikke har nogen effekt at høre en tast i stedet for en anden eller flytte fra en tast til en anden. Spørgsmålet drejer sig om at skabe et stykke i A Major vs. skabe et stykke i Bb. Du siger, at Lou Reed-sangen oprindeligt var i ” En dur / C-mol ” men nu lyder det fladt for dig i F dur, men c mindre har faktisk 3 lejligheder i modsætning til F dur ‘ s 1, så jeg ‘ er ikke sikker på, hvorfor F Maj lyder fladere for dig end C min (eller hvorfor sammenligner du ‘ min til maj)