Hvordan kan jeg lære at komponere?

Jeg begyndte at skrive dette i afsnit, og det er blevet usammenhængende og samlet (som det meste af min skrivning …), så jeg har kondenseret det til et par punkter, men jeg foreslår at vælge gennem min fulde forklaring.

Jeg vil foreslå følgende:

• Klaver er et fantastisk instrument at lære, fordi du ikke behøver at være forbi begynderniveauet for det for at hjælpe med din komponering.
• Lær musikalsk notation, så du har en måde at skrive melodier ned i dit hoved og dele dem med anden musik ians.
  • Kend til personalet , tidssignaturer og grundlæggende rytme og tonevarighed og du kan skrive de fleste grundlæggende ideer ned .
• Start med monofoni eller enkelt, uden ledsagelse melodi.
  • Mest harmoni kræver en grundlæggende forståelse af musikteori, og det kan skade dig, før du selv lægger noter på papir.
  • Derudover kan du altid gå tilbage og tilføje harmoni til ethvert monofonisk stykke.
• Musescore er et gratis stykke software, der hjælper med musikalsk komposition, og det er værd at kigge på, selvom der kræves en grundlæggende forståelse af teori for ikke at blive frustreret over det. / li>

Og den fulde tekst:

“Musikteori” er en super bred kategori. Du kan skrive enkle og endda noget komplekse melodier uden at vide meget om det. “Musiknotation” er dog mere specifik, og det er her, jeg starter.

Alle de store komponister jeg kender

• Spil eller i det mindste kend til mindst et instrument
• Ved hvordan man noterer sangene i deres hoved i mindst en eller anden form

Når det er sagt …

At komponere er kunsten at nedskrive sange i dit hoved. Du kan have melodier i dit hoved og endda være i stand til at spille dem eller synge dem, og du har allerede det første trin ned. Skønheden ved musikalsk notation er at kunne bevare disse melodier, så de aldrig bliver glemt.

Når det er sagt, vil jeg foreslå, at du har en grundlæggende viden om personale (hvor pladserne er noteret i standard musikalsk notation, hvilket jeg foreslår at lære, fordi du synes at være interesseret i orkestermusik), tidssignatur (takten og jævn, du kan sige “musikens kronologiske domæne”) note varighed (hvor meget af det “kronologiske domæne” hver note optager).

Med disse grundlæggende værktøjer kan du skrive sangene ned i dit hoved. Hvordan får du disse sange i dit hoved nu?

Det er en fejl, jeg har antaget, at komponering handler om formler. Naturligvis er der masser, du kan bruge, men den måde, jeg det er at vælge en melodi, der springer ind i dit hoved. Bare tilfældig o Jeg “melodi, der springer ind i dit hoved. Nu, til dine formål, og da det ville være lettere for dig at lære musikteori på et behov for behov-basis, ville jeg holde mig til monofoni først (enkelt melodi uden akkompagnement). Skønheden ved dette er, at du altid kan vende tilbage senere og poppe akkorder eller kontramelodier ind, når du føler behov for det, men det er tilfredsstillende at lægge noterne ned og høre noget sammenhængende.

En sidste argument for at lære musiknotation er, at når en melodi er skrevet ned, vil enhver musiker ( de fleste musikere) være i stand til at spille det ved at læse, hvilket betyder, at du ikke behøver at gøre en akavet, ” Nå, det går sådan her … “

Nu, hvad angår læring af et instrument, foreslår jeg, at du får en grundlæggende viden om klaver keyboard, fordi det er så simpelt, men det hjælper enormt i din forståelse af toneverdenen. Jeg spiller næsten ikke klaver (næppe ud over 3. børnebog i mine studier ;-P), men jeg kan bruge en korrekt kropsholdning / teknik til at slå melodier ud i mit hoved, og det at visualisere tastaturet hjælper med mange koncepter, som jeg ellers ikke kunne forstå.

Et fantastisk stykke GRATIS software til at hjælpe med din komposition er Musescore, selvom det bruger meget terminologi og kræver en grundlæggende forståelse af musikteori. Men det er GRATIS! og derfor værd at kigge på eller downloade, alt efter tilfældet …

Kommentarer

• så du siger, at den lange version er en ” gener ” for at læse … vittigheder til side Jeg er enig med monofonietilgangen. Start i det små og arbejd dig op. At komponere til orkester kan være en skræmmende opgave for selv erfarne arrangører / komponister. Jeg startede faktisk med SATB-korpartiturer, og jeg fandt, at det var en god læringsoplevelse.
• Lav komponister lag på musikken. Så hovedmelodien først. Så strenge, så messing, så percussion og så videre ….? P.s. tak for dit svar. Hjalp meget !!
• @SaggingRufus Ja, i påvente af mine vanvittige skrifter ‘ færdigheder valgte jeg et chill brugernavn … Helt forsætligt. 😉 Jeg holder mig normalt til solo-violin eller klaverpartiturer … Hold tingene enkle for mig.
• Du kan også gøre det modsatte og starte med en akkordprogression og vælge en melodi, der komplimenterer det. Jeg laver typisk akkompagnementet først, derefter melodien, men begge er gyldige
• Jeg ‘ har ryddet nogle kommentarer her. Indsend venligst ikke personlige oplysninger her.

Velkommen til musik: Øv & Teori!

Jeg er enig med det meste af det, TopoMorto sagde i sit svar, og jeg vil kun give dig lidt mere information og ideer og noget af min egen erfaring som tip.

• Melodien

Næsten altid den melodi er den vitale del af enhver musik. Jeg antager, at du altid har nogle melodier, der spiller i dit hoved! Det ved jeg! Bestemt det er her, jeg begynder, når jeg har en melodi.Jeg tager klaveret eller guitaren, hvis jeg har dem ved hånden, og begynder at spille melodien og finder disse toner i mit hoved og intervallerne. Eller jeg begynder bare at skrive disse noter i Guitar Pro, hvis jeg ikke har noget instrument ved min side. Hvis min melodi passer mig, lader jeg det være, som det er, ellers begynder jeg at tænke på at ændre noget af det nogle steder for at gøre det mere interessant.

• Harmonien

Når jeg er færdig med melodien (det kunne være, hvordan teksterne forresten skulle lyde), begynder jeg at finde gode og interessante akkorder. Jeg spiller dem på forskellige måder i forskellige variationer. På et liveinstrument der udgør en melodi og harmoni går normalt sammen. Nogle gange begynder jeg med rytmen, når jeg ikke er sikker på, hvad jeg gerne vil have til sidst.

• Rytmen

Normalt en gang jeg har en harmoni og en melodi jeg tænker på en rytme. Jeg tænker på, hvordan sangen skal gå, hvor hurtigt eller langsomt, hvad der skal stresses, og hvilken slags percussion der kan være.

• arrangement

Dette er den mest interessante del for mig. Når jeg har en grundlæggende harmoni, rytme og en melodi klar, begynder jeg at arrangere mit stykke. Jeg tager andre instrumenter og spiller noter, akkorder, riffs osv. For at tilføje elementer til sangen. Jeg tilføjer anden harmoni undertiden og anden rytme og søger efter lyde og ideer, der gør sangen interessant. Når jeg har tilføjet nogle andre instrumenter, ser jeg normalt på mine tidligere spillede eller scorede dele og ændrer dem nogle gange.

• Effekterne

Dette er valgfrit, men nogle gange kan jeg godt lide at bruge effekter i min musik. Ofte starter jeg hele ideen om en sang med en effekt.

Dybest set handler det om en god melodi og et dejligt arrangement. Jeg lytter ofte til anden musik, som jeg kan lide, og analyserer den. Først da jeg lærte at komponere, kopierede jeg mest mine yndlingsbands og komponister.

At score et stykke komponerer ikke … du skal allerede have det stykke, du ønsker at score. Og det er normalt simpelt, når du ved, hvad hvert instrument skal spille. Grundlæggende i at score den sværeste del er at vide, hvordan man skriver noterne og elementerne på kløfterne og personalet. At vide, hvordan man viser spilleren, hvad du vil have ham til play. Jeg mener, du behøver ikke kun at skrive de korrekte toner, du spiller, men også de stress, du laver, og effekterne såsom tremolo og vibrato og fade in / fade out effekter såvel som mange mange andre.

Jeg giver dig et eksempel på, hvordan jeg skriver musik:

Jeg starter med en guitar eller klaver (disse er mine vigtigste istrumenter). Jeg begynder at synge eller nynne en melodi og bare spille (improvisere) og søge efter en interessant akkordprogression, hvis jeg ikke har nogen idé i mit hoved. Hvis jeg har en (måske en tekst), begynder jeg at synge melodien eller teksterne og begynder at lede efter en harmoni på samme tid! Når jeg først har fundet den grundlæggende harmoni, og melodien er okay. Jeg begynder at spille i forskellige stilarter og tilføje ekstra akkorder og toner. Jeg begynder med at spille for det meste enkle akkorder og ingen arpeggioer eller lignende. Når jeg har nogle gode interessante akkorder, optager jeg normalt Efter at jeg har optaget, spiller jeg det og lytter … og fortsætter med at improvisere i mit hoved. Hvis jeg føler, at jeg har set et interessant øjeblik .. stopper jeg og spiller den rolle med den nye idé. Efter at jeg har fået stykket til at se godt ud for melodi og et instrument harmoni. Jeg begynder at spille et andet instrument til musikken og opretter et arrangement. Jeg tapper en rytme og tænker på en baslinje osv. I løbet af hele processen kan jeg ændre mit hovedinstrument flere gange, hvis et eller andet sted en tone er foruroligende eller ikke lyder rigtigt med andre instrumenter. Jeg gør ofte alt det for en meget lang tid. Når jeg har skrevet det meste af musikken, begynder jeg at tænke på en solo og effekt Hvis jeg vil. Normalt tager en solo meget tid, hvis jeg ønsker at gøre det virkelig interessant og ikke bare en simpel improvisation. ændre harmonien er nogle steder i henhold til en solo-bygning. Til sidst får jeg et godt godt arrangement klar til hele mit band kan spille. De fleste af mine arrangementer findes i mit lager i gp Guitar Pro 7-format.

Kommentarer

• @topo Dette er perfekt. Tak hr. Er akkompagnementet det samme som harmonien? For eksempel i: Bring ham hjem (fra les mis) har du hovedtangen, men er alle tingene nedenunder, de små dikkedarer, hvis du vil, hvad hedder de?
• I ‘ har tagget Topo, også for hans mening sir; mens jeg stadig også ville elske din kommentar
• @cmp Det, du sagde, er helt sikkert et akkompagnement .. Harmoni er dette ( ordbog.com / browse / harmoni )
• @cmp ordet ‘ harmoni ‘ kan betyde forskellige ting ; det henviser ofte til det let abstrakte begreb ‘ lyden af de musikalske dele sammen ‘, hvilket resulterer i ‘ gode og interessante akkorder ‘ som SovereignSun nævnte. Folk taler også undertiden om en ‘ harmonidel ‘, som (forvirrende) ofte er en melodisk linje, der ikke er hovedmelodien. Må ikke ‘ dog ikke blive hængt op på definitioner!

Lyt til musik. En masse. Enhver form for musik fungerer – klassisk, jazz, rock – hvad som helst! Dette kan hjælpe dig med at få ideer, finde din smag, inspirere dig osv. Jo flere forskellige komponister du kender, jo lettere bliver det for dig at starte. Du kan også begynde med at tage et stykke musik og skrive variationer til det – tilføje / slette / ændre toner, ændre tempo, tilføje instrumenter og andre ting, du kan tænke på. Til sidst kan du komme så langt væk fra det originale stykke, at det ikke kan genkendes!

At spille et instrument hjælper også, da du vil være i stand til at spille dine kompositioner og ændre dem, hvis du ikke kan lide hvordan det lyder. Dette hjælper dig med at undgå at skrive musik, der er umulig at spille – dvs. 12-akkorder til klaver. En anden fordel ved at spille et instrument er, at du bliver nødt til at lære det grundlæggende i tonelæsning og musikteori, så at komponere dit første stykke bliver lettere.

Det vigtigste er sandsynligvis at få ideer. Hvis du har en idé, men ikke ved, hvordan du skriver den ned, er det bedre end at kende musikteori og have et blankt sind. Du kan købe musikteori bøger, tage en klasse eller se nogle videolektioner – selvom jeg vil anbefale at tale med en faktisk lærer, så de kan besvare dine spørgsmål.

Held og lykke!

Kommentarer

• Ooh, dang, det ville jeg sige. At lytte er super vigtigt.

OK, jeg begyndte at lære mig selv komposition for omkring 45 år siden. Jeg spillede træblæsere, så jeg var ikke helt til søs, men mine første forsøg på harmoni brugt en masse sekunder ikke særlig vellykket. Jeg kiggede efter almindelig praksis-harmoni for at begynde at få fat på dette, og da jeg var ung i begyndelsen af 70erne, så jeg også noget forbi CP-harmoni.

Jeg begyndte at arbejde på kontrapunkt. her lignede meget hvorfor jeg ønskede at gå på livsteknik på universitetet på trods af at jeg primært var en abstrakt kunstner: Ved at arbejde under bestemte, velforståede begrænsninger kunne jeg (og gjorde) lære at få mine materialer til at gøre hvad jeg ville have fra dem. Det er det egentlige punkt i akademisk uddannelse – ikke et sæt regler, som skal overholdes, men kompositionskalistik. (“Reglerne” præsenterer dig også med brugbare løsninger på problemer, der gentages ganske ofte. Nogle gange er det ikke værd at genopfinde hjulet.)

Visse begrænsninger kan du dog ikke undslippe. Hvis du skriver for orkester, du skal vide, hvad instrumenternes begrænsninger er, og hvordan de balancerer med hinanden. At lære et instrument er godt for dette: du lærer dybt inde i knoglerne, at instrumenter har meget tydelige styrker og begrænsninger, og du lærer at skrive til de instrumenter, du ikke spiller med en vis omhu og respekt efter behørig forskning. For eksempel, hvis du gør noget så ekstremt som at skrive en staccatissimo seks-tone akkord for den ene hånd ved klaveret, havde du bedre forbandet godt, sørg for at det er muligt for mindst en finger at spille to (hvide) nøgler sammen, eller ingen vil beskylde pianisten for at komme efter dig med en blodig stor pind. : D

Det ideelle er, at du lærer at komme ud af, hvad der er i dit hoved, og at det, du skriver, når ud til både kunstnere og et publikum. Det er idealet – du når måske aldrig fuldt ud, men ideen er at have det sjovt undervejs. Hvis du ikke nyder rejsen, er det ikke værd at gøre.

Jeg vil ikke fortælle dig, at du skal starte med monofoni (jeg selv ikke), men jeg vil heller ikke fortælle dig, at du ikke skal – prøv at skrive, hvad der er i dit hoved, og prøv derefter at ordne lakunerne der forhindrer dig i at opnå dette. Hvis det, du hører i dit hoved, er simpelt, så skriv enkelt; hvis ikke, skal du være ambitiøs og give det et skud. Du bliver måske nødt til at lægge skitser til side, indtil du er musikalsk moden nok til at håndtere dem. Du ville ikke være den første person til at gøre det, så ingen bekymringer, hvis det sker.

Læs bøger og partiturer som Billy-be-damned, idet du husker at ingen af dem vil præsentere dig for en tryllestav til at løse alle dine musikalske problemer.Prøv at undgå en sequencer-orienteret output – der er de ulige lejligheder, hvor du af praktiske grunde skal dispensere med kunstnere, men sekvenser kan ikke vokse; en score, der fortolkes af kunstnere, kan og gør. Jeg bruger sekvenser meget strengt som en ru guide til kunstnere om, hvordan et stykke vil lyde. Jeg siger “groft” med råd: sekvenser vokser ikke kun, de trækker heller ikke vejret meget godt.

Øve, øve, øve.

Kommentarer

• Nogle typer musik er mere sequencervenlige, men din overordnede pointe om sekventeret musik mangler slags pointen er godt lavet. +1
• Ja, @ToddWilcox, der er ‘ helt sikkert et sted for alt, men det bedste jeg ‘ ve nogensinde set for sløjfer og sekvenser har været Robert Fripp, og han skaber dem på sin guitar i realtid … Det trækker vejret.

At lære et instrument vil gøre det meget lettere at komponere, delvis fordi du lærer, hvordan musiknotation fungerer. Det udsætter dig også for masser af instrumental musik. Som amatørkomponist (og medlem af gymnasiet) foreslår jeg, at jeg lærer et instrument, før jeg komponerer. Jeg spiller kun to instrumenter, så med den begrænsede viden, jeg besidder, kan jeg give dig dette lille tip: Hvis du er interesseret i at spille en saxofon, skal du først lære klarinet. At lære at spille klaver ville hjælpe dig meget, men at lære et instrument, der er en del af et koncertband / orkester, vil give dig mere viden om, hvordan store ensembler fungerer.

Som de fleste komponister kan være enige om, er musikteori meget vigtig. Jeg vil foreslå en bog om musikteori. Du kan klare meget med kun et begrænset kendskab til musikteori, men jo mere du lærer, jo mere avanceret bliver dine værker. Grunden til, at jeg anbefaler en bog, er fordi forfatteren starter meget grundlæggende og afslører mere avancerede koncepter senere. Dette gør det meget let, hvad du skal lære først.

Hvis du begynder at komponere, skal du ikke være bange for at bruge gentagelse i din musik. Der er intet galt med at gentage noget, du kan lide. Bare lyt til dette stykke fra Disney Pixar “s Up . Du skal starte med at komponere enkle klaverstykker. Mit første stykke var et simpelt klaver solo. Den havde ingen akkorder, en simpel melodi, der udnyttede kontrapunktet (på grund af manglende musikalske ideer) og masser af gentagelser.

Mit sidste råd er: Lad dig ikke modløs! Hvis du støder på en del i en sang, som du ikke kan afspille, sænk farten og noter den note for note, og afspil den hurtigere hver dag, indtil du får den så god som muligt. Hvis du kommer til et punkt, hvor dit sind er helt ugyldigt for musikalske ideer, det er fint! Det skete med mig mange gange. Og det kommer normalt til mig senere. Jeg er ingen professionel komponist, men jeg har skrevet nogle anstændige stykker. Den bedste måde at få inspiration på er at lytte til komponister, som arbejder med dig beundre. nogle af de største moderne filmkomponister er John Williams, Hans Zimmer og Michael Giacchino.

Kommentarer

• Et klaver er regelmæssigt en del af orkestre og koncertopførelser.
• Det er undertiden, men jeg ‘ har hørt orkesteret uden det mere end med det.

Jeg kan varmt anbefale at læse den ret korte bog: “ Musical Composition ” af Reginald Smith Brindle. Det er en glimrende introduktion til alle elementerne i, hvad komponisten har brug for at vide og overveje. Det er en af de få kompositionsbøger, som jeg føler står over for tidstesten og forbliver relevant selv i den digitale tidsalder.

Kommentarer

• $ 8 brugt på Amazon. Værd at have pengene værd.

At komponere musik er grundlæggende processen med at eksternalisere & at dokumentere den musik, der spiller i dit hoved / fantasi … At udvikle et bestemt niveau af dygtighed på keyboardet / klaveret (eller guitaren, hvis du har en modvilje mod keyboardet) vil vise sig at være en ekstremt nyttigt & nyttigt værktøj. Jeg anbefaler keyboardet af flere grunde.

1. Det er lettere at spille (det var designet til at være let & behageligt at spille – guitaren kræver mange akavede & ubehagelige manøvrer & aktiviteter med din fingre – herunder udvikling af hård hud!)

2. Tastaturet giver også en visuel grænseflade / gane, der kan være meget nyttigt at lette din indlæring & forståelse af den underliggende mekanik eller “grammatik” af musik (aka musik teori).

3. Når et tastatur er forbundet til en computer med en eller anden grundlæggende (billig / gratis) software / virtuelle instrumenter (eller anden lydproducerende hardware), kan det stort set producere ALLE lyd der er ! Jeg kunne fortsætte med at nævne mange flere grunde, men jeg håber, det skal være tilstrækkeligt.

Mit råd til at lære at spille keyboard er: at fokusere på en metode / teknik, der understreger “spiller efter øret”. Fordi, som jeg lige sagde: komponering er at nedskrive musikken i dit hoved – hvilket bare er en anden måde at sige “at spille efter øret” – at spille det, du hører i dit hoved. Personligt havde jeg et unikt sæt omstændigheder, der fik mig i gang, da jeg var yngre. I en nøddeskal: vi boede i et meget isoleret & fjerntliggende område – ingen potentiel lærer eller endda bøger til at guide mig. MEN vi havde et klaver, og jeg havde masser af tid. Jeg fandt først ud af, hvordan jeg kunne spille et par enkle melodier, efterhånden begyndte jeg at finde ud af, hvilke af de andre toner der lyder rigtigt eller godt at lege med melodien. Jeg var ikke klar over det på det tidspunkt, men i det væsentlige var jeg ved at finde ud af det grundlæggende inden for musikteori. Inden længe lærte jeg at spille på keyboardet næsten alt, hvad jeg kunne forestille mig i mit hoved, eller som jeg ville høre fra radioen, osv.

Senere, da jeg var i stand til at tage musikteori klasser & klaverundervisning, var jeg i stand til at udvikle mig ret hurtigt, fordi jeg egentlig bare lærte officielle ord, udtryk & teknikker til de begreber, jeg allerede havde formuleret.

Grundlæggende er ideen, at du begynder at spille & “lave” musik så hurtigt og så meget som muligt !!!

Jeg vil også opfordre dig til at slutte dig til en slags lokalsamfund eller kirkekor / band / orkester (du vil helt sikkert være i stand til at lære at spille percussion godt nok). Et kor er virkelig ideelt – du lærer meget om musik ved at lære & udføre det – især i et ensemble! Jeg synes det er mest logica l & “nem” måde at opdage & forstår virkelig, hvordan musik kommer sammen – bit for bit & lag for lag. Det vil også være en intuitiv & effektiv måde at gøre dig fortrolig med det grundlæggende i “skrevet musik” & hvordan man læser det – men uden den kedelige, komplicerede, abstrakte indstilling af en musikteori-klasse eller en eller anden “lærebog” …

Ud over at deltage i et kor eller et instrumentalt ensemble beder jeg dig også om at finde en trommecirkel, som du kan gå til og deltag i. De fleste byer & selv mellemstore byer vil have noget lignende, der mødes mindst en gang om måneden, hvis ikke ugentligt. En trommecirkel vil være som en skattekiste med en helt anden form for information, oplever & begreber, som du ikke vil kunne finde andre steder! Hvis intet andet, vil det bare hjælp til at få din kreativitet stimuleret & flyder … Underskad ikke kvaliteten eller kvantiteten af værdifuld indsigt og erfaring, der er tilgængelig for dig gennem offentlige, improvisationsmæssige, deltagende begivenheder!

Jeg håber, dette har bidraget til at udvide dine koncepter & ideer om, hvordan du kan gå til at lære at skabe original musik. Jeg håber, jeg har formået at indgyde dig vigtigheden af straks “få dine fødder våde” ved at blive involveret i “at lave musik”.

På forsiden af det bedste måde at lære at komponere på er at begynde at komponere! Få et gratis / billigt musiknotationsprogram som MuseScore eller MusicMasterworks, og start eksperimenter. Se hvad du kan komme med. Jeg garanterer ee, at du vil lære meget om toneforhold, frasering, melodi og rytme, der bare roter rundt – og du kan også komme med nogle seje melodier!

Men hvis / når du beslutter dig for at blive seriøs, skal du overveje følgende:

Komponister er ikke nødvendigvis musikere, og det er heller ikke musikere, der er nødvendigvis komponister. Forskellen mellem en komponist og en musiker er det samme som forskellen mellem en forfatter og en taler. Den ene er bundet til den anden, stoler faktisk på den anden for at deres kunst skal komme til at virke; men de færdigheder, de anvender og de talenter, de skal have, er faktisk helt forskellige. Synes temmelig indlysende men det er godt at huske, fordi linjen mellem de to undertiden bliver sløret, når man tænker på musik.

Du skal kende musikteori for at komponere musik af de samme grunde, som du har brug for at kende grammatikregler for at skrive. Du behøver ikke lære musikteori at spille musik, men komposition er ikke det samme som performance.

Hvad er en musikalsk komposition? På det mest basale niveau er det ” et sæt instruktioner til musikere. Hvad er musik teori ? For det meste er det en definition af termer, så musikere kan kommunikere musikalske ideer ved hjælp af talesprog eller skriftsprog.Som du kan se, er de ikke det samme; men de er beslægtede.

Når du spiller musik, kommunikerer du dine musikalske ideer direkte med lyd. Men når det kommer til komposition, er du ” re kommunikerer dine musikalske ideer skriftligt. En musikalsk score er trods alt intet andet end musikalske ideer nedskrevet. Derfor er det at foretrække at kende musikteori, hvis du ønsker at kommunikere dine musikalske ideer til andre musikere.

Det er faktisk ikke obligatorisk at lære et instrument, hvis du ønsker det komponere musik, men det er ret svært at forestille sig at komponere uden det. Når du komponerer, bliver et musikinstrument et beregningsværktøj bortset fra alt andet. (“Fungerer dette interval? Forudsat at jeg kommer fra dette harmoniske forhold, kan jeg gå til dette harmoni?) Teoretisk set kunne du bare bruge din stemme, men det rejser spørgsmålet om, hvordan du tester flere toner, harmoniske relationer osv.

Tidsunderskrifter bruges i næsten al vestlig musik, hvad enten det er almindelige tidssignaturer som 2/4, 3/4 eller 4/4 eller mere komplicerede tidssignaturer som 7/8, 11/8, 13/8 15/8 17/8 osv. Den gode nyhed er, at de fleste vestlig musik er i 2, 3 eller 4. Den endnu bedre nyhed er, at næsten alle tiders signaturer er opdelt i undergrupper på 2 og 3, så selvom det lyder kompliceret, er det ret let (i det mindste begrebsmæssigt.) For at være en god musiker har du brug for en solid forståelse af rytme og tempo. Som komponist er en god rytmesans ikke nødvendig, men forståelse af tempo (især tempobegrænsninger på forskellige instrumenter) er afgørende.

Som musiker er det bydende nødvendigt at studere rudiment af percussion. At være i stand til at spille i tide og i tempo er lige så vigtigt som at være i stand til at spille i melodi. Kompositionsmæssigt er det bydende nødvendigt at lære, hvad der er muligt percussivt såvel som melodisk. Du vil også gerne lære harmoni , inklusive akkordstruktur. Mens du er ved det, lær “Kirkens” skalaer (ionisk, dorisk, frygisk, lydisk, mixolydisk, æolisk, locrian) og den pentatoniske skala.

At lære alt dette giver dig mulighed for at kommunikere din musical forestillinger mere kortfattet og tydeligt og giver dig også mulighed for at komponere musik meget hurtigere. Et sidste punkt om musik og komponering: du behøver ikke være en god musiker for at være en god komponist . Du skal forstå, hvordan instrumenter fungerer, hvordan tempo og rytme og alt det andet fungerer, men du behøver ikke være god til at spille. Du skal bare vide, hvordan det fungerer.

Hvis du vil lære orkesterskomposition komposition, der er virkelig en hel del ved det. Du skal tænke på det musikniveau, dit stykke kræver. Hvis du skriver et stykke, der kræver meget virtuositet, vil det (i bedste fald) være et skinnende mål for musikalsk tilbøjelige og (i værste fald) næsten aldrig spillet, fordi der ikke er mange mennesker, der kan spille det. et mere detaljeret niveau skal du være opmærksom på rækkevidden for hvert instrument, du skriver til, idet du husker, at rækkevidden varierer både efter musikerkompetence og band- eller orkesterkompetence. (Det forventede udvalg af juniororkester er meget anderledes end for eksempel London Symphony Orchestra.) Mulig instrumentudtalelse vil variere betydeligt alt efter mødested, og nuancerede volumen / instrumentændringer inden for kompositionen kan gå tabt, hvis stykket skal være udført udendørs eller i et akustisk ugunstigt miljø såsom en indendørs arena. Det er ikke usædvanligt at modtage anmodninger om at score bestemte stemmer for forskellige instrumenter, re-score hele stykket til en anden type musikgruppe (dvs. band / orkester / oktet / kvintet / trio / kor) eller at omarrangere stykket i en anden nøgle.

tl; dr: Få et gratis musikprogram, rod rundt og se hvad du kan gøre. Overvej det som det første skridt på en rejse på tusind miles.

Tag fat i et instrument og prøv at lære at spille det (helst et akkordinstrument). Spil enhver slags vrøvl for at varme op. Hvis “nonsens” begynder at blive mere interessant end hvad du prøver at lære, så er du en komponist. Hvis du selv ønsker at gå ud over at spille dine kompositioner, skal du enten lære at skrive musiknotation eller lære at komponere på noget som en midi-app, der konverterer din komposition til at score.

Den bedste måde at komponere i tilfælde af at du allerede kender musik, er at lytte til din yndlingsartist, lære deres tekst og sangstruktur og derefter prøve at lave en replika den bedste måde at komponere i tilfælde af at du allerede kender musik er ved at lytte til din yndlingsartist, lære deres tekst og sangstruktur og derefter prøve at lave en replika, dette vil give dig mulighed for at føle dig mere komfortabel og begynde at skabe din!

Jeg begyndte bogstaveligt talt bare at rode rundt i Apples gratis GarageBand-app på min iPad en dag i min frokostpause i skolen; Jeg gjorde mig bekendt med dens funktioner ved at læse gennem menuen Hjælp, og jeg begyndte at eksperimentere med de forskellige instrumenter og ting, der er tilgængelige for at se, hvad der lyder rigtigt. Jeg fandt også mange (gratis!) Nyttige ressourcer ved at køre en simpel Google-søgning, hver gang jeg blev stumpet om et bestemt problem. Til alle GarageBands anvendelser anbefaler jeg dog absolut ikke det som et primært værktøj til komponering; brug et program som MuseScore i stedet – deres hjemmeside har endda en række nyttige instruktionsvideoer, der dækker det grundlæggende i brugen af programmet.

Problemet med at komponere i GarageBand er, at appen ikke er beregnet til at være et værktøj til at skrive musik, det er et værktøj til at lave musik, som jeg har misbrugt. Det betyder, at når som helst jeg har ønsket at se på en kopi af noder til en sang, jeg har komponeret i appen, har det betydet at transkribere det hele i hånden, fordi Apples software ikke arbejde altid med andre computere. Transskription kan være meget besværlig og tidskrævende, så gentag ikke mine fejl!

Min evne til at komponere er stadig et igangværende arbejde, men det vigtige er, at fremskridtene sker. Se, for alle de tekniske aspekter har musikken i sin kerne musik, der handler om at føle, så stol på dine instinkter og vær ikke bange for at eksperimentere.